Государственный музей Востока

Государственный музей искусства народов Востока (другие официальные названия: Государственный музей Востока; Музей Востока) является одним из крупнейших культурно-просветительских центров, в котором наиболее полно представлено искусство Дальнего и Ближнего Востока, а также Средней Азии, Кавказа, Закавказья, Казахстана, Бурятии, Чукотки (всего свыше 147 500 музейных экспонатов). 18 декабря 1991 г. Указом Президента Российской Федерации музей отнесен к особо ценным объектам культурного наследия России. Здесь представлены постоянные экспозиции: «Искусство Кореи», «Искусство Китая», «Искусство Японии», «Искусство Юго-Восточной Азии» (Вьетнам, Бирма, Лаос, Таиланд, Камбоджа, Индонезия), «Искусство Кавказа» (Северный Кавказ, Грузия, Азербайджан, Армения), «Искусство Ирана», «Искусство Индии», «Искусство Средней Азии и Казахстана», «Искусство Бурятии, Монголии и Тибета», «Искусство народов Севера», «Живопись Закавказья и Средней Азии (XIX в. - 1 пол. ХХ в)», «Творчество Н.К. и С.Н.Рерихов». Наряду с постоянными экспозициями в музее регулярно проводятся выставки произведений видных отечественных и зарубежных деятелей культуры.

Искусство Ирана

Постоянная экспозиция «Искусство Ирана» отражает наиболее яркие моменты его истории, насчитывающей более трех тысяч лет.

Древнейшие произведения иранского искусства в экспозиции музея, – керамические изделия конца 2 - начала 1 тыс. до н.э. Среди них характерные сосуды с длинными изогнутыми сливами, сосуды зооморфной формы в виде птиц, расписные сосуды с изображениями птиц и животных. К этому периоду относится небольшая глиняная фигурка, оттиснутая с помощью штампа, - один из самых ранних образов богини плодородия, с культом которой были тесно связаны верования древних иранцев.

Культуре древних металлургов (XII-VI вв. до н.э.), обнаруженной в труднодоступных горных районах Луристана, принадлежат литые изделия из бронзы. Коллекция «луристанской бронзы» состоит из оружия – мечей, стрел, топоров; различных украшений; деталей конской упряжи. Специфическими для этой культуры являются навершия штандартов в виде фантастических антропоморфных образов.

Богиня плодородия. Сузы. II тыс. до н.э. Глина, штамп

Навершие штандарта с изображением антропоморфного божества и фантастических животных. Луристан. VIII-VII вв. до н.э. Бронза, литье, гравировка

Сосуд в виде сокола.

Северо-западный Иран, район Амлаш, могильник Марлик.

IX в. до н.э.

С середины 1 тыс. до н.э. до середины 1 тыс. н.э. на территории Ирана последовательно существовали несколько великих государств: Ахеменидская империя, Парфянское царство и Сасанидская держава. Все они оставили значительный след в истории мирового искусства. Искусство этих империй представлено в экспозиции золотыми и серебряными монетами, а также резными печатями из полудрагоценных и поделочных камней. В их иконографии отразились различные художественные традиции, которые существовали в иранском искусстве.

Принятие ислама в VII в. ознаменовало начало нового периода в истории, культуре и искусстве Ирана. С этого времени Иран играет важнейшую роль в развитии всего мусульманского искусства.

Повествование о мусульманском искусстве Ирана начинается с эпохи расцвета керамического производства в Кашане и Рее в XII-XIV вв. Для этого времени характерны разнообразные технологии украшения изделий, применявшиеся как для сосудов, так и для архитектурных изразцов: знаменитая отливающая золотом люстровая роспись, иногда в сочетании с рельефным узором или деталями, исполненными кобальтом; рельеф или черно-синяя роспись краской под бирюзовой глазурью; надглазурная полихромная роспись эмалевыми красками – минаи. Все эти технологии использовались для создания богатого декора, включающего геометрический, растительный орнаменты; арабскую графику; изображения птиц, животных и людей, часто составленные в сюжетные композиции пира или охоты. Есть в экспозиции и керамические скульптурные фигурки: птица с женской головой, сосуд с головой петуха. Эти экспонаты наглядно опровергают распространенное заблуждение о существовании в исламе запрета на изображения живых существ.

Сосуд в виде птицы с женской головой. Иран, Кашан. XIII в. Фаянс, черная роспись под бирюзовой глазурью

Ф рагмент панно из двух изразцов. Иран, Исфахан. XVII в.Фаянс, роспись глазурями.

Кувшин. Тулово – Китай. Период Юань, XIII-XIV в. Фарфор, роспись кобальтом.Оправа – Иран, XIX в.Медный сплав, чеканка, гравировка, вставки стекла, имитация бирюзы.

Несколько изделий из металла XIII-XIV вв. являются примерами традиционных форм того времени: подставок для светильников, высоких подсвечников, чаш, расширяющихся книзу. Подобные предметы из бронзы с инкрустацией золотом и серебром украшали иранские дворцы.

П равление династии Сефевидов (1499-1722) – время сложения основ иранского государства в его современных границах. Наивысший расцвет искусства в XVII в. был связан с обустройством новой столицы в Исфахане. Почти во всех видах искусства: изразцах, керамической и металлической посуде, коврах и шелковых тканях, миниатюре и каллиграфии – появился и развился особенный исфаханский стиль. Стены дворцов были покрыты полихромными изразцовыми панно, расписаны сюжетными сценами; интерьеры украшены коврами и бархатами из шелка с включением серебряных нитей. Значительная часть текстильных изделий (например, такие как ковры «полонезы»), создавались специально для экспорта в Европу. В связи с увлечением в Иране китайским фарфором, появился новый вид изделий – фаянсы с подглазурной росписью кобальтом в подражание китайским образцам. Целая коллекция подобных блюд выставлена в музее. В то же время новое осмысление получали и сами китайские сосуды: местные мастера обрамляли в металл фарфоровые вазы, превращая их в традиционные иранские кувшины с длинным носиком и ручкой.

К овер «полонез». Иран, Исфахан. XVII в. Шелк, серебряная нить, хлопковая основа

Завеса или покрывало из бархата. Иран. Первая половина XVII в. Бархат разрезной, рельефный – шелк, серебряные нити.

Особое место в мусульманской культуре занимают виды искусства, связанные с книжной традицией, большую роль которой придавала священная книга мусульман «Коран». В музее имеется сменная экспозиция рисунков, миниатюр, образцов каллиграфии, отдельных листов из рукописей с орнаментальными заставками различных периодов.

