Імпресіонізм

В рамках модерністських шукань в області образотворчих мистецтв місце лідера займає живопис. В останній третині XIX ст. у Франції складається група художників (Клод Моне, Огюст Ренуар, Едгар Дега, Едуар Мане, Камілл Пісарро, Берта Морізо і ін), які прагнуть перетворити мистецтво, зокрема живопис. Вони довго не отримують визнання за межами свого кола, але з часом досягають поставлених цілей. Назва групи "імпресіоністи"носило спочатку іронічний характер, як би визначаючи несерйозний підхід, протипоставлений суворого академізму. Термін взятий від назви картини Клода Моне "Враження. Схід сонця" ("Impression. Soleil levant"), що експонувалася на виставці 1874 р. серед інших картин, відкинутих Академією мистецтв. Цей "салон знедолених" мав колосальний успіх, як і наступні сім виставок даної групи аж до 1896 р.

Імпресіоністи дійсно змінили мистецтво, а значить, і весь світ. Вони розвинули кращі традиції європейської живопису, збагативши її своїм суб'єктивним досвідом. Імпресіонізм естетизують реальність в її безпосередніх рисах, пейзаж у них стає активною дійовою особою, переставши бути фоном для персонажів. Свіжість барв, ошатність колориту роблять їх живопис дуже чарівною. Сприйняття цих картин вимагає від глядача певного вдосконалення. Витончене почуття колориту, експерименти з кольором, динаміка оптичних побудов приваблюють глядача, організовують його враження від картин. Критика імпресіонізму ґрунтувалася на відступах художників від буквалістського відображення дійсності. Не відразу було зрозуміло, що в їх творчості більше правди у відображенні реального світу, ніж у натуралістів.

Пейзажі писалися виключно на пленері - продовжуючи традиціїбарбізонців, імпресіоністи розробили систему законів пленеру. В їх пейзажах зображувалася буденна природа у всій її жвавості, мінливості, у складних стосунках природи і людини. Для повноти колористичне враження імпресіоністи використовують локальні кольори, аналітично розкладаючи складні відтінки на чисті кольори, змішуються в оці глядача. При цьому кожен з художників мав індивідуальною манерою письма, прийомами, створюють певний ефект сприйняття картини глядачем. Об'ємні форми на картинах як би розчиняються в световоздушной середовища.

Деякі принципи композиційної побудови - плинність форм, передача миттєвого руху - різною мірою позначилися в скульптурі 1880-1910-ті рр. у творчості Е. Дега, О. Родена, П. Трубецького, A. C. Голубкіної та ін.

Клод Оскар Моне (1840-1926), робота якого дала назву всьому напрямку, був по перевазі пейзажистом, у зрілі роки писав тільки пейзажі. Відмовившись від академічних вимог про плавний, поступовий перехід від світла до тіні, Моне пише предмети і фігури як би змащеними потоками світла і повітря. Цю техніку він удосконалював і на сільському, і на міському пейзажі, зображуючи квітучі сади, димні вокзали, загачені натовпом паризькі бульвари.

П'єр Огюст Ренуар (1841 -1918) починав разом з Моне спільною роботою на пленері. Це збагатило обох. Завдяки сміливому використання кольорових тіней і динамічному мазку зображення световоздушной атмосфери набуває у Ренуара дивну реальність. Ренуар створює ряд дивовижних портретів, у першу чергу жіночих. Його "Купальниці" затьмарюють чуттєвою красою рубенсовских дам. Прозорість і теплота шкіри, краса моделей, живий характер француженок відображені вражаюче і самобутньо. Діти на його картинах і зворушливі, і серйозні. Тварини сповнені мудрості та зверхності до людей. "Жінка з кішкою", "Мадам Шарпантьє зі своїми дітьми" - тому свідчення. Ренуар створив безліч образів городян у багатофігурних композиціях: "Бал в Мулен де ла Галетт", "Парасольки", "Сніданок веслярів" та ін.

