Описание картин В.А. Серова

1. Картина «Похищение Европы». 1910 г. Масло

Сюжет картины, взятый из древнегреческой мифологии, принадлежит к одному из любимейших сюжетов мирового искусства. Европа была дочерью финикийского царя Агенора. Влюбившийся в нее, Зевс явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами (обрывок гирлянды можно видеть и в серовской картине). Наконец, Европа решилась сесть на спину быка-Зевса - тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса и впоследствии родила ему трех сыновей-героев. Похищение Европы Серова - не столько изображение мифа, сколько его отблеск, эмблема всего мира греческого искусства с его "высокой декоративностью, граничащей с пафосом", как говорил Серов. Часто присутствующий в работах художника момент игры с художественными воспоминаниями явлен и здесь: ритмично ныряющие дельфины. Бык напоминает изображения быков на древнегреческих сосудах (быть может, отчасти поэтому Серов первый из художников, изображавших миф о похищении Европы, отступил от первоисточника, рассказывающего о белом быке с золотыми рогами - коричневый бык напоминает о росписях краснофигурных ваз). Неожиданно живой и осмысленный взгляд быка-Зевса подчеркивает застылость неподвижного лица-лика Европы - маски архаической коры, своего рода символа всего греческого искусства. Одно из значений, имени "Европа" - "широкоглазая", что удивительно созвучно тому изображению лица Европы, которое дает Серов.

2. Картина « Девочка с персиками» . 1887 г. Масло, холст

Известная работа художника В. Серова - картина «Девочка с персиками» была написана летом 1887 года. Героиня портрета - дочь известного предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова - Вера. Девочке было всего 12 лет, когда мастер взялся писать её портрет.

Верочка вроде бы сидит неподвижно, внимательно глядя на зрителя. Но по её смуглому лицу, на котором проступил румянец, по тёмным всклокоченным волосам, заметно, что ещё несколько минут назад девочка резвилась в залитом солнцем саду. Ещё мгновение, и она сорвётся, словно бабочка с цветка, снова в сад играть с детьми. И вот этот самый момент ухватил талантливый художник.

Если присмотреться, видно, что скатерть завёрнута вверх и аккуратно уложена, чтобы её края не свисали со стола. Обычно так поступали в тех домах, где были маленькие дети, чтобы они не могли потянуть за конец скатерти и опрокинуть всё, что поставлено на стол. Именно на таком отвороте лежат персики, ножик и пара кленовых листьев. Видимо, персики сюда только что принесла Вера, чтобы угостить своих товарищей по игре, а, может быть, младшего братика или сестрёнку. Вероятно, для этого и нужен ей ножик: надо разрезать персик и достать из него косточку. А листочки - импровизированные тарелочки для половинок фруктов.

Если вглядеться в глаза девочки, видно, что у неё загадочный взгляд, есть в нём даже что-то цыганское. Вера обаятельна и непосредственна, в её облике чувствуется то, что она настоящая заводила среди детворы. Вот и сейчас нашла лишнюю минутку, чтобы прихватить из зимней столовой угощение для всех. Её лицо лучится счастьем, и так же лучезарно всё вокруг неё. Именно потому картина кажется такой гармоничной и жизненной. Благодаря приёмам, взятым из импрессионизма, В. Серов сумел неподражаемо передать игру солнечного света, его насыщенность, и даже то, что трудно собственно нарисовать - воздушность и мимолётность мгновения. «Девочка с персиками» дарит зрителю ощущение радости и счастья.

3. Картина «Мика Морозов». 1901 г. Масло, холст

Другой замечательный детский портрет, также являющийся художественным шедевром в творчестве В.А. Серова, - это “Мика Морозов” (1901 г.) Михаил или Мика, как его звали в домашнем кругу. Сын известного богатого промышленника и коллекционера живописи М.А. Морозова 5-ти летний ребёнок, отличавшийся незаурядными способностями. К тому времени он уже говорил по-английски, самостоятельно изучал грамоту, отличаясь необыкновенной живостью натуры. В его одежде, внешнем облике мы не находим и намёка на его социальный статус, как это нередко было принято в детских портретах представителей богатых и знатных семей. Да художник и не стремился к передаче внешних атрибутов его социального положения. Как раз напротив, свою задачу он видел в том, чтобы раскрыть сложный духовный мир ребёнка, ещё только-только начинающего познавать жизнь и восторженно воспринимающего её. Схваченный кистью художника эмоциональный порыв ребёнка, его устремлённость к внешнему миру, увлечённость и восторженность - эти черты, по воспоминаниям родных и друзей Мики, в наибольшей мере отражали живую и активную натуру мальчика, выросшего затем в крупного учёного, блестящего знатока английской литературы и культуры, известного шекспироведа.