В ремя правления Каджарской династии (1785-1925) ознаменовано появлением в Иране станковой живописи, возникшей под влиянием европейского искусства. Государственный музей Востока обладает одной из богатейших коллекций иранских картин первой половины XIX в. В залах выставлены портрет наследного принца Аббас Мирзы (1783-1833), уменьшенная копия официальной тронной церемонии Фатх Али Шаха (1797-1834), портреты обитательниц гарема и юных принцев, картины на сюжеты персидских поэм. Помимо больших картин на холсте получила распространение живопись на стекле, исполненная в меньшем формате, а также росписи под лаком, покрывающие небольшие изделия из папье-маше или дерева, такие как туалетные коробочки, шкатулки, футляры для зеркал, переплеты, подставки для книг, пеналы для письменных принадлежностей (каламданы).

Иранский текстиль XIX в. представлен каламкарами – хлопковыми тканями, украшенными набивным орнаментом или ручной росписью с сюжетными сценами в лубочном стиле.

Н еизвестный художник. Женщина со служанкой. Иран. Первая половина XIX в. Холст, масло, темпера

Неизвестный художник. Принц с яблоком. Иран. Первая половина XIX в. Стекло, масло, темпера; рама – дерево, роспись, лак

И з имеющейся в музейном собрании обширной коллекции металлических изделий XIX в. для экспозиции отобраны образцы богато декорированного оружия и церемониальные доспехи. Кроме этого, в экспозиции показаны металлические фигурные сосуды, очень популярные в иранском искусстве мусульманского времени.

Удивительное сочетание разных времен и традиций демонстрирует ковер 19 в., на котором выткано стилизованное изображение скального рельефа, запечатлевшего триумф одного из прославленных ахеменидских царей Дария. Рядом с имитацией клинописи, которая сопровождала рельеф, на ковре нанесены персидские надписи, рассказывающие о победе Дария над врагами.

В целом, коллекция иранского искусства в Государственном музее Востока насчитывает множество уникальных и редких экспонатов, лишь часть из которых выставлена в постоянной экспозиции.

Искусство Индии

Индийская коллекция Государственного музея Востока немногочисленна (около 3 тысяч единиц хранения), но очень интересна. Наибольшую художественную ценность представляет великолепное собрание миниатюр, среди которых особое место по праву занимают работы Могольской школы.

Истинным шедевром является миниатюра художника Бальчанда (XVI - нач.XVII вв.) под названием «Сцена состязания акробатов».Сюжет был взят мастером из повествования Саади о старом учителе, обучавшим юношей боевым искусствам, и его любимом, но неблагодарном ученике, задумавшим победить учителя на ответственном состязании и занять его место. Известно, что учитель передал ученику 99 основных приемов борьбы, на всякий случай утаив сотый прием. Осторожность, проявленная учителем, оказалась ненапрасной. На состязании ученик начал использовать один прием за другим… Тогда учитель, использовав сотый, несообщенный ученику прием, поднял последнего над головой и кинул на землю. Так были наказаны коварство и неблагодарность.

Шахматы. Индия. 1950-е гг. Слоновая кость, дерево.

А стролябия Планисфера. Индия. Г. Лахор. 1587-1588 гг. Латун, литье, гравировка.

Л арецИндия. XVII в. Дерево, кость, металл, инкрустация.

Ч резвычайно ценной частью коллекции являются иллюстрации к историческим мемуарам «Бабур-наме», написанные легендарным индийским императором Бабуром. В музее хранятся замечательные миниатюры, являющиеся очень точными иллюстрациями к тексту. Флора и фауна Индии, внутреннее убранство дворцов, батальные сцены, сцены охоты, роскошных пиров – все это можно увидеть в залах музея.

Посетителей наверняка поразит удивительная сохранность могольских миниатюр, что неудивительно – писались они темперными красками, которые замешивались на яйце с последующим добавлением растительного или животного клея.

Почти в каждом зале музея Востока можно увидеть изделия из лака. Лаки могольского времени очень близки к миниатюрному искусству и также экспонируются в зале, посвященном искусству Индии. Никого не оставят равнодушным изысканные лаковые пеналы-каламданы, предназначенные для хранения тростниковых перьев.

В зале, посвященном искусству миниатюры, также можно увидеть замечательные работы, относящиеся к раджастханской и деканской школам, а также к школе Пахари.

В ажное место в индийской экспозиции занимает бронзовая скульптура. Скульптуры, экспонирующиеся в зале Индии, изготовлены способом литья по восковой модели (техника «утраченной восковой модели»). Удивительное впечатление производит статуарный образ Шивы Натараджи – Танцующего Шивы. Шива – образ на редкость яркий и многогранный. Он отождествляется и с образом аскета, отрешившегося от всего земного и с образом божества эмоционального и гневливого. У него на редкость много имен. Вот некоторые из них: Агхора (Ужасный), Бхагават (Божественный), Вишванатха (Повелитель мира), Нилакантха (Синегорлый). Насколько противоречивы его имена, настолько же противоречивы и поступки – Шива в гневе лишает головы своего сына Ганешу, и он же храбро подставляет свою, когда река Ганга, поднявшись в небеса, падает на землю. Приняв воды реки «на свою голову», Шива спасает все живущее на ней. Он же совершает благородный поступок, выпив страшный яд, предназначенный для богов и людей, но не погибает – лишь его горло окрашивается в синий цвет (отсюда – Синегорлый). Во лбу у Шивы горит Третий глаз, обладающий способностью исторгать огонь.

«Пир Бабура в Агре 1525 г.»Миниатюра из рукописи «Бабур-наме». Индия, 1590-е гг.Бумага, темпера.

РАВАНА и ДУРЬЙОДХАНА. Индия. Керала ХХ в. Дерево, пигменты, лак.

Ф игура Шивы Натараджи на редкость изящна, она развернута в трех грациозных поворотах («трибханга»). В одной из рук Шивы – маленький барабанчик, звук которого обозначает творение, ладонь другой руки поднята в благословляющем жесте, третья рука указывает на поверженного демона, олицетворяющего невежество, в из четвертой руки исторгается огонь. Огненный круг, в центре которого танцует Шива, обозначает Космос.

Несомненной художественной ценностью обладает также средневековая металлическая скульптура малой формы, представленная джайнскими и индуистскими персонажами.

