28. Тв. Амадео Модильяни.

Амедео Модильяни (12.07.1884 - 25.01.1920) - итальянский художник и скульптор, снискавший известность благодаря своим портретам в стиле кубизма и африканского пластического искусства. Для работ Модильяни типичны удлиненные, овальные формы тел, а также цветовая шкала, сведенная к коричневым, "под охру", тонам.

Сын иберийского еврея, он родился в Ливорно. Его отец торговал углем и древесиной, мать преподавала в народной школе. Болезненный и слабый Амедео начал брать уроки рисования в четырнадцать лет. В 1899 он бросил учебу в гимназии и поступил в Академию живописи Гульиемо Микели.

1900: Ранние работы. Поначалу Модильяни создавал портреты и натюрморты в традиционном ключе. В 1900 ему пришлось прервать учебу из-за плеврита; еще через два года он уехал во Флоренцию. В 1903 Модильяни перебрался в Венецию, где время от времени посещал занятия в художественном училище. Его работы того времени не сохранились.

1906: В Париже. В 1906 Модильяни уехал в Париж и поселился на Монмартре. Из-за склонности к алкоголю и привычки раздеваться в пьяном виде ему дали прозвище "Моди", явно происходившее от французского "maudit" ("проклятый"). Успех пришел к Модильяни в 1907, когда семь его работ были выставлены в "Осеннем салоне" в Гран-Пале. Уже эти картины выявили нелюбовь Модильяни к чистым краскам и ярким цветовым эффектам. В 1908/1909 художник впал в творческую и душевную депрессию и на несколько месяцев уехал к своей семье в Ливорно.

1910: Скульптурные работы. В картинах, появившихся после возвращения, явственно ощущается влияние Поля Сезанна: Модильяни противопоставлял части картин друг другу за счет подбора цветов. Отдельные работы - такие, как, например, "Виолончелист" - производили эффект пластичности, что можно объяснить растущим интересом художника к скульптуре. Знакомство с Константином Бранкузи окончательно укрепило его желание стать скульптором. В период между 1910 и 1912 появился цикл "Стелы" - все они были из одного монолита. Из-за недостатка денег материал для скульптур ему приходилось отыскивать главным образом на строительных площадках. Вытянутые в длину лики на стелах напоминают, с одной стороны, образцы африканского искусства, с другой - геометрию кубизма. Когда Модильяни показал свою работу другу в Ливорно, тот усмотрел в ней насмешку над собой и выбросил одну из частей стелы в городской канал. В 1913/1914 художник начал работать над фигурами кариатид, которые остались незаконченными. В 1914 Модильяни познакомился с английской писательницей и цирковой артисткой Беатрис Хастингс. Их двухлетняя связь то и дело прерывалась из-за запоев Амедео.

1914: Своеобразие портретного стиля. Формы, открытые в скульптурных работах, Модильяни воплощал также и в картинах: с 1914 начали появляться портреты друзей и знакомых. При создании портретов Модильяни ставил своей целью представить как внешность, так и внутренний мир человека, найти соответствующие художественные формы для выражения его индивидуальности. Вслед за изображениями в стиле арабесок ("Диего Ривера", 1914) он принялся экспериментировать с переливчатыми красками ("Фрэнк Хэвиленд", 1914; "Пьеро", 1915). На многих его картинах лица разложены на простые геометрические формы с заметным сдвигом цветового окружения в сторону от них ("Новобрачные", "Мадам Помпадур"). Одновременно с этим он начал серию картин, в которых модели были изображены в одной позе - это женщины с упертыми в бедра руками. Тяжелое финансовое положение Модильяни отчасти улучшилось после встречи с владельцем художественной галереи Полем Гилломе, который в 1915 снял для художника мастерскую. Через год Модильяни ушел от Гилломе и стал работать у польского торговца картинами Леопольда Зборовского, получая за свои работы по 15 франков ежедневно. Начиная с 1916 стали появляться типичные для Модильяни работы с вытянутыми в длину, зачастую истощенными и изнуренными лицами и фигурами, выполненные в основном в темных, охристых тонах.

1918: Успех художника. Во время карнавала в 1917 Модильяни познакомился с 19-летней студенткой-художницей Жанной Эбютерн, которая стала его спутницей жизни. В том же году на своей единственной прижизненной персональной выставке в Париже он представил на суд публики многочисленные изображения позирующих натур, которые уже в день открытия выставки были вынесены из зала как "вызвавшие публичный скандал".

К концу 1918 Модильяни завоевал успех у публики, однако состояние его здоровья неуклонно ухудшалось - главным образом из-за неумеренного пьянства. В 1920 он умер в Париже в возрасте тридцати пяти лет от туберкулеза легких. Через день после его смерти находившаяся на девятом месяце беременности Жанна Эбютерн покончила с собой, выбросившись из окна.

