logo
махо

Искусство Японии.

Япония – страна Восходящего Солнца, расположенная на 4 больших и множестве маленьких островов. Суровый климат, вулканы, цунами, ливневые дожди привели к возникновению своеобразного способа жизни, который нашел отражение в архитектуре и искусстве. Саккура – цветущая вишня – является своеобразным символом Японии.

Широкие свесы крыш, дома на столбах спасают от дождей, при землетрясении лишь колеблются. Перегородки между комнатами (сёдзи), как и стены, могут раздвигаться. Неподвижной, стабильной мебели в традиционном понимании нет. Издревле сложился культ чистоты, используется минимальное количество вещей. Пол застилается мягкими циновками, в стенные шкафы убираются постели. Днем их заменяют низкий стол и подушечки для сидения. В комнате висит одна картина или стоит уникальная, красивая вещь (ваза, например). Ее, как и искусно составленный букет цветов, меняют в зависимости от сезона и настроения хозяина.

III-II тыс. до н. э. – время изготовления великолепных и тяжеловесных сосудов, вылепленных из серой, голубой и розовой глины, украшенных рельефными узорами. Первоначально сосуды перед обжигом обвивали соломенными жгутами, которые оставляли на сосуде отпечатки. Эти сосуды называли дзёмон («веревка»). Дзёмон называют и весь древний период в искусстве Японии.

К началу нашей эры относится образование первого японского государства Ямато и создание первых грандиозных гробниц правителей. Погребения – кофуны – в виде больших холмов, окруженных водой, отличаются от китайских формой, напоминающей замочную скважину. Около них обнаружены многочисленные скульптуры людей, животных, модели домов и амбаров высотой более 1 м.

Самыми древними в Японии являлись синтоические верования, верования в силы природы и культ предков. Почитались Син и Ками - стихии и стихиалии. В настоящее время эти верования не утратили своего значения. Сами японцы говорят: «Буддизм – религия, синтоизм – обычай». На засыпанной галькой площади строились святилища из хиноки (кипариса) с высокими двухскатными кровлями. Внутри храма царил полумрак. Здесь размещались только реликвии. Путь к храму начинался издалека. Он шел к строгим деревянным воротам – тории. Причем, согласно закону, каждые 20 лет возле святилища на расчищенной площади возводили такое же новое, а старое сжигали. Ансамбль святилища в Исе сохранил благодаря этому ритуалу облик III в.

На протяжении всей истории средневекового японского искусства то мир природы выражался через образ человека (антропоморфный образ божества VIII в. выражал идеи мироустройства и порядка), то, наоборот, мир человека находил отражение в образах природы (пейзажная живопись и сады XV-XVI вв.). Но в том и другом случае присутствовал символизм.

В VI-VIII вв расцвет японского театра масок.

Японское феодальное государство сложилось в VII в. и просуществовало до XIX в. В начале VII в. вблизи первой японской столицы Нара был построен храмовый ансамбль Хорюдзи. Главное здание этого ансамбля – Золотой храм (Кондо) и пагода хорошо сохранились. Ансамбль окружен оградой с обходной галереей и с массивными входными воротами. Внутри пагоды поставлен мощный ствол кипариса, который, балансируя, спасает здание от разрушения во время землетрясения. Живопись на стенах кондо изображает духовные миры. В центре храма сосредоточены бронзоовые и деревянные статуи буддийских божеств. Храм Тотайдзи (VIII в.) – самое большое деревянное здание в мире. В Японии почиталась богиня милосердия Каннон, Якуси Нерай – Будда-целитель, Вайрочан – Космический Будда.

В IX-XII вв. в Японии развивается светская живопись ямато-э. Художники на ширмах, шелке и бумаге яркими красками с добавлением золота рисовали пейзажи, придворные сцены. Японская живопись более яркая, чем китайская. Картины в форме горизонтальных свитков рассматривались на столе – эмакмоно, а вертикальные свитки – какэмоно – украшали стены парадных комнат. Часто живописцы иллюстрировали и знаменитые романы современников, передавая не столько содержание, сколько аромат поэтической нежности, заключенный в них. Свои композиции они строили так, как будто зритель является случайным свидетелем жизни дворца.

В XII-XIV вв. в буддийских монастырях монахи-художники начали писать на бумаге картины одной черной тушью, используя богатство серых оттенков. В этой технике в XV в. работал Тое Ода или Сессю (1420-1506) (картина !Четыре времени года»).