Рельефы с храмовой колесницы бога Джаганнатха достойно представляют искусство деревянной скульптуры Индии. Многие из нас встречали описание этой грозной колесницы в литературе, не подозревая, что фрагменты одной из них, датированные восемнадцатым веком, есть в нашем музее. На рельефах можно безошибочно узнать богиню Лакшми, олицетворяющую счастье, Раму – героя древнеиндийского эпоса «Рамаяна», многоголового и многорукого демона Равану, а также Ганешу, имеющего голову слога и тело человека.

В зале, посвященном искусству Индии, можно увидеть драгоценные легкие муслиновые ткани, кашмирские шали, оружие, а также удивительно красивые металлические предметы, выполненные в известной только в Индии технике бидри.

Для тех, кто изучает древнюю и средневековую культуру Востока, посещение зала Индии невозможно переоценить.

Наследие Рерихов

Н .К. Рерих.

Никола Можайский. Сон.

1920. Холст, темпера, уголь, гуашь. 46х61

Н .К. Рерих. Лахул. 1931. Картон, темпера. 29,5х45

Н.К. Рерих.

Святая Женевьева.

1933. Холст, темпера 74х102

Н.К. Рерих.

Вечер.

1939. Холст, темпера. 46х79

Н.К. Рерих.

Огонь.

1943. Холст, темпера. 47х79,5

С.Н. Рерих.

Портрет Н.К. Рериха.

1928. Холст, темпера, масло. 73х120

С.Н. Рерих.

Девика Рани Рерих.

1946. Холст, масло. 121,4х91

С .Н. Рерих.

Гималаи. Восход над Маланой.

1938. Холст, темпера. 40х95

С.Н. Рерих.

Карма-Дордже.

1974. Холст, темпера, масло. 121,4х91

Искусство Кавказа, Средней Азии и Казахстана

Декоративно-прикладное искусство Средней Азии и Казахстана XVIII-XX веков

Средняя Азия, благодаря своему географическому расположению в самом центре азиатского континента – рядом с могущественными цивилизациями Китая, Индии, Ирана многие века являлась посредником в торговом и культурном обмене между Востоком и Западом. Здесь соприкасались и взаимодействовали два мира – оседлых земледельцев и кочевников. В период раннего средневековья сюда проникают тюрки, потеснив древнее ираноязычное население. За среднеазиатским регионом, где продолжают бок о бок жить народы, говорящие как на тюрских, так и на иранских языках, закрепляется название Туркестан («Страна тюрков»). Ислам, начавший распространяться в Средней Азии еще в VIII веке, в большей степени оказал влияние на искусство городского оседлого населения Туркестана. В степях, пустынях и горных ущельях население сохраняло самобытность традиционной культуры.

В XIX веке, а именно к этому времени относится большинство музейных экспонатов, на территории Средней Азии существовали три ханства Кокандское, Бухарское и Хивинское, поделившие между собой сферы влияния в окружающем регионе. Туркмены, казахи, каракалпаки и киргизы придерживались традиционной родоплеменной структуры, образуя племенные союзы, поддерживая добрые отношения или враждуя с соседними ханствами. Во второй половине XIX века произошло присоединение края к России, в результате на политической карте возникло Т уркестанское генерал-губернаторство, под непосредственным управлением царской администрации, и Бухарский эмират, сохранивший прежнюю систему правления, но признавший протекторат русского царя.

Изобразительное искусство Кавказа

М узейное собрание открывается полотнами живописцев, работавших в Х1Х и начале ХХ века в Тифлисе — административном центре Закавказья, который являлся очагом художественной жизни всего региона. Тифлис был проводником как восточных, так и европейских художественных влияний. Кроме грузин, здесь жили и создавали художественные произведения представители самых разных кавказских народностей, в первую очередь армяне. В разделе Кавказа можно увидеть «Портрет князя Томаза Орбелиани» первой половины XIX столетия, принадлежащий кисти неизвестного тифлиского художника. Его глубоко самобытная работа написана в манере, соединившей в себе художественную традицию средневекового искусства с традицией иранского придворного портрета.

Высшим достижением этой школы стало творчество Акопа Овнатаняна — самой яркой фигуры из среды тифлисских художников XIX века. Он принадлежал ремесленной династии нагашей, расписывавших храмы и писавших миниатюры. Акоп Овнатанян стал одним из первых мастеров станкового светского портрета. Он писал в технике масляной живописи, соединяя реалистическую манеру с утонченностью, свойственной армянской миниатюре.

В Тифлисе работал художник примитивист Нико Пиросманишвили (1862—1918) — непрофессиональный живописец, расписывающий духаны и писавший вывески, после смерти получивший всемирное признание. В музейной коллекции находится одна из лучших работ Пиросмани — «Кутеж», рассказывающая о тайнах бытия, прославляющая жизнь и человеческое братство.

Армянское искусство ХХ века представлено полотнами М. Сарьяна, в первую очередь, большим холстом «Южная зима», в котором натурный мотив претворен в красочный и экспрессивный пластический образ. Рядом экспонированы миниатюрное полотно Е. Кочара, относящееся к его парижскому периоду, и небольшой пейзаж А. Коджояна, словно вмещающий в себя грандиозность армянских горных ландшафтов. Три выдающихся художника представительствуют за армянскую живопись 1960-80-х годов: М. Аветисян с его монументально-эпическими, живописно-пластичными образами, тяготеющий к сюрреализму А. Акопян и мистичный М. Петросян. Выразительным графическим листом представлен Ж. Ихмальян. Об армянской скульптуре второй половины ХХ века можно судить по психологичной и пластически построенной мелкой пластике Н. Никогосяна.

Грузинское искусство ХХ столетия открывается небольшой, но характерной работой Л.Гудиашвили, декоративной и конструктивной графической композицией Д. Какабадзе, отражающей увлечение художника стройками 30-х годов, и полотном Д. Квирикашвили, воплощающим динамичные ритмы современной эпохи. Работы Д. Томаева и Л. Гадаева знакомят зрителя с современной осетинской скульптурой.

Изобразительное искусство Средней Азии

И зобразительное искусство в Средней Азии получает развитие в конце ХIХ века после присоединения этого региона к России. Основоположниками станковой живописи здесь явились русские художники. В экспозиции особое место занимают созданные в 10-е и 20-е годы XX века полотна выдающегося художника А.Н. Волкова. Уроженец Туркестана, проработавший всю жизнь в Ташкенте, он воспитал целый ряд национальных художников. В залах можно увидеть также выразительные произведения У. Тансыкбаева 1920-х годов, утонченные «миниатюры» А. Николаева (Усто Мумина); графику 20-х годов М. Курзина и В. Еремяна, живописный пейзаж Л. Буре. Современная скульптура Узбекистана представлена работами из шамота Д. Рузыбаева и А.А. Волкова.