Амедео Модильяни, «Обнаженная»

Амедео Модильяни – французский живописец-неороманист итальянского происхождения, представитель «парижской школы» живописи, создавший совершенно уникальный собственный сдержанный стиль, сочетающий элементы модернизма и классического натурализма.

Модильяни относится к немногим художникам начала XX в., которые сохранили тягу к живописности и эмоциональности. Лиричность, человечность, проникновенность и грусть наполняют его полотна.

Модильяни в целом очень близок к Матиссу, однако декоративность последнего у него заменена всей живостью человеческой натуры. Не случайно основное направление работ Модильяни – обнаженная женская натура и женские портреты. С высочайшим мастерством художник передает тончайшие нюансы сюжетов, абсолютно не стремясь к примитивизму.

Утонченный художественный вкус с нотками рафинированности отображается в его «Обнаженной». Расслабленная фигура обнаженной женщины дышит соблазном и покорностью одновременно, что создает неповторимое томительное эротическое наполнение картины. Традиционная для Модильяни манера – вытянутые, немного резкие линии вкупе с четкостью создаваемого объема – является отражением великолепного владения мастера скульптурной выразительностью в живописи.

Женские портреты в творчестве художника не менее выразительны, особенно часто он изображал Жанну Эбютери – любимую им женщину, покончившую с собой после смерти художника. Характерной для Модильяни направленностью является отображение в каждом полотне своего душевного мира, одинокого и сдержанного.

Ни малейшего порыва страсти, противоречия, поиска не обнаруживается в его камерно-интимных работах. Художник как бы укрылся навсегда в своем собственном отрешенном пространстве. Вряд ли здесь можно говорить о нарочитом ограничении творческого диапазона, скорее, именно таким образом Модильяни представлял себе универсальный способ выражения.

В его лучших работах лаконичность композиции, декоративная плоскостность, музыкальность изысканного силуэта и цвета создают особый мир интимных хрупких образов, как, например, в картинах «Эльвира», «Портрет Л. Сюрвата», «Ж. Эбутерн», «Портрет Л. Зборовского».

Родившийся в Италии, Модильяни в возрасте 20 лет переехал в Париж, где и прожил более 15 лет. Здесь он и умер в 1920 г. еще совсем молодым, но уже совершенно истощенным туберкулезом.

27. Творчество Казимира Малевича. (1878 – 1935 ) Казимир Северинович Малевич родился 11 февраля 1878 года в Киеве. Его отец работал на свеклосахарных заводах, которые обычно строились в глуши. Поэтому в 1890 году семья перебралась в село Пархомовка. Казимир окончил пятиклассное сельскохозяйственное училище и с увлечением помогал крестьянам расписывать печи, сам рисовал, как считал, не хуже, чем художники в журналах. Когда в 1896 году семья Малевичей переехала в Курск, Казимир вместе с другими художниками-любителями создал кружок любителей искусства. Ради того чтобы заработать деньги на учебу в Москве, Казимир Малевич некоторое время служил чертежником в техническом отделе управления железной дороги. В 1904 году он начал посещать Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Сначала Малевич был увлечен импрессионистами, затем иконописью, которая, по его собственному признанию, помогла ему понять "эмоциональное искусство крестьян, которое любил раньше, но не уяснил всего того смысла, который открылся после изучения икон". Он рисовал пейзажи и увлекался творчеством "передвижников" Шишкина и Репина. Начав с пейзажных, жанровых и портретных произведений, Малевич очень скоро перешел к огрублению форм, испытал влияние кубизма и стал компоновать на своих полотнах стереоскопически простые объемы. Декоративно-экспрессионистические полотна Малевича рубежа 1900-10-х гг. свидетельствовали об освоении наследия Гогена и фовистов. За этим последовали беспредметные произведения, где объемы были уже просто разложены на геометрически простые формы.

Математически выверенная рациональность геометрических построений – путь Малевича. Линия, цвет, форма должны быть изучены как первоначальные элементы живописного языка – такова задача абстракционизма. Свое направление Малевич назвал супрематизмом. Свои работы он строит на сопоставлении круга, треугольника, прямоугольников различной величины, окрашенных в основные чистые цвета. В 1913 г. появляется «Черный квадрат». «Черный квадрат» можно трактовать по-разному: это и конец живописи как таковой в мире, где красота сама по себе уже умерла, это и полное совпадение предмета изображения с изображенным на полотне предметом – то есть то, к чему стремилась живопись на протяжении нескольких столетий. Такое упразднение искусства было характерно для эпохи. В «Черном квадрате» можно видеть метафору современного мира, от которого остался один только геометрический остов. Для того, чтобы открыть «живописную формулу натуры», как говорит Малевич, нужно дойти до первоэлементов искусства, надо упереться носом в холст. Супрематическую живопись можно рассматривать как искусство, из которого изгнано все утилитарное и поддающееся разумному обоснованию. Малевич стремился изгнать из искусства сюжет, то есть то, что так или иначе дает смысловую картину мира. Художник должен творить в чистом виде, без примеси действительности, без намека на все, взятое из мира.