В.А. Серов стремится передать на полотне сложную гамму ощущений ребёнка, его живость, открытость миру. Эта сложность ощущений ребёнка, чистота и свежесть его помыслов подчёркиваются белым цветом его рубашки на золотисто-зелёном фоне, который ещё больше усиливает белизну одежды и оттеняет красивые живые черты детского лица. Мастерски выполненная палитра красок, тонко и сочно передающая душевный порыв и эмоциональную взволнованность ребёнка, позволяют сказать, что В.А. Серов в этой картине сумел удивительно глубоко и точно проникнуть в мир детства, увековечить на полотне то прекрасное мгновение, которое выражает счастливое и безоблачное детство. С психологической точки зрения развивает здесь мысль об исключительной важности эмоциональных переживаний ребёнка, как важнейшей силе его духовного становления и совершенствования.

4. Картина «Петр I.» 1907 г. Масло. Холст

Автор картины Петр I Валентин Александрович Серов в своем творчестве неоднократно обращался к исторической теме. Будучи членом Мира искусства, художник претворял в своих произведениях художественные принципы объединения, проявлял интерес к русской истории XVIII века (смотрите картина Петр II и цесаревна Елизавета на псовой охоте).

Петр I был написан Серовым по заказу известного книгоиздателя И. Н. Кнебеля, для репродукции в школьном наборе картин по русской истории.

Уверенной походкой шагает навстречу свирепому ветру великий государь. Его свита, комично пригибаясь, пытается преодолеть порывы воздушной стихии. Выбранная снизу точка зрения позволяет Серову подчеркнуть мощь и величие фигуры императора.

Картина Петр I с одной стороны отражает дух масштабных преобразований ушедшей эпохи, с другой - выражает ностальгию современников Серова по сильной фигуре царя-реформатора.

5. Картина «Портрет Иды Рубинштейн». 1910 г. Холст, темпера, уголь

На картине изображена русская виртуозная балерина Ида Рубинштейн. Еще до знаменитой Айседоры Дункан она внесла в балет элементы эротизма, когда танцевала «Саломею» и в т.н. «Танце 7 покрывал» сбросила с себя одежды и осталась обнаженной. После этого постановку запретили. Балерина вошла в труппу С. Дягилева, принимала участие в знаменитых «Русских сезонах» в Париже. Там она прославилась исполнением партии Шахерезады в одноименном балете Римского-Корсакова. В 1909 году окончательно эмигрировала из России во Францию. Она дала согласие позировать Серову обнаженной, единственная из всех светских дам.

Сам художник отзывался о ней с восхищением: «Увидеть ее - это этап в жизни, ибо по этой женщине дается нам особая возможность судить, что такое вообще лицо человека…». Весь облик и характер искусства модели с тонким чувством воплощен в портрете.

Композиция картины делится по горизонтали на 2 части: сверху - блеклый фон, снизу - фиолетово-синее покрывало. Тело танцовщицы - того же цвета, что и фон, оно теряется на нем. Это как-то скрашивает вопиющее нарушение традиционных академических канонов: у женщины неестественно прямые линии ног, рук, спины. Но одновременно своей тонкостью они придают натуре привлекательность, изящество и шарм. От пышной прически, сходной с нимбом, взгляд зрителя переходит к резкому мазку, обозначившему спину и лопатки.

Тонкость лодыжек и запястий подчеркнута зеленым шарфиком, который придает портрету определенную законченность и воспринимается зрителем как оправа. Простой незамысловатый фон подчеркивает прелесть фигуры и создает дополнительный акцент на драгоценностях, украшающих пальцы ее рук и ног. Необычный поворот головы и сложность позы напоминают о мадоннах на полотнах мастеров Высокого Возрождения.

Начиная свою творческую карьеру как художник-передвижник, в конце концов, Серов перешел к выражению модернистских тенденций. Именно эта картина признана одним из выдающихся образцов русского модерна.