В искусстве Азербайджана, развивающемся в русле мусульманской традиции, станковая живопись получает распространение только в начале XX века. В экспозиции Азербайджан представлен выполненной в стиле примитива графикой конца 20-х – начала 30-х годов, картинами Таира Салахова и скульптурной группой современного мастера Ф. Наджафова.

В ыдающимся российским художником первой половины ХХ века, связавшим свое творчество с Туркменией, был Р. Мазель, полотна которого конца 1920-х годов украшают среднеазиатский раздел экспозиции. Из школы, основанной Мазелем в Ашхабаде, вышел первый туркменский живописец новейшего времени – Б. Нурали; женский портрет его работы находится в том же разделе.

Творчество многих русских художников оказалось не отделимо от Кавказа и Средней Азии. В экспозиции представлены произведения русских художников, запечатлевших в своих работах образы Востока, А. Шевченко, Л. Бакулиной, Н. Удальцовой, Р. Фалька, О. Соколовой, И. Жданко, М. Карасика, В. Волкова, Е. Кравченко.

В разделе, посвященном искусству Средней Азии, особое место занимают созданные в 1910-е и 20-е годы полотна выдающегося художника А.Н. Волкова, уроженца Азии, проработавшего всю жизнь в Ташкенте. Волков не только создал полные мощи образы родного края, но и воспитал целый ряд национальных художников. В экспозиции можно увидеть также выразительные и современные по стилю произведения У. Тансыкбаева 1920-х годов, утонченные живописные образы А. Николаева (Усто Мумина), проникнутые мусульманской мистикой; графику 20-х годов М. Курзина и В. Еремяна, также виды Самарканда начала ХХ, выполненные Л. Буре. Новейшее искусство Узбекистана представляют полотно В. Волкова и красочная графика Е. Кравченко. В экспозиции можно видеть также выразительные скульптуры из шамота работы известного современного узбекского ваятеля Д. Рузыбаева и А.А. Волкова.

Экспозиция изобразительного искусства Кавказа и Средней Азии, сохраняя неизменным свое ядро и принципы построения, периодически обновляется новыми работами из фондов музея.

Искусство Центральной Азии

О бщепринятого международного понимания термина «Центральная Азия» до сих пор нет. Создавая постоянную экспозицию, сотрудники музея исходили из классического определения Центральной Азии, утвердившегося в российской географии с конца 19 в. Согласно этому определению, все огромное пространство Внутренней Азии может быть разделено на две части - Среднюю Азию (между Тянь-Шанем и Каспием) и Центральную Азию (восточнее Памира и Тянь-Шаня). Северной границей Центральной Азии являются Алтай, Саяны, озеро Байкал и Яблоновый хребет, южной - Гималаи, восточной - хребты Большой Хинган, Тайханшань и Сино-Тибетские горы.

Центральную Азию населяют различные народы алтайской и сино-тибетской языковых семей. Искусство далеко не всех этих народов представлено в нашем музее или вообще достойно изучено. Поэтому существующая сейчас постоянная экспозиция посвящена культуре трех народов, искусство которых представлено крупными коллекциями. Это - тибетцы, монголы и буряты. Важным признаком, объединяющим эти этносы, является буддизм, одна из мировых религий, принадлежность к которой сыграла существенную роль в формировании культурной самобытности этих трех этносов.

Тибет, занимающий обширную южную часть региона, принял первых буддийский миссионеров - индийцев уже в раннем средневековье, а в 7 в. н.э. буддизм стал здесь государственной религией. В течение последующих столетий на своей родине в Индии буддизм утрачивал свое влияние, тогда как Тибет превращался в религиозную метрополию Центральной Азии. Буддийские монастыри Тибета содержали огромные художественные мастерские, в которых ежегодно изготавливались тысячи скульптур, икон, ритуальных предметов, книг.

Зал, посвященный Тибету, занят произведениями северно-буддийского искусства. Почти вся тибетская коллекция датируется сравнительно поздним временем - 18 -началом 20 века.

Небольшое количество экспонатов дает возможность судить о своеобразии основных направлений тибетского искусства.

Иконы - «танка», представляют собой живописные свитки, написанные чистыми минеральными красками на холсте или шелке, обрамленные яркими узорными тканями. Скульптурные изображения буддийских божеств отлиты из медных сплавов в технике «исчезающей восковой модели» и покрыты сверкающей позолотой.

В 19 веке в Тибете была вырезана из дерева скульптура Цзонхавы (1357-1419) - крупнейшего реформатора северного буддизма и основателя господствующего направления «Гелугпа». Скульптура очень крупная - примерно соответствует натуральной величине человеческого тела (1). Поверхность изваяния хорошо отполирована и приятно удивляет цветом - ровным, светло-шоколадным, матово сияющим. Цзонхава сидит на троне в форме лотосового цветка. Исполнено внушительного обаяния лицо Цзонхавы - спокойно улыбающееся, с опущенными и полузакрытыми глазами. Тело его покрыто тонкими красивыми складками узорной одежды. На ладонях и ступнях прекрасно видны изображения «чакр».

Единственным произведением в экспозиции, не связанным с религиозной сферой, является парадный шлем военачальника XVIII века(2). Основная часть шлема - зеркально отполированная сталь, украшенная накладными чеканными и позолоченными элементами - буквами тибетского письма, лицами чудовищ - монстров, соединенных цепочками или шнурами со священными предметами. Верхняя фигурная часть шлема покрыта позолотой и тонкой просечной чеканкой, в которой угадываются очертания летящих драконов. Чеканные изображения драконов хорошо видны на козырьке и нижней кромке шлема. Отлично сохранилась тканевая часть предмета, прикрывавшая затылок, виски и шею. Тибетская армия по своему убранству и вооружению вплоть до начала 20 века была каким-то средневековым войском.

Тибет был страной, вероятно, давшей всей Центральной Азии церемонию цам, или чам - самобытное культурное явление, которое можно назвать ритуальным танцем, пантомимой или танцем с диалогами. Основная особенность цама - участие костюмированных персонажей в масках.

Этому ритуальному действу посвящен небольшой раздел экспозиции, примыкающий к тибетскому залу. Самое главное здесь - крупные выразительные маски, изготовленные из папье-маше, раскрашенные и дополненные кожаными и волосяными деталями. Пять масок изображают божеств северно-буддийского пантеона и изготовлены в Монголии в 19 -первой половине 20 века. Экспозиция дополнена танками - живописными свитками, музыкальными инструментами и деталями костюмов, которые надевали участники представлений цама.