Едгар Ілер Жермен Дега (1834-1917) є одним з найвизначніших імпресіоністів. В першу чергу живописець, він також автор численних скульптур. Працював і як графік. Для Дега характерні пошуки передачі драматичного, напруженого руху. Він захоплено малює скачки. Безліч зображень танцівниць передає нам чарівність паризького балету. Особливо витончені картини "Репетиція балету на сцені", "Блакитні танцівниці", "Зірка балету". Жінки на картинах Дега показані в основному через пластику фігури. Дега не лестить своїм моделям, вони не завжди красиві, але обов'язково цікаві, характерні, їх довго пам'ятаєш.

Едуар Мане (1832-1883) - один з основоположників імпресіонізму. Отримав академічну художню освіту, чудово знав живопис старих майстрів. Мане був авторитетний серед своїх молодших колег як професіонал. Мав ворожі почуття до художньої рутині. Можливо, саме тому його полотна викликали скандали, епатували публіку: "Олімпія", "Сніданок на траві". У цих картинах художник інтерпретував традиційні сюжети новаторськи. Мане не брав участь ні в одній сучасній йому виставці імпресіоністів, але у XX ст. і в наші дні на їх ретроспективних виставках обов'язково буває представлений.

Художник захоплювався також побутовими сценами, привносячи в них витончену спостережливість. Найкраще полотно цього періоду "Бар у Фолі-Бержер". Виписаний у реалістичній традиції передній план картини контрастує з другим планом. Перед глядачем на першому плані стоїть доброзичлива і дещо відсторонена барменша, другий план - дзеркало за її спиною, в якому відображається і сама господиня бару, і весь інтер'єр Фолі-Бержер, і відвідувачі. Тут все виглядає розмитим, майже нереальним. Мане як би об'єднує улюблені прийоми на одному полотні.

Берта Морізо (1841 -1895) - внучка Фрагонара, брала уроки живопису у Коро, потім долучилася до імпресіоністів. Теми у Морізо пов'язані зі щасливими сюжетами материнства, прогулянок на природі. Повна сонця і світла живопис Берти Морізо витончена, радісна. Її картини вносять чималу лепту в уявлення про француженками.

Імпресіоністи повернули живопису лідируюче положення серед інших мистецтв.

Наступне покоління імпресіоністів, зване поруч дослідниківнеоімпресіоністами, а також постимпрессионистами, формувався під впливом творчості засновників цього художнього напряму. Сюди відносяться Сезанн, Сірка, Ван Гог, Гоген, Тулуз-Лотрек, Сіслей та деякі інші митці. Для них характерний відносно пізній прихід в мистецтво, відсутність академічної художньої освіти, яскравість особистісних особливостей, потужне прагнення до самовираження, пошук нових виразних засобів. Завершується цей період творчості імпресіоністів діяльністю групи "Набі", орієнтованої на розвиток досягнень постімпресіоністів, але за змістом своєї діяльності вже близькою до модернізму.

Коли мова йде про особистості такого масштабу, яких ми зустрічаємо в середовищі постімпресіоністів, можна було б вибудовувати ніяких ієрархічних схем - вони всі були геніальні. Але практика мистецтвознавства виводить на перше місце Поля Сезанна (1839-1906). Він походив з заможної родини, де на нього покладалися надії як на майбутнього фінансиста, але Сезанн рано став брати уроки живопису, спочатку в школі малювання в Екс-ан-Провансі, звідки він родом, пізніше в академії Сюиса в Парижі. Дружив з багатьма імпресіоністами, але особливо близько - з Пісарро, якого вважав своїм наставником. Живопис імпресіоністів не задовольняла Сезанна своєї споглядальністю, аморфністю, йому хотілося передавати речовинність світу через виявлення та показ структури предметної середовища. Він легендарно довго працював над своїми полотнами, досягаючи бажаних ефектів. Саме Сезанну належить відкриття, що структура предметів завжди близька простим геометричним формам, тому його ще вважають засновникомкубізму і конструктивізму. Фігури людей, силуети дерев і гір, і всього на світі знаходяться у Сезанна в складному, нестійкому рівновазі. До шедеврів майстра належать полотна "Дівчина у піаніно", "П'єро і Арлекін", "Гра в карти", "Натюрморт з гіпсовим купідоном" і безліч пейзажів, які він писав особливо охоче у пізній період творчості.