6. Картина «Портрет княгини Ольги Орловой». 1911 г. Холст. Масло

На картине изображена княгиня Ольга Константиновна Орлова (1873--1923), урождённая княжна Белосельская-Белозерская -- жена начальника Военно-походной канцелярии, генерал-майора князя В. Н. Орлова. По свидетельствам современников, она была гордой, несколько ограниченной женщиной, не отличавшейся ни интеллектом, ни особой красотой, ни высокими духовными качествами. Однако, в Петербурге она слыла самой модной и элегантной дамой. Серов стремился создать современную по духу картину, оставаясь в рамках традиционного парадного портрета. Картина писалась с большими перерывами на протяжении 1910--11 гг. практически одновременно с совсем непохожим на неё портретом Иды Рубинштейн, что говорит о разнонаправленности творческих поисков художника.

Серов писал этот портрет по заказу самой княгини. Хотя произведение выполнено с утончённой живописной техникой, оно не лишено иронии, и даже насмешки. О.К. Орлова изображена в претенциозной позе: непропорционально большая шляпа, обнаженные плечи, соболий палантин, руки, сжимающие жемчужное ожерелье, выставленная лакированная туфля придают образу вычурное изящество.

Отношение современников к портрету княгини было противоречивым. Одни восхищались высоким стилем картины, талантом и мастерством Серова.

Картина с успехом выставлялась в персональном зале Серова на международной выставке в Риме в 1911 году. Сам художник остался доволен своим произведением, что случалось с ним весьма редко. Заказчица также не высказывала недовольства, но, судя по тому, что через год после смерти Серова она передала портрет в Русский музей Александра III, он ей не очень нравился.

7. Картина «Портрет художника Исаака Левитана». 1893 г. Холст. Масло

В портрете Левитана ничто не указывает на то, что изображен именно художник (хотя известно, что Левитан также позировал в своей мастерской). Серов здесь выбирает манеру письма, напоминающую портреты Крамского: сумрачный фон, коричневые тона, суховатая живопись. "Левитан был разочарованный человек, всегда грустный. Он жил как-то не совсем на земле, всегда поглощенный тайной поэзией русской природы", - пишет о своем друге Коровин. " Смуглое лицо с глубокими впадинами задумчивых, с тихой печалью глаз... Грусть его изящна. Каждый мазок на его этюде говорит о красоте души художника-поэта. И эта красивая тоска опьяняет вас, как аромат цветов", - вторит Коровину живописец Яков Минченков. Эта байроническая тоска и меланхолия воскрешают в памяти искусство романтической эпохи. Бессильно упавшая аристократически красивая рука в серовском портрете - прямая отсылка к позднеромантическим портретам Брюллова - Портрету Струговщикова и Автопортрету.

8. Картина «Заросший пруд. Домотканово». 1888 г. Холст. Масло

Картина Заросший пруд создавалась одновременно с Девушкой, освещенной солнцем. Первоначальное название картины - Сумерки. Этот пейзаж Серов писал, когда выдавались пасмурные дни и нельзя было работать над портретом Марии Симонович. Художник закончил его, лишь когда начали появляться желтые листья и летний вид сменился осенним. Пейзаж с похожим мотивом и таким же названием написан в 1879 году Василием Поленовым. Поленов, вместе с Саврасовым, был в русской живописи главным мастером "лирического пейзажа", посвященного "поэзии тихих уголков русской природы". Мягкий рассеянный солнечный свет, песчаная дорожка, приветливо "приглашающая" к прогулке по лесу, женская фигурка, примостившаяся на укромной скамейке в глубине картины, - все это создает у Поленова атмосферу мечтательной тишины, свойственной лирическому направлению передвижнического пейзажизма. Серов шутливо называл свой Заросший пруд "Добиньи-Руссо", указывая, таким образом, на взятый им совершенно иной образец пейзажной живописи (французские художники Шарль Добиньи и Теодор Руссо были характерными представителями барбизонской школы).

