Испанское искусство XVII века
Со второй половины XV и, Испания уже была единым государством; в начале XVI в. это абсолютистское государство достигло наивысшего политического и экономического могущества в Европе. Открытие новых торговых путей превратили Испанию в самую сильную морскую державу, владеющую гигантскими колониями. Расцвет испанской культуры: литературы и театра (освященных именами Сервантеса и Лопе де Вега), а затем живописи — не совпал с периодом наивысшего экономического и политического могущества Испании и наступил несколько позднее. «Золотым веком» испанской живописи является XVII век, а точнее — 80-е годы XVI — 80-е годы XVII столетия.
Для испанского искусства было характерно преобладание традиций не классических, а средневековых, готических. Роль мавританского искусства в связи с многовековым господством арабов в Испании несомненна для всего испанского искусства.
У испанских художников было два основных заказчика; первый — это двор, богатые испанские гранды, аристократия, и второй — церковь. Роль католической церкви в сложении испанской школы живописи была очень велика. Под ее влиянием формировались вкусы заказчиков В испанском искусстве идеал национального героя выражен, прежде всего, в образах в святых.
Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 г. живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко, поскольку он был греческого происхождения и родился на острове Крит (1541—1614). Истоками его творчества была византийская монументальная и станковая живопись (иконы и мозаики); из итальянского искусства наибольшее влияние: на него имели Тициан н Тинторетто. Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты («Взятие под стражу», «Моление о чаше», «Святое семейство»), чаще всего — алтарные образа («Погребение графа Оргаса, церковь Сан Тоне, Толедо). Значительно реже он обращается к античным мифам («Лаокоон»). Он пишет много портретов и пейзажей. Герои Эль Греко «вкушают радость в страдании», находятся и состоянии крайней взволнованности и эмоционального напряжения. Лица героев Эль Греко всегда удлиненные, аскетические, глаза посажены асимметрично и широко открыты. Напряженный динамизм пронизывает все композиции мастера. Его портреты грандов все чем-то похожи друг на друга: этих людей снедает внутренний огонь, они полны напряжения сложной духовной жизни. Эль Греко подчеркивает ничтожность человека перед силами природы, и в этом одно из резких отличий в восприятии природы человеком барокко и человеком Ренессанса. В глубоко своеобразном и выразительном искусстве Эль Греко много мистики, экзальтации, исступления.
«Золотой век» испанской живописи означен именами таких художников, как Франсиско Рибальта, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран. Монументальные образы святых Рибальты (1551 — 1628) всегда строятся на знании конкретной модели, несут определенные черты портретности. Интенсивные цвета его палитры имеют много общего с письмом Караваджо, во всяком случае исходит из близких реалистических принципов ("Апостол Петр", «Евангелист Лука»).
На ранних этапах в творчестве Хусепе Риберы (1591 — 1652) отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому: он предпочитает темные, насыщенные густые тона, красноватые в тенях, точную пластическую моделировку, подчеркнутую материальность формы, контрасты света и тени, сложные ракурсы фигур («Св. Себастьян»). Его библейские и евангельские персонажи — простолюдины, но всегда полные достоинства, мужественные и гордые. Рибера предпочитает изображать сцены мученичества; в них ярче предстает нравственная сила героев.
В период расцвета творчества Риберы несколько меняется его манера – живопись становится светлее, колорит — тоньше, тени — прозрачнее, исчезают резкие контрасты, все как бы наполняется воздухом. Образы становятся более обобщенными и глубокими (образ «Св. Инессы»).
Севильской школе принадлежит творчество Франсиско Сурбарана (1598-1664), получившего звание главного живописца Севильи. Его персонажи – монахи, спокойные, нежные, благочестивые, обычно представлены в рост, в белых одеждах на темном фоне, в статичной позе, что сообщало им оттенок вечного и незыблемого. Приблизительно в 30-х гг. в почерке Сурбарана сказывается влияние караваджизма: в плотности и темном цвете красок, в светотеневых контрастах («Отрочество Марии»). Живопись этого периода совершенно самостоятельна и свободна от каких-либо влияний. В ней нет ни внешних эффектов, ни экзальтации, даже в мистических сюжетах.
Самым ярким художником «золотого испанского века» стал Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599-1660). Первые самостоятельные работы его показывают интерес к жанру бодегонес (от слова bodegon – трактир, харчевня, лавка). Это «Завтрак» и «Водонос». У Веласкеса, почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены («Христос в гостях у Марии и Марфы»).
