Інструментальна музика XVII - першої половини XVIII ст.

В епоху бароко всі інструментальні жанри ще перебували в "бродінні" щодо наступних епох. Часто одне родове назва об'єднувало самі несхожі композиції, тому особливо важливо розібратися в тому, як називалися ці жанри і що вони представляли.

Провідним жанром бароко виявився концерт. Принцип концертування взагалі типовий для епохи - недарма її іноді називають "епохою концертує стилю". Навіть опера в часи Генделя ще називається концертом і є таким, оскільки це ще не психологічний театр, а декоративне оформлення побутового дозвілля. Церковна кантата, ораторія і навіть меса в новітніх також тяжіють до концертного стилю (rapresentative).

Спочатку концерт в епоху бароко пишеться для невеликого, камерного оркестру, частіше струнного, в якому обов'язково присутній клавесин. Такий ансамбль називався "капела". В епоху бароко існували три різновиди концерту, визначаються його виконавським складом: для оркестру, для соліста з оркестром, сольний концерт.

Найбільш ранній з них - концерт для оркестру - "concerto grosso", що означає "великий концерт", він призначений виключно для "слухання". Він склався в останній третині XVII ст., швидко досяг короткого, але блискучого розквіту в творчості Кореллі, Вівальді, Баха і Генделя, і так само швидко зник у другій половині XVIII ст., коли в музиці затвердився стиль класицизму

Відомий приклад жанру концерту з солирующим інструментом (скрипкою) - "Пори року" А. Вівальді. Цей цикл входить у восьмий опус, присвячений "Высокоуважаемому Венцеслао фон Морцину графу Судетскому". Загальний заголовок цього опусу незвичайний: "II cimento-inventione" ("досліди в області винаходу"). "Пори року" - чотири інструментальних концерту, програмне зміст яких розкривається спеціально написаними до кожного концерту сонетами, а також деякими поясненнями в тексті частин. Вірші анонімні, але відомо, що сам Вівальді досить професійно володів віршем. Сонети, не дивлячись на їх деяку наївність, все ж досить поетичні.

У елегійно сумних повільних частинах концертів знаходить відображення характерна подібна сфера оперного ламенто - арії страждання, скорботи, благання. Друга частина першого концерту описана в сонеті як сон пастуха, але трагічний характер мелодії змушує думати про улюблених бароко символи сну-смерті. У Вівальді цей образ виникає не раз: у самому циклі "Пори року", в концертах для флейти та фагота "Ніч", в сцені сну з опери "Олімпіада".

Солирующая скрипка у циклі "Пори року" представлена досить самостійною і виразним музичним матеріалом. Чудове інструментальне чуття Вівальді знаходить відображення в блискучих сольних концертах для скрипок і духових інструментів. Знаменитий Концерт для чотирьох скрипок - у святковому концерті, присвяченому 60-річчю ізраїльського філармонічного оркестру під керівництвом диригента Зубіна Мети в 1996 р. Його виконували видатні скрипалі світу: Шломо Мінц, Жиль Шахам, Максим Венгеров і Менахем Брейер.

Інструментальний стиль Вівальді - своєрідна предформа того виду жанру, який ми сьогодні представляємо як твір для сольного інструменту з оркестром. На XVII ст. припадає розквіт діяльності великих скрипкових майстрів Страдіварі, Аматі і Гварнері. Створений саме в цю епоху сольний концерт виявився підготовлений, з одного боку, мелодично розвиненим стилем оперних арій, а з іншого - закріпленням в оркестрі нового інструменту - скрипки, відкриває величезні перспективи в реалізації як технічних, так і звукових, тембрових, колористичних можливостей.

Епоха бароко приносить справжній розквіт інструментального виконавства, і жанри інструментальної музики численні: це сонати, сюїти, річеркар, преамбули і прелюдії, токати, варіації, екзерсиси, штудії; у французьких композиторів отримує розвиток жанр невеликий характерною клавирной п'єси.

Перспективним для всієї подальшої історії виявляється жанр сонати,зазнав колосальних трансформації і досяг найвищого розквіту в творчості Л. Бетховена. Термін "соната" (sonare - звучати) виник наприкінці XVI ст. для позначення будь-якого інструментального твору (переважно ансамблевого), на відміну від вокальної кантати (cantare - співати)1.