Северным соседом Тибета является Монголия, часть которой образовала автономный район Внутренняя Монголия в составе Китая, а другая часть (Внешняя Монголия) стала в 20 веке независимым Монгольским государством. Тибетские буддисты поддерживали связи с правительством Монгольской империи еще в 13 веке, но лишь в конце 16-17 веке активная деятельность миссионеров «Гелугпа» привела к тому, что буддизм стал религией и массовой, и государственной.

Монгольская коллекция музея довольно велика, и лучшие ее предметы, созданные в 18-начале 20 века, заполнили отдельный зал. Иконы, написанные красками или выполненные вышивкой и аппликацией, храмовые скульптуры из металла, дерева, папье-маше, ритуальные атрибуты являются яркими образцами монгольского религиозного искусства. Гораздо более редкими изделиями этой группы являются несколько крупных панно или храмовых стенных завес, выполненных в технике аппликации и вышивки. Экспонируемая сейчас в зале стенная завеса сделана в начале 20 века из разнообразных шелковых тканей. В верхней трети завесы - три изображения буддийских милостивых божеств. Нижняя часть завесы заполнена вышитым и аппликативным узорочьем - изображениями стеблей с цветами и листьями, драгоценностей и алтарных украшений (3). Замечательные произведения народного искусства - комплект деталей женского головного убора(4), выполненных главным образом из серебра и украшенных позолотой, чеканкой, филигранью, обильными вставками из бирюзы, кораллов и стекла.

С севера соседями монголов являются буряты, живущие в Прибайкалье и Забайкалье. В 17 веке буряты вошли в состав Российской империи, а значительная часть их стала буддистами.

Бурятская коллекция музея создана в основном благодаря научно-собирательским экспедициям 1980-х годов. В бурятском зале расположены живописные иконы-свитки, металлические и керамические скульптуры, вырезанные из дерева и раскрашенные ритуальные предметы. О наиболее ценной части музейного собрания традиционного народного искусства бурят дает представление большая витрина с изделиями, изготовленными из серебра или украшенными серебром в различных техниках с применением эмали и вставок из полудрагоценных камней(5-7).

Искусство Северной Азии

Северной Азией называют обширный регион, простирающийся от Уральских гор до тихоокеанских побережий, от степных районов Южной Сибири до берегов Северного Ледовитого океана. На этой огромной территории, покрытой тайгой и тундрой, издавна проживает несколько десятков различных народов (чукчи, эскимосы и др.).

Коренные жители Северной Азии – потомки древних охотников, приникших в Сибирь и на Дальний Восток из глубинных районов Азиатского континента не менее пятидесяти тысяч лет назад. Они занимаются охотой, рыбной ловлей и оленеводством, якуты также разводят лошадей.

По своей антропологической принадлежности североазиатские народы – монголоиды и имеют немало общих черт с культурами таких народов Востока как монголы, китайцы, корейцы, японцы.

Искусство Китая

История Китая, по возрасту несколько уступающая таким древнейшим цивилизациям, как египетская и месопотамская, отличается удивительной стойкостью и непрерывностью преемственности культурных традиций. Экспозиция отражает состав музейной коллекции, которая насчитывает около 20 тысяч предметов, и позволяет представить развитие китайского и скусства в хронологическом порядке. Историография Китая строится по династийному принципу. В разделе искусства Древнего Китая представлены произведения периодов Шан (16-12 вв. до н.э.), Чжоу (12-5 вв. до н.э.), Чжаньго (5-3 вв. до н.э.) и Хань (206 г до н.э.-220 г. н.э.), с показа которых открывается маршрут по залу. В Китае с древнейших времен сформировалось особое мировоззрение, в основе которого лежит дуалистическая концепция бытия. Китайцы считали, что гармонию вселенной создавали Инь и Ян (Земля и Небо, женская и мужская ипостаси Вселенной). В искусстве воплощением этого взаимодействия стал образ дракона с «пламенеющей жемчужиной», а также сочетание геометрических фигур, в частности круга и квадрата. Идею гармоничного состояния мира олицетворял узор лэйвэнь (напоминающий античный меандр), а также восемь триграмм багуа (комбинации прерывистых и непрерывных линий). Эти декоративные элементы можно увидеть на бронзовых и каменных сосудах древнекитайского искусства. Среди произведений кубки гу для возлияния жертвенного вина периода Шан, сосуды цзун, выполненные из священного для китайцев нефрита, четырехгранной формы с триграммами (символизирующие Землю) и круглые диски би (Небо), относящиеся к периоду Чжаньго.

В разделе, посвященном искусству периода Хань, обращают на себя внимание произведения погребальной пластики, изображающих людей за разными занятиями и образцы ранней керамики с зеленоватой поливой. Уникальным произведением является терракотовая голова даосского святого с трехлапой жабой на темени. Традиция создания погребальной терракотовой пластики продолжилась уже в период Средневековья, в период Тан (7-10 вв.), когда государство после нескольких веков раздробленности объединилось в мощную империю.

Этот период связан с распространением буддизма, который сливается с традиционными учениями – даосизмом и конфуцианством, строительством храмовых комплексов и пагод, появлением книгопечатания, первых образцов фарфора (к сожалению, отсутствующих в нашей коллекции). Совершенствуется искусство керамики, о чем свидетельствуют изображения воинов, знатных придворных дам, верблюдов и лошадей, созданных в технике терракотовой пластики и декорированных росписью.

В залах представлена буддийская скульптура из бронзы от 4 в., когда складывается буддийский канон в Китае, до 17вв. Выделяется деревянная статуя Гуаньинь – буддийского Божества милосердия, выполненная из дерева в 10-12 вв.

Особое место в китайской культуре занимает керамика периода Сун (10-13 вв), отражающая эстетические и философские принципы чань-буддизма и даосизма, основанных на постижении законов бытия не логическим, а интуитивным путем. Художественный облик изделий отражал идею «незавершенности», «естественности», что проявляется в нарочито неровных очертаниях и причудливых свободных потеках глазури. Представлены изделия разных типов, таких как лунцюань, цычжоу, цзюнь, имеющих свои стилистические и технологические особенности.

Китай является родиной фарфора, который до 18 века в Европе называли «китайский секрет». Развиваясь на протяжении веков, производство фарфора достигло своего совершенства в периоды Мин (1368-1644) и Цин (1644-1911). С 14 века создаются изделия, расписанные подглазурным синим кобальтом, а позже цветовая палитра усложняется полихромными эмалями и железными красками. Целый ряд изделий декорирован в колористических гаммах «зеленого семейства», «черного семейства» и «розового семейства».