В XII-XIV вв. наряду со статуями буддийских божеств, иногда и вместо них появляются статуи монахов, воинов, знатных сановников. К этому времени относится появление парадных портретов. Портрет Фундзивара Таканобу (1142-1205) изображает военоначальника Минамото Еритомо в темной одежде сидящим на полу.

В XV в. в столице Киото возводятся многочисленные храмы и загородные дворцы, окруженные садами. Сад – неотъемлемая часть японской архитектуры. Появляется миниатюрный сад. Сады рассчитаны на длительное созерцание, каждая деталь в нем продумывается, подбирается согласно общей композиции. Японцы ближе всего подошли к пониманию абстрактного искусства. С помощью камней и песка они создавали композиции, символизирующие устройство мироздания (сад Рёандзи, где с любой точки по пути созерцания видны только 14 из 15 камней). В некоторых садах помещались уединенные скромные хижины, в которых происходили особые, связанные с буддийскими обычаями, чайные церемонии – тяною, сопровождаемые беседами об искусстве и поэзии. Особо известен Золотой павильон (Кинкаку) в Киото, построенный в XIV в. Позднее складывается тип японской храмовой и жилой архитектуры сёин, связанный с чайной церемонией и концепцией дзен, в основе которого лежит каркасная система, брутальные, целостные формы.

К XVI в. относится знакомство Японии с европейцами. Под их влиянием и часто с их помощью японские мастера в XVI-XVII вв. сооружали замки-крепости с высокими деревянными башнями. В XVII-XIX вв.в городах развивается торговля и ремесло. Гравюры печатаются с деревянных досок на тонкой бумаге. Каждый человек вместо дорогой и недоступной картины-свитка мог купить нарядную и понятную ему по смыслу картину. Герои гравюр – влюбленные пары, гейши, ремесленники за работой. Праздничные картины суримоно содержали стихи с пожеланием счастья.

Японская гравюра имеет давние традиции. Литературные памятники свидетельствуют о том, что техника гравюры применялась еще в VIII в. для изготовления иллюстраций буддийских сутр, для размножения храмовых текстов. Мастер гравюр по дереву (ксилографии) Китагава Утамаро (1753-1806) славился изображением молодых женщин. Он начал заниматься творчеством в 38 лет. В его картинах проявляется зоркость глаза, проницательное цветовое видение («Семь женщин за туалетом»). Цвет в картинах Утомаро несет настроение поэтической мечтательности, интимности, но главное – изысканность и простоа линий, предельная композиционная законченность. Художники Кацусика Хокусай (1760-1849)и Андо Хиросиге (1797-1858) – славятся своими пейзажами. Хокусай говорил: « Все, что я сделал до 70 лет, не стоит принимать в расчет. Только в возрасте 73 лет я стал приблизительно понимать истинное строение природы: животных, трав, деревьев, птиц, рыб и насекомых. К 80 годам я достигну еще больших успехов. К 90 лет я проникну в тайны вещей. К 100 годам я сделаюсь чудом, а когда мне будет 110 лет, каждая моя линия, каждая моя точка – все будет совершенным. Я прошу тех, кто увидит меня в этом возрасте, посмотреть, сдержу ли я свое слово». Хокусай умер в возрасте 89 лет. В пейзажных гравюрах художника – мудрость великой простоты(серия»36 видов Фудзи»). Изображению актеров посвятил свое творчество Дзюробей Сярку (XVIII в.).

В керамике нашла отражение эстетическая концепция очарования изъяном. Потек краски, трещина, нарушение технологии пигментации может привести к возникновению более ценного предмета искусства.

Элементом гармонии в Японии является «цвет давности». Однако, японец мог фальсифицировать действия природы. С давних времен существовало искусство создания «старых» камней. Сосна с ее неизменным вечнозеленым убранством являлась олицетворением постоянства, жизненности, долголетия. Иероглифы «долголетие» и «счастье» являются парными или сопутствующими друг другу. Развивалось искусство стрижки и выращивания миниатюрных растений – бонсай.

В одежде японцев нет карманов. На пояс подвешивались вещи, в том числе и нецки (изделия художественной резьбы по кости).