У період інтенсивного розвитку сонати багато найважливіші досягнення були пов'язані з діяльністю композиторів-клавиристов різних національних шкіл. З них виділяються німецька школа, яка висунула свого найбільшого представника В. Кунау (1660-1722), і особливо італійська. Саме італійська школа представлена великою кількістю композиторів на чолі з Б. Пасквіні, автором перших сонат для клавіру. Однак ніхто з них не досяг таких блискучих результатів, як учень Пасквіні -ДоменикоСкарлатти (1685-1757) (син знаменитого неаполітанського оперного композитора Алессандро Скарлатті).

Ім'я Скарлатті було широко відомо всієї музичної Європі, хоча за життя композитора був опублікований лише невеликий збірник клавесинных п'єс - "Вправи для гравичембало", які ми зараз називаємо сонатами. Збірника подане таке передмова: "Не жди - чи ти дилетант або професіонал - в цих творах глибокого плану; бери їх як забаву ("Scherzo"), щоб привчити себе до техніки клавесина... Бути може, вони здадуться тобі приємними, - і тоді я готовий відповісти на нові запити в стилі ще більш доступній і різноманітному. Будь же поблажливим і менш суворим у критиці. Від цього лише зросте належне насолоду... Будь щасливий".

На це є передмова часто посилаються дослідники, які відносять Скарлатті до так званого галантному стилю. Дійсно, багато в музичному стилі Скарлатті визначалося його життям придворного клавесиніста. Витонченість, "приємність тони", елегантність "музичного розмови" - ці особливості творчості представляються як своєрідне обмеження етикетом, ознаки галантного стилю. Але було б правильніше не приймати всерйоз цю "інструкцію" до сонат (жартівливе кокетство великого музиканта перед своїми сучасниками) і поставитися з увагою до становлення нового інструментального жанру.

У літературі часто зустрічаються вказівки на театральну природу музики Доменіко Скарлатті. "...Там штрих, що фіксує жест, тут несподівано врывающийся оборот, немов вбіг новий персонаж, нова маска". "Це "ігрове роздолля" наглядової розуму і чуйного слуху: кожна думка - гра, кожне висловлювання - чіткий образ. Усюди рух, жест... і все це у стилі життєрадісною ігри".

Невелика п'єса для клавіру в епоху бароко відповідає потребам жанрово-стильової ситуації, пов'язаної з особливим видом музикування - "домашнім" концертом. У камерній обстановці побутових розваг вона звучала по-різному при французькому дворі, в садибі німецького дворянина або скромному будинку бюргера. Проте скрізь вона була пов'язана з танцем, що складає її основний жанрово-стильової ознака, що визначає атмосферу вишуканого пластичного регламенту аристократичного поведінки епохи.

Перша половина XVIII ст. в культурі Франції - це період розквіту напрямкирококо з його поняттями вишуканого смаку, гарних манер, галантності, витонченість, камерності, сентиментальних почуттів. Образ придворної дами, що стояв у центрі устремління рококо, вплинув на розвиток нових тенденцій в мистецтві: інтересу до деталей, мініатюрності, декоративності, орнаментальности. Крім того, французька школа зазнала величезний вплив культури національного театру.

Впливом театру пояснюється і панування програмності у французькій школі. Франсуа Куперен (1668-1733), видатний органіст і клавесиніст, придворний композитор, автор понад 250 п'єс для клавесина. У них дуже поширена "сільська" тематика - наприклад, в Шостий сюїті з її п'єсами "Женці", "Щебетання", "Мошка", "Пастораль". Перша п'єса сюїти - "Женці" - особливо популярна. Це дуже поширений серед клавесинных п'єс Куперенаменует. Зростання популярності цього танцю припадає на роки дитинства і юності композитора.