Классическая китайская живопись представлена горизонтальными и вертикальными свитками, а также альбомными листами. При этом творческие методы старых художников были разными: они работали в технике монохромной живописи тушью, а также в полихромной водяными красками. Использовали манеру гунби (прилежная кисть), скорописную и бескостную. Именно в манере последней создал серию альбомных листов на тему «цветы-птицы» художник Юнь Шоупин (1633-1690). Подлинным шедевром является пейзаж в стиле «сухая тушь» художника Чжа Шибяо (1615-1698), в котором мастер передает ощущение прозрачности осеннего воздуха, легкое движение ветвей обнаженных деревьев. Среди горизонтальных свитков выделяется работа выдающегося художника 16 века Цю Ина «Поэма о покинутой жене». Особо ценилась в Китае каллиграфия, т.е. «искусство красивого письма». Композиция Чжу Юньмина, выполненная скорописью цаошу, отличается выразительностью линий, контрастным сопоставлением насыщенных мазков и беглых штрихов сухой кисти.

Один из разделов посвящен китайскому официальному костюму периода Цин. Здесь представлены халаты, в декоре которых отражалась космологическая символика, квадратные буфаны – знаки отличия чиновников по рангам, выставлены женские китайские и маньчжурские кофты, созданные в технике гобеленного ткачества кэсы или украшенные сложной вышивкой, называемой в Китае сюхуа (живопись иглой).

Костюм дополнялся бусами, украшениями для прически из серебра, футлярами для длинных ногтей, которые также экспонируются в зале.

Китайские табакерки – флакончики для нюхательного табака, создавались в 18-19 вв. из самых разных материалов, например камня, фарфора, стекла. Вызывают удивление табакерки, расписанные по стеклу изнутри крохотными кисточками через узкое отверстие в горлышке.

В разделе лаков можно видеть резной «пекинский» лак, расписной кантонский и фучжоусский «бестелесный» (т.е. имеющий тончайшую тканевую основу). Широко в экспозиции представлены китайские перегородчатые и расписные эмали, резная слоновая кость, художественная резьба по дереву и камню.

О сохранении лучших классических традиций свидетельствуют образцы китайской национальной живописи гохуа, в создании которых принимали участие гениальные мастера 20 века Ци Байши, Сюй Бэйхун и Фу Баоши.

Искусство Юго-Восточной Азии

С траны Юго-Восточной Азии (Вьетнам, Мьянма, Таиланд, Лаос, Камбоджа, Индонезия) образуют единый историко-культурный регион, сложившийся еще в период древности. Начиная с первых веков н.э. здесь начали создаваться государства, где получили распространение религиозно-философские системы буддизма и индуизма. Вместе с тем местные верования – анимизм, тотемизм, культ предков – продолжали оказывать большое влияние на сложение культурных традиций и национальных особенностей в искусстве разных народов. Экспозиция Юго-Восточной Азии состоит из шести разделов, посвященных культуре таких крупных стран, как Вьетнам, Индонезия, Мьянма (Бирма), Таиланд, Лаос и Камбоджа.

Искусство Кореи

Древняя и самобытная корейская культура долгое время находилась в тени своих прославленных соседей – культур Китая и Японии. Между тем на протяжении веков на Корейском полуострове были созданы замечательные памятники, отмеченные чертами неповторимого национального своеобразия, которые по праву вошли в сокровищницу мирового искусства.

К орейская коллекция Государственного музея Востока (около 600 экспонатов) хронологически охватывает большой период истории корейского искусства, начиная с эпохи Трех государств (I в. до н.э. – VII в. н.э.) и заканчивая современным этапом. В собрании представлены основные виды искусства и художественного ремесла: скульптура, живопись, керамика, лаки, изделия из металла, традиционный костюм и украшения. Хранящиеся в музее произведения рассказывают о верованиях и эстетических идеалах корейского народа, особенностях национального бытового уклада.

История корейской классической скульптуры неразрывно связана с распространением в стране буддизма, который проник в Корею в IV в. через Китай, принеся с собой сложившуюся систему образов и сложившийся иконографический канон. В экспозиции музея демонстрируются позолоченные бронзовые фигуры стоящего Будды, представляющие собой характерные образцы корейской буддийской пластики периода Объединенного Силла (668 935 гг.). В работах корейских скульпторов этого времени, несомненно, влияние художественного стиля Китая эпохи Тан (618 907), синтезировавшего многие достижения разных художественных школ средневекового Востока. Вместе с тем очевидно и то, что мастера Кореи идут по пути формирования собственной традиции.

Ценной частью музейного собрания является коллекция средневековой керамики, позволяющая проследить историю развития этого вида искусства. Основным видом гончарной продукции в эпоху Корё (918 1392) были фарфоровидные изделия, покрытые светло-зеленой или голубовато-серой глазурью, получившей в Европе название селадоновой. Корейским селадонам присущи пластическая выразительность форм, часто воспроизводящих природные, изысканные оттенки глазури. Уникальным изобретением гончаров государства Корё явилась техника инкрустации селадоновых изделий – сангам. На поверхности сосудов по сырому керамическому тесту вырезались тонкие узоры, заполнявшиеся белой и коричневой глинами. После обжига сосуд покрывался глазурью и обжигался вторично. Один из наиболее интересных в музейной экспозиции образцов керамики, декорированной в технике сангам, – сосуд для вина в форме дольчатой тыквы, украшенный вьющимися побегами с головками хризантемы. Цветок осени, входивший в набор так называемых «четырех благородных» растений, считавшийся символом долголетия, хризантема стала одним из излюбленных мотивов в корейском искусстве.

В период Чосон (1392 1910) получает развитие расписной фарфор. В музее хранится большая группа ваз, бутылей, горшочков и блюд с изображениями цветов, птиц, пейзажными композициями, выполненными в технике подглазурной росписи кобальтом. Привлекает внимание бутыль с фигурой дракона. Гротескное искажение пропорций, характерная морда с нарочито выпученными глазами придают образу фантастического животного легкий комический эффект.

Музей обладает небольшой, но интересной коллекцией свитков и альбомных листов XVIII начала XX в., которая дает возможность познакомиться с различными жанрами корейской средневековой живописи: портретом, пейзажем, “цветы и птицы”, “изображение обычаев”. Работа “Пионы”, созданная одним из наиболее значительных корейских мастеров XIX в. Хо Рёном (1809–1892) показывает виртуозное владение разнообразными приемами монохромной живописи тушью.