Но характер живописи в серовском пейзаже не вполне совпадает и с указанным им самим "первоисточником": пейзажи барбизонцев, с их световоздушным маревом, предвосхищали живопись импрессионизма; Серов же здесь (как и в Девушке, освещенной солнцем) гораздо ближе не к импрессионизму, а к Сезанну. Неподвижная, тяжелая, без малейшей ряби вода, напоминающая жидкую ртуть, кроны деревьев, словно впаянные в небесную твердь, - все кажется сотворенным из единой субстанции, словно оледеневшим или замершим в волшебном сне. "Вообще от картины веет каким-то безжизненным холодом", - заметил один из критиков. Это не уютный лес для прогулок и мечтаний, а чаща, которая могла бы окружать замок спящей красавицы, где ветви деревьев нельзя раздвинуть, а можно разве что разрубить мечом. Подобная сгущенная атмосфера "странного места" спустя два года будет с той же убедительностью передана Левитаном в картине У омута.

9. Картина «Портрет художника К.А. Коровина». 1891 г. Холст. Масло

Серов и Коровин были неразлучными друзьями - Савва Мамонтов прозвал их "Коров и Серовин", несмотря на различия в темпераменте и характере, привычках и образе жизни. "Серов, неизменно аккуратно одетый, тщательно причесанный, был всегда обаятелен и на вид угрюмо-серьезен, а Коровин отличался непостоянством, в достаточной степени легкомыслием, малоприятной "художественной" небрежностью в костюме. "Паж времен Медичисов" - прозвал его Серов за вечно торчащую у него между жилетом и брюками белую рубашку. Серов был выдержанного, стойкого характера и очень определенного образа мыслей, Коровин же метался, как былинка по ветру: сегодня он на похоронах Баумана... дает сто рублей в кассу революционеров, а завтра с излишней почтительностью заискивает перед директором императорских театров", - вспоминал Всеволод Саввич Мамонтов, сын знаменитого мецената.

Коровин, который обычно в два-три сеанса заканчивал свои работы, часто досадовал, что Серов чересчур долго "копается" с картинами и "засушивает" их. Но здесь Серов, словно подчиняясь темпераменту друга, пишет размашисто, этюдно, яркими пятнами цвета при великолепной воздушной серебристости общего тона, намеренно стилизуя портрет под живопись самого Коровина. Этой манерой письма передан и "вихлястый", по выражению Серова, характер Коровина, и его "артистическая небрежность"; в то же время Коровин изображен здесь как именно творческая личность, человек искусства: "В небрежно написанной фигуре К. Коровина никто не угадает банкира или ростовщика. Конечно, художника выдают аксессуары, в виде палитры, этюдов, но и без них вы узнаете жреца искусства, ленивого, беспечного, великого в минуты вдохновения и неустойчивого в обычных отношениях жизни", - отозвался о портрете один из рецензентов.

10. Картина «Портрет княгини З.Н. Юсуповой». 1902 г. Холст. Масло

На портрете Серова Юсупова изображена в роскошном модном интерьере, сидящей на атласном диване, где рядом с ней пристроился модный же белый шпиц. Поза княгини нарочито "неудобна" - Серов акцентирует момент позирования "модному" опять-таки художнику. В портрете доминируют извилистые витиеватые очертания и формы. Беспокойна поза модели, капризно и сложно изломаны руки, прихотливы складки платья - и всему этому словно аккомпанируют "тревожно" изогнутые линии спинки дивана, рокайльные завитки золоченых рам и лепнины и цветочные узоры мебели. Хрупкость и грация оборачиваются нарочитой искусственностью, а "очаровательная" улыбка - застывшей маской светской любезности. Портрет, как всегда, потребовал множества сеансов, нескольких месяцев работы. Княгиня с юмором рассказывала князю Щербатову: "Я худела, полнела, вновь худела, пока исполнялся Серовым мой портрет, а ему все мало, все пишет и пишет!" Серову в упрек ставилась чрезмерно тщательная, "замученная" живопись лица, в противоположность эскизно взятому антуражу. Сама же Юсупова считала именно собственное лицо лучшей частью портрета. В какой-то момент Юсуповы даже намеревались вырезать из портрета овал - голову княгини - но, к счастью, этого не случилось. Живопись портрета отличается красотой и благородством колорита, построенного на игре оттенков, подобных красочным переливам жемчуга или перламутра - розоватый, серебристо-серый, кремовый, сиреневый. Колористически портрет Юсуповой перекликается с изысканными пасторалями Ватто, воскрешая в памяти представление о живописи рококо.