Моно-но-аварэ (яп. – грустное очарование вещей) – эстетическая концепция IX-XII вв., которая предполагала наслаждение естественным очарованием цветов, деревьев, текущей воды, тумана, сплавленным с чувством быстротечности времени.

Саби (яп. – скрытая красота, патина времени) – эстетика изысканности и простоты. Возникла в VIII в., особое значение приобретает в XV-XVII вв.

В XVII-XIX вв. получили всемирную известность художественные изделия из Японии – керамика, вышивка, резьба по слоновой кости, бронзовые фигуры и вазы, эмали. Славились изделия из черного и золотого лака, который добывался из смолы лакового дерева и окрашивался. Знаменитым мастером лаков был Огата Корин (1658-1716), создавший ряд знаменитых шкатулок и картин на ширмах.

Таким образом, на протяжении веков формировались отличительные черты японской культуры, главными из которых являются символизм, миниатюризм.

Лекция. Искусство эпохи Возрождения. Возрождение в Италии.

Бицилли П. ММ. Место Ренессанса в истории культуры./ Сост. Б. С. Каганович, СПб.: Мифрил, 1996.

Лазарев В. Н. Происхождение итальянского Возрождения. В 3-х томах, М., 1956.

Арган Д. К. История итальянского искусства в 2-х томах. Пер. с ит. , М.: «Радуга», 1990.

Дворжак М. История итальянского искусства в эпоху Возрождения, М.: «Искусство», 1978.

Шрамкова Г. И. Искусство Возрождения: Италия, Нидерланды, Германия, Франция: Альбом, М., 1990.

Виппер Б. Р. Итальянское Возрождение. Курс лекций. М., 1977.

Данилова И. Е. Джотто. М.: «Искусство», 1970.

Смирнова И. А. Боттичелли. М., 1967.

Швинглхурст Э. Боттичелли. М.: «Спика», 1995.

Либман М. Я. Донателло. М., 1962.

Дживелегов А. Н. Леонардо да Винчи. М.,1987.

Рафаэль и его время: Сб. АНСССР. М.: «Наука», 1986.

Ротенберг Е. И. Микеланджело. М., 1967.

Байрамова Л. Микеланджело. Журнал «Смена», №5, 2001. С. 98-119.

Колпинский Ю. Искусство Венеции XVI в. Серия: очерки истории и теории изобразительного искусства. М. 1970.

Смирнова И. А. Джорджоне. М. 1955.

Ниссельштраус Ц. Г. Тинторетто. М.-Л., 1964.

Смирнова И. А. Тициан. М., 1970.

Грубе Г., Кучмар А.. Путеводитель по архитектурным формам. М., 1987.

Термин «Возрождение»( по французски Ренессанс) был введен в XVI в. архитектором и теоретиком искусства Дж. Варари. Во второй половине XIII в. возрождается античный идеал прекрасного, гармоничного человека. Человек, его способность к творчеству и самосовершенствованию становятся основной темой искусства, поэзии, философских размышлений. Хронологические рамки итальянского Возрождения:

Проторенессанс. Начало новой эпохи связано с именем живописца Джотто ди Бондоне (1266?-1337) (фрески капеллы дель Арена в городе Падуя, росписи церкви Санта Кроче во Флоренции). Отличительные черты его живописи: связанность сюжета, введение пейзажа вместо условного золотистого фона средневековой живописи, фигуры, хотя малоподвижны и массивны, обретают объем и естественность, появляется трехмерное пространство, которое решается не перспективным сокращением, а определенным расположением фигур в отдалении друг от друга. Джотто и художники Сиенской школы были первыми, пытавшимися индивидуализировать человеческую фигуру по форме и цвету. В первой половине XV века братья Губерт и Яян ван Эйки начали создавать картины, в которой в качестве композиционной оси устанавливались локальные цвета персонажей и предметов. Гентский алтарь был закончен в 2432 году, а в 1434 году Ян ван Эйк написал первый в эпоху Готики портрет – двойной портрет четы Арнольфини.

Во Флоренции работали мастера Дуччо ди Буонисенья, Симоне Мартини, Амброджо Лоренцетти и др.

Раннее Возрождение. С конца XIV в. власть во Флоренции переходи к дому банкиров Медичи.

Скульптура.