Малевич считал, что "Черный Квадрат" - это вершина всего. "Черный квадрат" - это своеобразный живописный манифест супрематизма - нового направления абстрактного искусства, возникшего в России в начале XX века благодаря Малевичу. Пронизанные внутренним движением асимметричные, но уравновешенные супрематические композиции рождались в результате сочетания самых простых, различных по величине и цвету геометрических фигур - треугольников, полос, прямоугольников, кругов и т. д. В переводе с латинского supremus значит "наивысший". Обдумывая концепцию нового течения, К. Малевич делился своими планами только со своим другом М. Матюшиным. Именно с ним он задумал издавать журнал "Нуль". В "Черном квадрате" все предметные формы, казалось бы, действительно сведены к нулю, но это не конец, а только начало нового движения, вход в новое пространство. Малевич вынашивал идею "шагнуть за нуль", в беспредметное пространство. Изображенный на белом фоне его черный квадрат стоит воспринимать не как плоскость, а как вход в космос нового пространственного видения. Предысторией "Черного квадрата", идея создания которого, по признанию Малевича, родилась на бессознательном уровне, можно считать работу художника над эскизами декораций к опере Матюшина и Крученых "Победа над солнцем". В результате "распадения" "Черного квадрата" появились на свет 48 новых картин, которые были показаны в 1915 году на выставке "0,10".

После революции Малевич пытался средствами своего искусства отразить новую действительность и значительно отошел от прежней практики. Сохранив геометричность своих построений и роль основных чистых цветов: черного, белого, красного, он в то же время сильно приблизился к реальному миру. Таков его «Автопортрет», написанный в стилистике Кватроченте. Но в историю искусства Малевич вошел своими прежними супрематическими полотнами и, прежде всего той картиной, которую прекрасный искусствовед Лифшиц назвал «монашески черным изуверским зрительным символом».

Казимир Северинович Малевич родился 11 февраля 1878 года в польской семье в Киеве.

Его первыми опытами в живописи были натурные пейзажные этюды в импрессионистической манере.

В 1896 году семья переезжает в Курск, где Казимир поступает на службу в технический отдел управления железной дороги чертежником. В 1904 году едет в Москву, где посещает Московское училище живописи, ваяния и зодчества. С 1906 учится в студии Ф.И.Рерберга и начинает участвовать в выставках. но систематического образования Малевич не получил, больше полагаясь на собственную художественную практику, овладевая новыми приемами и методами.

Малевич искал новые пути в искусстве и быстро стал одной из центральных фигур художественной жизни Москвы и Петербурга. он пришел к неопримитивизму, одновременно разрабатывая приемы кубизма. В 1913-1914 годах проиллюстрировал несколько книг и создал эскизы декораций и костюмов к опере "Победа над солнцем" (текст А.Е.Крученых, музыка М.В.Матюшина). Максимальное упрощение и геометризация форм в эскизах подвели Малевича к открытию нового художественного направления - супрематизма, в котором он полностью отказался от изобразительности элементов, сохранявшихся в кубизме и футуризме.

В годы революции Малевич был членом коллегии изобразительных искусств Наркомпроса, заведовал Художественным отделом Московского совета, преподавал в первых ГСХМ в Москве и Петрограде. Делал декорации к первой постановке пьесы В.В.Маяковского "Мистерия-буфф" (1918). В Витебске преподавал в организованной М.З.Шагалом, Народной художественной школе, вскоре преобразованной в Художественно-практический институт, где он со своими последователями учредил Уновис ("Утвердители нового искусства"). В 1922 году Малевичу пришлось вернуться в Петроград, где он работал на фарфоровом заводе, предпринимал усилия для продвижения лабораторных исследований живописи, начатых еще в Витебске. Базой для этого стал ИНХУК (Институт художественной культуры), организованный при участии Малевича в 1923 году, а после получивший статус государственного (Гинхук), где Малевич был директором и руководителем формально-творческого отдела. В Гинхуке он разработал теорию "прибавочного элемента в живописи". В 1926 году Гинхук был присоеденен к Государственному институту истории искусств. В 1929 году Малевичу пришлось оттуда уйти. В 1932 году он получает экспериментальную лабораторию в Государственном русском музее. К этому времени он вернулся к изобразительности, как бы заново проходил этапы своего развития. В 1932-1933 годах Малевич обратился к формам традиционного реализма, желая не отставать от тенденций этого времени.