Жорж-П'єр Сірка (1859-1891) - засновник пуантилізму (від фр. point - точка), також званого дивизионизмом (від фр. division - поділяю). Сірка увійшов в історію живопису як людина, довів до логічного завершення ідею локального кольору: художник зовсім відмовляється від змішування кольорів і формує свої живописні образи з окремих маленьких різнокольорових мазків, які розпадаються на зразок фрагментів мозаїки, якщо розглядати картину поблизу, але набувають виразність і осмислену фігуративність, якщо дивитися на неї здалеку. Його пензлю належать чудово красиві пейзажі: "Маяк в Онфлері", "Порт-ан-Бессен, зовнішня гавань, прилив", "Недільний день на острові Гран-Жатт". Він мало прожив, але без його ідей вигляд сучасного світу був би іншим. Спроба Сірка будувати колорит картин на строгому розрахунку не цілком вдалася, так як з його допомогою техніки послідовники ідей Сірка стали створювати яскраво індивідуальні та емоційні роботи.

Поль Синьяк (1863-1935) слідом за Сірка прагнув використовувати в своїй творчості дані науки про світло, колір і візуальному сприйнятті. Йому вдається передавати трепет життя і чудову красу природи. Він встиг попрацювати у всіх мислимих жанрах і видах художницької діяльності. Проте особливо гарні пейзажі: "Папський палац в Авіньйоні", "Сосна в Сен-Тропе", "Жовта човен Венеції" та інші. Синьяк протягом багатьох років був беззмінним головою виставок, що проводяться Товариством незалежних художників.

Анрі де Тулуз-Лотрек (1864-1901), повне ім'я Анрі Марі Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа, представник аристократичного роду з тяжкої і дивною долею, став міфологізованої фігурою ще за життя, а пізніше його образ був розтиражований у фільмах, книгах, легендах. Хвороби і травми деформують його тіло, позбавляють зовнішньої привабливості. Анрі Тулуз-Лотрек, маючи можливість жити в естетично досконалої середовищі і слідувати гідним академічним зразкам, оспівувати світ аристократії, рішуче відкидає це. Він знаходить собі друзів у світі богеми. Його моделі - пралі і наїзниці, повії і зірки вар'єте - яскраво індивідуальні, внутрішньо вільні. Тулуз-Лотрек не дає своїм персонажам оцінку, він просто оповідає про них. При цьому з кожним роком його художницька манера вдосконалюється, він знаходить можливість досить скупими засобами передавати і складну людську психологію, і рух: багато разів він малює танці, скачуть коней. У портретах пензля Тулуз-Лотрека завжди відчувається індивідуальна манера руху персонажів.

Особливе місце займає графіка Тулуз-Лотрека. Їм створено 30 рекламних плакатів-афіш. Він першим із знаменитих художників приходить у цей прикладної жанр і задає в ньому дуже високий художній рівень. Тулуз-Лотрек, як і всі постімпресіоністи, захоплювався японськими гравюрами. І в його графічних роботах відчувається їх вплив. Створені ним плакати привертають високою декоративністю.

До кращих творів художника належать картини "Салон закладу на вулиці де Мулен", "Танець у Мулен-Руж", "Жюстіна Дьель в саду Фореста", "Клоунеса Ша-Ю-Као", "Цирк Фернандо" та багато інших творів, які розповідають про цей час з безприкладною переконливістю.

Вінсент Ван Гог (1853-1890) належить Голландії і Франції одночасно. Він отримав богословську освіту і чесно виконував свій обов'язок перед паствою, виступаючи захисником бідняків. Безпросвітна бідність, з якою Ван Гог зіткнувся як проповідник в шахтарському селищі, і байдужість церковників до неї призводять розриву Ван Гога з релігією. Він бере уроки живопису в Брюсселі, Антверпені, Гаазі. Ранні роботи присвячені життя найбідніших верств. Похмурий колорит цих полотен, гнітюча атмосфера - ніщо не віщує бенкет фарб у зрілого Ван Гога, але сила вираження емоцій вже говорить про видатного талант художника. Така чарівна картина "Їдці картоплі".