В конце 20-х гг. он пишет картину на мифологический сюжет «Вакх в гостях у крестьян» («Пьяницы»). Возвышенное и низменное перемешалось здесь, как на ранних этапах античного искусства. В 1629 г. художник впервые едет в Италию. «Кузница Вулкана» была как бы результатом изучения им классического искусства, но в толковании темы он остается верен собственным принципам, изобразив вместо античных героев вполне современных испанских крестьян, занятых кузнечным ремеслом.
Утверждение достоинства личности – основная черта портретной живописи Веласкеса. Как придворный художник он почти сорок лет писал портреты Филиппа IV, его детей и т.д. Веласкес по праву считается одним из создателей парадного, репрезентативного портрета. Изображения его монументальны, лаконичны и глубоко выразительны по средствам (конные портреты Филиппа IV, инфанта Балтазара Карлоса, графа Оливареса и др.). Для искусства Веласкеса, для восприятия им мира и человека вообще свойственны благородство и мера. Эти качества особенно сказались в портретах шутов – карлик «Дон Антонио», «Идиот из Кории» - образы переданы художником с большим тактом, достойными уважения и сочувствия. Правдивость изображения и глубина проникновения в истинную сущность модели с особой силой проявились в портрете папы Иннокентия, сидящий в кресле папа изображен как бы один ни один со зрителем. Его пронизывающий холодный умный взгляд, сжатые губы выдают целеустремленный характер, непреклонную волю, активный темперамент, натуру, не знающую ни в чем преград. Портрет демонстрирует сложнейшее искусство Веласкеса-колориста. Он написан в два цвета: белым и красным, но красный дан во множестве оттенков, от алого до розового. Так, на смену портрету-идеалу эпохи Возрождения, барокко выдвигает портрет человека во всей сложности его бытия, со всеми темными и светлыми сторонами его существования.
В последнее десятилетие жизни Веласкес создал три самых известных своих произведения. Возможно, именно под впечатлением от тициановской Винеры он написал свою «Венеру с зеркалом» – первое в испанском искусстве того времени изображение обнаженного женского тела. Венера написана со спины, и только в зеркальце, которое держит амур, отражается ее простое милое лицо. Ее торс замыкает композицию переднего плана, и такая замкнутая сама в себе композиция является характерной чертой барокко.
Другой знаменитой картиной Веласкеса стало полотно – «Менины». Это, по сути, групповой портрет. Стоя у мольберта, сам художник пишет короля и королеву, отражение которых зрители видят в зеркале. На переднем плане изображена инфанта Маргарита, видимо пришедшая для развлечения родителей, в окружении фрейлин, карлиц и собак. Лицо инфанты, полное детской надменности, легкие волосы, тщедушное тельце, закованное в парадное платье, - все пронизано воздухом, моделировано тысячью разных оттенков, мазками разного направления, плотности и величины. Композиция усложнена тем, что в ней объединены черты жанровой картины и группового портрета.
Третье из последних произведений Веласкеса – «Пряхи». Это также жанровая картина, поданная мастером монументально. На полотне изображена шпалерная мастерская, в которую пришли придворные дамы, чтобы полюбоваться на искусство прях. Они рассматривают гобелен, изображающий миф об Арахне. Этот сюжет перекликается в картине с реальной сценкой на переднем плане, где изображены сами пряхи. Веласкес создает атмосферу труда, творящего искусство, и вся картина вдруг оказывается прославлением самого искусства.
Самым крупным художником второй половины XYII столетия был Бартоломео Эстебан Мурильо, один из основателей Севильской Академии художеств. Его изображения «Мадонны с младенцем», «Непорочного зачатия», «Святого семейства», в которых поэтичность нередко переходит в слащавость, снискали ему европейскую славу, равно как и изображения детей («Мальчик с собакой»).
В архитектуре Испании XYII в. исконно национальные черты переплелись с элементами мавританского зодчества и с традициями народного мастерства. Архитектура XYII в. переходит к большей праздничности, нарядности, пышной орнаментике и т.д. Скульптура пышным ковром украшает фасады и особенно порталы испанских архитектурных сооружений. В целом испанская пластика в стает на пути самостоятельного развития. Это прежде всего деревянные культовые произведения, статуи святых, раскрашенные в естественные тона. Иногда руки и ноги статуй делались на шарнирах, волосы были естественными, в глаза вставлялись стекла. Но в статуях еще много готического - в общем, выражении, в религиозной экзальтации. С конца XVII в изобразительное искусство Испании переживает упадок.