Особливу роль у клавирном стилі Куперена грає мелизматика - орнаментальне прикраса мелодії спеціальними фігурами (трелями, форшлагами, мордентами тощо). Вона розчиняє лінію в нескінченних візерунках, подібно рокайльному орнаменту, робить тканину більше живої, трепетної. Це витонченість пов'язано з тим, що більшість творів Куперена призначене для виконання дамами у вишуканому суспільстві. Звідси і вибір характерних образів: жіночі портрети, пасторальні картинки, зображення ніжних почуттів.

Куперен - автор оркестрових "Королівських концертів", мес, органних творів - був надзвичайно знаменитий серед сучасників як виконавець, за що його називали Великим.

Інструментальна музика епохи бароко охоплює значний час і її зразки надзвичайно різноманітні в різних країнах Західної Європи. Але головні "піки" цього нового музичного пласту - Франція, Італія, Німеччина. Скарлаттти, Куперен, Вівальді, Гендель, Бах - це не тільки вершини барокового інструментального стилю. Вони заповідають майбутнього музичного мистецтва настільки серйозні рубежі, що можуть бути названі вершинами музичного мистецтва на багато десятиліть і століття - аж до наших днів.

Йоганн Себастьян Бах (1685-1750) - творча вершина епохи бароко, осеняющая собою всі наступні епохи західноєвропейської, російської та світової класичної музики. Проживши життя виключно в провінційній Німеччини, він зумів узагальнити досягнення всіх західноєвропейських шкіл, зокрема італійської опери, хоча сам не написав ні одного твори в цьому жанрі. Він не володів підприємливістю Генделя, не був схильний до ризикованих проектів, як Вівальді, тому не мав гучної слави за життя. В одній з газет, що опублікували некролог, було написано "Помер батько Великого Баха". Сучасники не вважали Йоганна Себастьяна і композитором - це слово прийшло в культуру пізніше. Він був капельмейстером" у герцогів (Веймарського і Кетенського), "фигураль-органістом", кантором і "музичним директором" всіх церков Лейпцига і, правда, користувався за життя авторитетом чудового органіста і клавесиніста. Творчість В.-С. Баха було міцно забуте у часи тріумфу віденської класичної школи та відроджено Феліксом Мендельсоном Бартольді в 20-х роках XIX ст. Організувавши в 1829 р. в Берліні виконання "Страстей за Матфеєм", він привернув увагу громадськості до феномену В.-С. Баха. У 1850 р. було створено "Баховское суспільство", яке опублікувало всі рукописи композитора (за півстоліття було видано 46 томів).

Творча спадщина В.-С. Баха унікально і для своєї епохи, і для всієї історії класичної музики. Якщо західноєвропейське бароко XVII століття відрізняє протистояння і навіть боротьба церковної і світської гілок музичного життя, до першої половини XVIII ст. світське музикування значно тіснить церковну традицію. Розквіт опери, становлення музичної драми К. Глюка, інтенсивний розвиток інструментальних жанрів концерту, сонати, фантазії, варіації визначає пріоритети музичного життя європейських столиць. В.-С. Бах рівновеликий у творах світських і церковних. Його інструментальні шедеври - концерти для скрипки і клавіру, Бранденбурзькі концерти та оркестрові сюїти, двотомний "Добре темперований клавір", "Гольдберг-варіації", сюїти для клавіру і струнних інструментів - складають основу репертуару сучасних виконавців і багато звучать на концертній естраді. Чудові органні твори, без яких не обходиться жоден концерт в органних залах, широко використовуються в театрі і кіно. Характерні приклади: постановка Р. Петі за драмі Ж. Кокто "Дівчина і смерть" на музику органної Пассакалии c-moll, яка ось уже півстоліття не сходить з балетної сцени; органна хоральна прелюдія f-moll "Ich ruf zu Dir, Herr Jesu Christ" ("Взиваю до тебе, Господи") становить музичну канву фільму А. Тарковського "Соляріс". Разом з тим В.-С. Бах - автор знаменитих "Пассионов" за Матфеєм, Іоанну, монументальної Різдвяної ораторії, католицької Меси h-moll, "Магніфікат". Тільки духовних кантат їм створено більше 200. А всього творча спадщина містить понад 1000 творів.

Такого "рівноваги" церковної і світської традицій можна знайти цілком природне пояснення в своєрідній "трудовий книжці" В.-С. Баха: він писав у жанрах, безпосередньо пов'язаних з місцем роботи та посадовими обов'язками.