Переїзд в Париж і знайомство з творчістю імпресіоністів відкривають Ван Гогу нові творчі можливості, пов'язані з кольором. Але особливо яскраво розквітне колористичний геній художника при знайомстві з природою півдня Франції, коли він переїжджає в Арль. Тут Ван Гог створює свої кращі роботи: "Червоні виноградники в Арле", "Зоряна ніч", "Нічне кафе в Арле", "Соняшники". Проте в цей же час починає погіршуватися психічне здоров'я Ван Гога. Приїзд в Арль Гогена відіграє фатальну роль: дві яскраві особистості сваряться, і це призводить до загострення хвороби Ван Гога. Він і в останній рік свого життя продовжує створювати шедеври, переплавляючи свої страждання у високе мистецтво. Але останні його роботи повні символів смерті, наприклад "Хлібне поле з воронами". Ван Гог покінчив з собою. Всього він писав картини близько п'яти років. І за цей час став одним з найбільших художників в історії живопису. Його картини цінують сьогодні на аукціонах надзвичайно високо, особливо представники Японії.

Поль Гоген, повне ім'я - Поль Ежен Анрі Гоген (1848 - 1903) - ще одна міфологізована особу з числа постімпресіоністів. В молодості він був моряком, потім - успішним біржовим маклером. Він міг дозволити собі колекціонувати живопис, віддаючи перевагу полотен художниківбарбізонської школи. Їм поступово опановує прагнення до самостійного пошуку художнього самовираження, переходить у пристрасть, подчинившую все його життя. Гоген продовжує подорожувати в пошуках заробітку (працює на будівництві Панамського каналу) і просто за велінням душі. Для нього стають тісні рамки імпресіонізму. Повернувшись в Порт-Авен, Гоген об'єднує групу художників, проголошуючи "кольоровий синтетизм". Форми предметів і фігур в їх творах спрощені, контури, "заборонені" в імпресіонізмі, тут полемично прописуються чорним або темно-синім, заполняясь яскравими колірними плямами. Прикладом живопису Гогена в цей період може служити картина "Бачення після проповіді. Боротьба Якова з ангелом". Але виставка "синтетиків" в 1889 р. провалилася, і Гоген знову покидає Європу в пошуках більш підходящої йому реальності. Художник знаходить її на островах Таїті і Домінік - Полінезія дає Гогену і адекватний його фантазіям пейзаж, і чудових натурщиків, заповнюють відтепер його полотна. Їх екзотична краса, невимушеність, простота звичаїв полонили Гогена. Там він створює найкращі свої роботи: "А, ти ревнуєш?", "Вершники на пляжі", "Звідки ми? Хто ми? Куди йдемо?". Однак відірваність від цивілізації призвела відлюдника до плачевного кінця, він помирає в Атуоне, на Маркізьких островах, від бідності і хвороб. Але його досягнення у живопису продовжують вражати людство.

Постімпресіонізм започаткував дробитися на нові групи. Однією з найцікавіших була група "Набі" (пророки), що сформувався багато в чому під впливом творчості Гогена. У ньому наступне покоління художників приваблювала декоративність, статичність, свобода використання колориту. Однак вони ніколи не вдавалися до прямого наслідування, вони шукали свій шлях - до витоків імпресіонізму. Група існувала в Парижі в 1890-1905-х рр. Її представники створили своєрідний варіант модерну, вони легко йшли в сферу прикладного мистецтва, малюючи ескізи килимів, інтер'єрів, театральних декорацій. П. Серюзьє, А. Дені, К. Руссель, пізніше П. Боннар, Е. Вюйяр, А. Майоль складали кістяк групи.

П'єр Боннар (1867-1947) створює світлі за колоритом пейзажі, наприклад, "Рання весна. Маленькі фавни", "Пейзаж з товарним поїздом", "Середземне море" (панно з трьох частин), "Сукня", "Кімната для сніданку" та інші. Боннара називають "останнім імпресіоністом".

Едуар Вюйяр (1868-1940) - живописець, графік і декоратор. Експериментував, віддаючи данину японськими гравюрами: "У ліжку", "Піаніно". Співпрацював з провідними театрами. З роками в його творчість приходить монументальність, Вюйяр створює масштабні роботи, наприклад, для палацу Шайї у співпраці з Боннаром і Русселем оформляє театральне фойє. В кінці життя писав в основному квіткові композиції, радують око імпресіоністичним колоритом.