Ключом к пониманию искусства Малевича является его собственная теория. Он разрабатывал свои эстетические идеи в концептуальной манере. Художественный образ был для него и внутренним процессом его ощущений.

Перед тем как прийти к супрематизму, Малевич надеялся, что его кубистический стиль письма сможет визуально представить идею усложненного языка. и он разрабатывает несколько вариантов кубического стиля. После чего супрематизм предстал как система, по которой происходит движение цвета. Цвет и динамизм Малевич рассматривал как фундаментальные элементы живописи. И говорил о том, что цвет не имеет никакого отношения к настроению и не несет символического значения, и не проистекает из естественной природы объекта. Он понимал цвет, как энергию, заключенную в организм и которая в живописи предполагает выразительное средство, лишенное формы. Малевич говорил о том, что цветовые ощущения и движения занимают главенствующее положение по отношению к форме. И он говорит о том, что "разделять живописное произведение на форму и цвет невозможно, ибо это будет чисто абстрактное разделение". И форма не вызывает у художника живописных ассоциаций, так как эти ассоциации либо создают форму, либо ее деформируют. А живописец создает живопись, "которую нельзя разложить на форму и цвет" (Малевич К. Собрание сочинений в пяти томах. Т.2. М., 1998, с.256). Палитра художника имеет свой строй, но не форму, а изменение формы и цвета происходят в силу изменений психики, когда возникает живописный образ.

Единственное, что для художника определяет цвет и форму это ощущения. И если для импрессионизма более важен цвет, то для супрематизма - форма. "Наибольшее место в беспредметном супрематическом искусстве занимает стадия динамического ощущения. Потом идет супрематический контраст. В беспредметном супрематизме предмет уже отсутствует, а самой жизни супрематических явлений нет.

Малевич стремится прорваться через цветовые ограничения. Но в своих живописных произведениях, конечно, не разделяет цвет и форму, а напротив, уравновешивает. Свои теоретические положения художник представляет как собственную философию, направленную на создание гармонии между человеком и Вселенной.

Ранние абстракции вели К.Малевича к большему осмыслению формы и цвета. И он пришел к формуле "Черного квадрата". Спокойное и простое взаимодействие цветов черного и белого здесь достигается не просто. Эффект знаменитого полотна обнаруживается с течением времени, то есть появившиеся со временем трещины на плоскости вскрыли цветные комбинации под черным цветом. Это свидетельствует о том, что художник пришел к черному цвету в процессе экспериментов, в результате которых определил масштаб, форму и цвет. Малевич устанавливает что черный квадрат на белом фоне это совсем не то, что такой же, но только красный квадрат или круг. Потому что любая другая форма или цвет не могут создать ощущение такого тесного взаимодействия.

Сам Малевич делил свое супрематическое творчество на три периода по числу квадратов черного, красного и белого - это черный период, цветной и белый.

После завершения супрематического периода Малевич стремился использовать его находки и достижения в применении к предметной живописи, к более традиционному искусству. Замечателен крестьянский цикл, где отсутствует единый источник света, а световая разработка ведется на цилиндрических формах. В пейзаже чередуются объемные и плоскостные формы, образующие небо и поля. Здесь у Малевича безликие уплощенные формы, полуобразы. Здесь праздничный цвет ("Две мужские фигуры", 1928-1932; "Женщина с граблями", 1928-1932). Поздние работы, портреты и автопортреты также имеют экспрессивный цвет с несколько измененной формой ("Девушка с гребнем в волосах", 1932-1933; "Мужской портрет (Н.Н.Пунин)").

Итак, Казимир Малевич в 1913 году основал направление супрематизм, как разновидность геометрической абстракции. Супрематические композиции состоят из разноцветных плоскостей, имеющих формы геометрических фигур. Через такие комбинации художник стремился выразить свои эстетические идеи. Супрематизм явился системой, по которой происходит движение цвета; это философское познание цвета и формы. Для супрематизма форма главнее, но Малевич форму и цвет не разделяет, а уравновешивает. Единственное, по его мнению, что определяет цвет и форму - это ощущения. Малевич проводил различные опыты и эксперименты, чтобы подтвердить верность своих идей и теорий относительно взаимодействия цвета и формы. После окончания супрематического периода. Малевич использовал его для достижения в предметной живописи.