З 1703 р. 14 років він живе і служить в Веймарі, з 1708-го - придворним музикантом герцога Ернста Саксен-Веймарського в замковій церкві і капелі. Отримавши музичне виховання в школах при церкві, Бах з самого дитинства по-справжньому захоплений органом - королівським інструментом бароко. Ивеймарский період - це період в основному органного творчості: численні хоральні прелюдії, знаменита Токата і фуга!-то1, пассакалия з-то1, допомога по імпровізації на хорал "Органна книжечка". Слава Баха як майстри органної гри розноситься далеко за межі Веймара.

Наступні шість років (1717-1723) - нова світська служба. При дворі герцога Леопольда Ангальт-Кетенського як керівник інструментальної капели Бах пише в інших жанрах: сонати і партити для скрипки соло, для віолончелі соло, Англійські і Французькі сюїти для клавіру, шість Бранденбурзьких концертів для оркестру. В Кетені Бах починає свій знаменитий цикл "Добре темперований клавір", що демонструє переваги нового акустично "вирівняного" ладу: 24 прелюдії і фуги у всіх тональностях. Згодом, вже в Лейпцигу, він створить другий том - ще 24 прелюдії і фуги.

Вірний своїй невичерпній любові до жанрами церковної музики, Бах пише "Пассионы по Іоанну", після виконання яких у Лейпцигу в 1723 р. в церкві св. Томаса отримує посаду кантора цієї церкви. Відтепер до кінця життя він створює в основному музику для протестантського богослужіння - вокально-інструментальну та органну. У цей період народжуються шедеври "Пассионы за Матфеєм" (1727), Меса сі-мінор (1733), численні духовні кантати.

Хоча його інтерес до клавіру (клавесину) і новаторський підхід до жанрів - концерту, сюїті - не згасав і в Лейпцизький період. У 1742 р. він пише чудову Арію з 30 варіаціями, відому під назвою "Гольдберг-варіацій", після відвідування прусського двору Фрідріха Великого складає в подарунок монарху цикл п'єс "Музичне приношення" (1747). В останні роки життя вже хворий і майже осліплий Бах створює шедевр для клавіру - "Мистецтво фуги" (1749-50): 14 фуг і чотири канону на одну (!) тему. Ці твори вінчають німецьку традицію барокової поліфонії і разом з тим виходять далеко за межі своєї епохи, стаючи для багатьох поколінь композиторів еталоном майстерності - винахідливої роботи з музичною тканиною і зразком змістовної глибини інструментальної музики, не пов'язаної зі словом.

Слава музики В.-С. Баха в західноєвропейській музичній культурі унікальна - жоден композитор бароко не удостоївся такої популярності протягом двох століть після його "відкриття" романтиками. Його твори стали "школою" для виконавців саме в XIX ст.; і сьогодні для тих, хто навчається музиканта, починаючи з азів гри на інструменті, Бах завжди - основа репертуару. Серед класичних "хітів" - прелюдія з I томи "ДТК" C-dur, переложенная Ш. Гуно з текстом "Ave Maria", Чакона для скрипки соло (з Партити b-moll), Арія альта з "Пассионов за Матфеєм".

Феномен музики Баха, звичайно, не просто в найвищому композиторському майстерності. Напевно, в першу чергу він і полягає в тому незбагненний рівновазі жанрів церковної та світської традиції, яке зробило ораторії, кантати, пассионы і меси прикрасою світської концертного життя, починаючи з факту берлінського "відродження", коли прозвучали "Пассионы за Матфеєм". Бах, увенчавший своєю творчістю багатовікову патріархальну традицію (протестантський хорал, нідерландську поліфонію, німецьку техніку органного колорування), зумів надати своїй вокальної та інструментальної мелодики "італійську" оперну виразність і красу. Ця краса в поєднанні з глибиною, серйозністю, високою духовністю відрізняє самі прості і нескладні п'єси з сюїт, дидактичних збірників, концерти і, звичайно, органні хоральні варіації, стираючі грань між церковною і світською музикою.