В экспозиции широко представлено искусство художественных лаков. Наибольшее распространение в Корее получили чернолаковые изделия, украшенные перламутром в технике наджон. Перламутр наклеивали рыбьим клеем, смешанным с рисовым отваром, на покрытую лаком поверхность. После просушки изделия накладывали еще ряд слоев лака, так что перламутровый рисунок исчезал и появлялся вновь лишь после длительной шлифовки.

В еликолепным образцом традиционной лаковой мебели, декорированной в технике наджон, служит шкаф для одежды, в отделке которого преобладают мотивы благопожелательного характера.

Значительную часть музейного собрания составляет коллекция национального костюма и ювелирных украшений XIX–XX вв. В экспозиции можно видеть церемониальное женское одеяние с богатой вышивкой, официальный халат гражданского чиновника одного из трех высших рангов, редкий комплект костюма военачальника эпохи Чосон. В состав последнего входит шлем, эффектно украшенный искусно выполненными накладками из позолоченной бронзы. В центре защищающей лоб пластины круглый медальон с иероглифами вонсу (командующий).

Интересным видом женских украшений эпохи Чосон являются массивные подвески норигэ, прикреплявшиеся к завязкам, поясам наплечной одежды либо к поясу юбки. Женщины надевали то или иное норигэ в зависимости от социального положения, случая, сезона. В состав украшения входили не только декоративные подвески, но и предметы, имеющие функциональное назначение: коробочки для ароматических веществ, ухочистки, футляры для игл, применявшихся в иглотерапии, маленькие кинжальчики, которые служили символом женской чистоты и верности, но иногда могли использоваться для самозащиты.

В целом коллекция Государственного музея Востока раскрывает как неповторимые особенности корейской художественной культуры, так и черты, сближающие ее с родственными культурами других стран дальневосточного региона.

Искусство Японии

Я пония – самая маленькая из стран Дальнего Востока, расположенная на четырех крупных и многочисленных мелких островах к востоку от азиатского материка, за что и получила название Страны восходящего солнца. Ее искусство складывалось в особых природных и исторических условиях: островное положение страны обеспечивало ей обособленность от других земель, а близость к материку способствовала установлению контактов с Китаем и Кореей. На протяжении столетий духовная и художественная культура Японии впитывала философские и эстетические основы более древней китайской цивилизации, но по-особому преломляла ее идеи и находила им своеобразное воплощение. Наиболее значительным этапом во всех областях художественной жизни явилась эпоха феодализма, начавшаяся в 6 – 7 вв. и затянувшаяся вплоть до середины 19 в.

Экспозиция включает свыше четырехсот пятидесяти произведений и по временной протяженности охватывает период с конца 12 до начала 20 в. В ней представлены различные в иды искусства и художественных ремесел, которые складывались в период средневековья. Они составляют основу японской художественной традиции.

История японского искусства неразрывно связана с распространением буддизма, пришедшего в Японию в 6 в. Буддизм способствовал приобщению Японии к многовековым культурным традициям Востока, сложившимся в Индии, Китае, Корее. В процессе создания произведений искусства, обслуживающих религиозную практику, и освоения опыта китайских и корейских мастеров происходило формирование национальных школ скульптуры, живописи, прикладного искусства.

Э кспозицию открывают уникальные памятники буддийской деревянной пластики 12-15 вв., среди которых подлинными шедеврами являются изображение бодхисаттвы Фугэна на слоне (12 в.) и статуя Будды Амида (13 в.). Они демонстрируют стиль, оформившийся в рамках буддийского канона в конце периода Хэйан (794 – 1185) и ставший воплощением эстетических идеалов аристократии. Для него характерны культ утонченного изящества и несколько женственной грации, камерность образов, превращавших объект религиозного поклонения в предмет любования.

Под влиянием учения дзэн-буддизма, проникшего из Китая на рубеже 12-13 вв., и китайского монохромного пейзажа периода Сун (10-13 вв.) в Японии появляется монохромная живопись тушью (яп. суйбокуга), которая, так или иначе, определила последующее развитие японской живописи. В экспозиции она представлена картинами на свитках и образцом расписной ширмы. Среди экспонируемых произведений – работы мастеров школы Ункоку, художественного направления Бундзинга (Живопись интеллектуалов) и ширма «Обезьяны, ловящие отражение луны в воде» кисти художника прославленной школы Кано.

В течение 15 – 16 вв. под воздействием дзэн-буддизма в Японии рождается самобытное художественное явление – чайная церемония тяною (в дословном переводе – «горячая вода для чая»), во время которой пьют заваренный кипятком растертый в пудру зеленый чай, взбитый венчиком прямо в керамической чашке. Благодаря законодателю чайного ритуала Сэн-но Рикю (1522 – 1591) тяною превращается в детально разработанное действо с определенным набором вещей. Довольно скоро чайная церемония получает распространение во всех слоях общества. Растущая популярность тяною становится мощным импульсом для развития керамического производства. Лучшая в нашей стране музейная коллекция японской керамики широко представлена изделиями 16-18 вв. – периодом ее наивысшего расцвета. Среди экспонатов преобладают принадлежности для тяною: чаши, сосуды, вазы для цветов, курильницы, блюда, коробочки для хранения благовоний. Это продукция знаменитых печей Сэто, Сигараки, Ига, Тамба, Мино, Сацума, Карацу, а также особо ценимые мастерами чая, вылепленные от руки и покрытые толстым слоем глазури классические чаши черный и красный раку. Они олицетворяют дзэнские идеалы красоты естественного, простого, грубоватого, лишенного внешнего блеска, гармонию красоты и пользы, обаяние патины, оставленной временем.

В залах музея воссоздана также часть традиционного японского дома с комнатой, подготовленной для чайного ритуала. Она демонстрирует конструктивные особенности национального интерьера и его пространственной организации, с наибольшей полнотой отразившие представления о нерасторжимой связи человека и природы, которые укоренились в сознании японца с глубокой древности, и на протяжении столетий органично подкреплялись идеями дзэн-буддизма. Размещение вещей в традиционном интерьере, кажущемся почти пустым, дает возможность почувствовать особое отношение японцев к предметному миру, передать атмосферу повышенного внимания к каждой вещи – его материальной природе и духовному содержанию.