Моріс Дені (1870-1943) - живописець, історик мистецтва. У нього було прізвисько "Набі гарних ікон", пов'язане з його захопленням християнством, з розписами церков. Дені вносить у свої роботи елементи гумору, стилізації, іноді допускаючи пряме цитування чужих образів, зовсім у дусі постмодерну. Така картина "Привітання Сезанна", в центрі якої відтворено полотно Сезанна "Натюрморт з вазою для фруктів і тарілкою з печивом". Зворушливо і винахідливо за колоритом полотно "Рай". Дені створив для особняка І. А. Морозова в Москві розпису "Історія Психеї", що нині зберігаються в Ермітажі. Сам Дені визначав свою творчість як неотрадиционализм.

Не можна не сказати про не приєдналися ні до якого певного напряму Амадео Модільяні і Морисе Утрілло. До короткого і яскравого життя і творчої долі Амадео Модільяні (1884-1920), не визнаного за життя скульптора, живописця, графіка, повною мірою відноситься гірка істина: "для того щоб тебе визнали, треба померти".

Уродженець Ліворно, Модільяні приїхав у Париж в 1906 р. двадцятидворічний, але вже сформованим майстром, отримавши художню освіту спершу в майстерні скульптора Габріеле Мідоелі, потім з 1902 р. у "Вільній школі малювання оголеної натури" при Флорентійської Академії мистецтв у живописця Джованні Фаттори, з ім'ям якого в італійського живопису зв'язується напрям "маккьяйоли" (вільний лист барвистими плямами), і в "Вільній школі оголеної натури" Венеціанського Інституту образотворчих мистецтв. У Парижі Модільяні (або, як його називали друзі, Моді) брав уроки в Академії живопису Колароссі. Моді вписався в богемне атмосферу творчої співдружності монпарнасских художників і поетів, які по достоїнству оцінили справді великий талант молодого італійця.

Володіючи неповторною живописною манерою, чудовий рисувальник, Модільяні тим не менш відчував на собі вплив графіки Лотрека, живопису Сезанна і Пікассо, а як скульптор (яким він мислив себе в першу чергу) ввібрав в себе і класику античності, і строгу лаконічність єгипетських рельєфів, і примітив африканських скульптур, і мистецтво кхмерів.

Модільяні вважають генієм зображення оголеної натури" - ню, однак першою (і єдиною) персональної прижиттєвої виставці 1918 р. саме ці картини викликали обурення паризької публіки своєю відвертою чуттєвістю. Його ню і портрети (в основному жіночі - Жанни Эбютерн, Беатріс Хастінгс, Олени Поволоцкой і багатьох інших), теплі, насичені за колоритом рудо-сонячним кольором і дещо перебільшені, поєднують в собі твердість геометричних пропорцій: вузькі, злегка плоскі особи, "лебедині" шиї, витягнуті фігури, довге волосся, - і пластичну витонченість: плавні лінії надають картинам дивовижну чистоту і легкість.

Картини і малюнки Амадео Модільяні повною мірою визнали нащадки - на світових аукціонах цінителі платять за них такі суми, які фактично жебрак художник не міг собі й уявити, навіть знаючи справжню ціну своїм творінням.

Моріс Утрілло (1883-1955), який отримав визнання лише через десятиліття після початку творчого шляху, - справжній співак Парижа: знамениті собори, міські вулиці, набережні Сени, Монмартр побачені їм як би "в чистому вигляді", він не пише людей, свідомо виділяючи лише найдрібніші подробиці пейзажу. Манера його письма фактурно, він пише кольоровими шарами, експериментує з чужорідними для живопису матеріалами (піском, мохом), домагаючись гранично точної передачі обсягів і контурів предметного світу. Картини Утрілло сповнені світлої гармонії і притягують глядачів якоюсь таємницею, яка криється в простих на перший погляд пейзажах.

На закінчення розмови про постимпрессионизме слід підкреслити, що всіх художників цього напряму об'єднувала думка про звільнення живопису від влади літературного тексту, від ролі истолкователя тексту, про набуття живописом самостійного, специфічного для неї естетичного сенсу і змісту.