Наиболее широко и разносторонне в экспозиции показано искусство позднего средневековья – 17 – первая половина 19 в., связанное с укреплением торгово-ремесленного сословия и ростом городов. В городской культуре на первый план выдвинулось понятие ики – дух обольстительной красоты, яркой и чувственной, получили развитие новые формы художественного творчества. Именно в эту эпоху достигла своего высшего подъема гравюра на дереве укиё-э («картины изменчивого мира»), прославившая в странах Европы японское искусство. Она показана в разнообразии традиционных жанров: якуся-э (театральная гравюра), бидзинга (изображение красавиц из «веселых кварталов»), фукэйга (пейзаж), катёга (цветы и птицы), муся-э (картины историко-героического содержания, изображение воинов), суримоно (поздравительные открытки), фудзокуга (бытовой жанр, праздники и обряды годового цикла), сумо-э (изображение борцов сумо). В залах музея выставлены произведения таких выдающихся мастеров, как Китагава Утамаро (1753 – 1806), Кацусика Хокусай (1760 – 1849), Андо Хиросигэ (1797 – 1858), Утагава Кунисада (1786 – 1864) и других.

В двух витринах богато представлена коллекция миниатюрной пластики – около двухсот нэцкэ и окимоно, выполненных первоклассными резчиками своего времени, такими как Хасэгава Икко, Доракусай, Томомицу, Судзуки Масанао из Исэ, Охара Мицухиро и другие. Обширный круг сюжетов проливает свет едва ли не на все аспекты жизни горожанина периода Эдо (1603 – 1868) и круг его интересов: мифологические и фольклорно-сказочные персонажи соседствуют с образами легендарных героев и незатейливыми бытовыми зарисовками, фигурки животных – с изображениями растений, а бродячие комедианты – с масками классического театра Но.

Небывалое развитие получает в 17 – 19 вв. искусство художественных лаков, в первую очередь, изобретенная еще в период Хэйан (794-185) техника маки-э (разбрызганная картина) с использованием золотого и серебряного порошка для создания на поверхности изделия изобразительного или орнаментального мотива. Среди экспонируемых образцов – шкатулки, курильницы, миниатюрные домашние алтари дзуси, чайницы, столик для чтения и письма бундай, футляр для свитков, короб для еды, курительный прибор, носимые на поясе портативные разборные коробочки для печатей и медикаментов инро и уникальный буддийский алтарь-реликварий. Виртуозными вариациями золотой крошки и фольги, комбинированием рельефных и плоских узоров, инкрустацией перламутром, металлическими сплавами и полудрагоценными камнями мастера добивались необыкновенных цветовых и живописных эффектов, например, сияния золота на золоте, или уподобления золотой россыпи мазкам туши.

Фарфор, производство которого начинается в Японии только в первой декаде 17 в., представлен разнообразными изделиями мастерских Ариты. Среди них выделяются образцы, созданные по заказам Ост-Индской голландской компании, которая на первых порах необычайно стимулировала развитие этого нового для Японии вида искусства. Тарелки, чаши, вазы с куполообразными крышками, предметы, изготовленные по западным моделям (тазик для бритья, кофейник) демонстрируют особенности экспортного стиля декорации, сложившегося под влиянием внешнего рынка и основанного на творческой интерпретации китайских прототипов. В экспозицию включена также фарфоровая и фаянсовая продукция известных керамических центров – Киото, Сацума, Хирадо, Кутани. Это сине-белые изделия, образцы, расписанные полихромными эмалями, украшенные позолотой, фигурной лепкой или резьбой. Они составляют контраст благородной простоте и одухотворенной естественности керамики для чайной церемонии и в полной мере соответствуют представлениям позднего средневековья о «блеске мира».

Период Эдо (1603 – 1868) – время формирования общенационального типа одежды, ныне объединенного одним словом «кимоно» (букв. «вещь, которую носят»). Это широкие и длинные халаты прямого покроя, которые отличаются лишь длиной рукавов, сшитых из прямоугольных полотнищ стандартных размеров. В их орнаментации находят место традиционные мотивы, заимствованные из живописи (птицы, цветы, растения, пейзажные композиции), каллиграфические надписи, а также композиции, навеянные образами классической поэзии, и благопожелательные сюжеты. Экспозиция знакомит с основными разновидностями кимоно: косодэ (букв. «малый рукав»), фурисодэ (букв. «длинный качающийся, струящийся рукав»), - с вошедшими в моду в 18 в. широкими поясами оби. Украшенные замысловатым тканым узором, росписью или вышивкой, они отмечены нарядной праздничностью, в которой с наибольшей наглядностью проявился жизнеутверждающий облик средневековой культуры, сохраняющийся в традиционном костюме по сей день.

И зготовление и украшение холодного оружия имеет в Японии древние традиции. Меч рассматривался как сакральный предмет, подаренный прародительницей Японии - богиней солнца Аматэрасу Омиками своему внуку, которого она послала на землю править и искоренять зло. Вместе со священной драгоценностью магатама (сияющая изогнутая яшма) и зеркалом он составил три императорские регалии. Для воинского класса, занимавшего высшую ступень в социальной иерархии средневекового общества, меч – это в равной степени и оружие, и символ сословной принадлежности, чести и достоинства самурая. В раздел традиционного японского оружия вошли различные виды мечей, кинжалов, элементы боевого облачения воина, а также детали оправы мечей, которые составляли предмет гордости владельца и по уровню художественного совершенства были сродни своеобразным мужским ювелирным украшениям.

В енцом экспозиции являются дары японского императора Мэйдзи российскому императору Николаю II по случаю его коронации в 1896 г. Это скульптурная группа «Орел на сосне» и ширма, выставленные в специально изготовленной по особому проекту центральной витрине. Ансамбль «орел-ширма» - интереснейший памятник исторического и художественного значения, относящийся к переломному этапу японской истории, когда страна выходила на мировую арену, покончив с периодом длительной изоляции, и демонстрировала достижения своей многовековой культуры. Помещенная на корневище сосны фигура орла в натуральную величину с размахом крыльев в 164 сантиметра собрана из более чем полутора тысячи деталей, вырезанных из слоновой кости. Орел на фоне ширмы впервые экспонируется таким образом, что зритель может видеть и лицевую сторону ширмы с картиной бурного моря, выполненной вышивкой, и оборотную, украшенную изображением резвящихся среди облаков птичек, созданных в технике стриженого бархата. Это дает возможность по достоинству оценить великолепную работу ткачей и вышивальщиков, и вместе с тем почувствовать, что в японском доме ширма – и функциональный предмет, и художественное произведение, создающее одухотворенную среду, выделяя пространство особой значимости. В экспозиции данный ансамбль олицетворяет культурное наследие, с которым Япония входила в 20 в.