Донателло – скульптор, который решил многие проблемы европейской пластики – круглой скульптуры, монумента, конного монумента. В его первых работах ощущается влияние готики. Статуя Святого Георгия – идеал раннего Возрождения. Здесь выражено чувство самосознания. Донателло занимался выполнением портретных бюстов (бюст Николо Удзано – политического деятеля). В 1432 г. Донателло вместе с Брунеллески едет в Рим. Его бронзовый «Давид» – влияние поздней классики. Скульптор создает первый конный монумент – статуя кондотьера Гаттамелата (прозвище «Пестрая кошка»). Донателло называют одним из трех отцов Возрождения вместе с Брунеллески и Мазаччо.

Самый известный ученик Донателло – Андреа Вероккио (1436-1488), являющийся также живописцем. Он был учителем у Леонардо, в его доме собирались видные ученые и писатели того времени.. Бронзовый «Давид « Вероккио более утончен, изящен, менее монументален.

Живопись Раннего Возрождения.

Томмазо ди Симоне Гвиди известный как Мазаччо (1401-1428), живописец флорентийской школы, решает проблемы воздушной и линейной перспективы. Фрески Мазаччо с момента их появления способствовали тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились поколения художников. Вслед за Мазаччо вопросами перспективы, движения, анатомии занимались Паоло Учелло, Андреа Кастаньо и умбрийский живописец Доминико Венециано.

Сандро Боттичелли (1444?-1510), также из Флоренции пишет «Рождение Венеры» - работу, где проявились все отличительные черты его живописи. Это декоративность, нарядность, лиричность, фантастичность пейзажей, удлиненность фигур. «Весна» овеяна тем же ароматом лиричности письма мастера. В 1480-х гг. Боттичелли расписывает Сикстинскую капеллу (через 50 лет эту же работу закажут выполнить Микеланджело). Последние работы («Оплакивание») навеяны трагической судьбой Савонаролы, философа, под влиянием которого художник оказался в 80-90-х гг. После казни Савонаролы, выступавшего с критикой эпохи Ренессанса и дома Медичи, последние 10 лет жизни Боттичелли практически ничего не писал.

К умбрийской школе живописи принадлежат мастера Перунджино (учитель Рафаэля), Джентиле де Фабриано, Пинтуриккио, Мелоццо да Форли и известный мастер – Пьеро делла Франческа.

Падуанская школа испытывала большое влияние флорентийской школы. Здесь работали Джотто, Учелло, Донателло, Ф. Липпи, Андреа Мантенья и др.

Андреа Мантенья (1431-1506) был по преимуществу монументалистом (роспись капеллы Овентари). Ему свойственна смелость пространственных решений. Фигуры предстают перед нами в сложных ракурсах («Парнас», «Распятье»). У Мантеньи четкий рисунок, жесткий контур, анатомически выверенные пропорции, смелая перспектива, холодный колорит, суровость и сдержанность картин.

Пьеро дела Франческа (1410-1492) писал людей, резко очерчивая фигуры, используя ясные, экспрессивные цвета, дополнительные цвета к которым придавали картине уравновешенность. Цвета Франчески редки, но для него характерны. Он учился у Доминико Венециано, был знаком с Брунеллески и Гиберти. Вплоть до Тициана считался одним из самых великих колористов. Художник тончайшим образом разрабатывал цветосветовые соотношения, пользовался техникой валеров, объединял цвета световоздушной средой. Он был мастером по преимуществу монументальной живописи. Среди станковых работ сохранились портреты герцога Урбинского и его жены Баттисты Сфорца (галерея Уффици).

Живопись Высокого Возрождения.

Период Высокого Возрождения длился около 30 лет – с 1500 по 1530 гг.Если Раннее Возрождение отражает стремление к анализу, раскрывает находки и соотносится с юношеским мироощущением, то Высокое Возрождение синтезирует полученный опыт и подводит итог работе. Мировоззрение этого времени соотносится с умудренной зрелостью. Присутствует сосредоточенность на главном. Появляются обобщенные образы.

Главные фигуры Возрождения – Леонардо, Рафаэль и Микеланджело – сформировались в лоне флорентийской школы, а потом работали при дворах меценатов, главным образом, пап, терпя милости и капризы заказчиков. Их пути часто пересекались, и они выступали как соперники. По прошествии веков в сознании потомков их творчество соединилось, олицетворяя главные ценности итальянского Возрождения: Интеллект, Гармонию и Мощь.

Леонардо да Винчи (1452-1519) был живописцем, скульптором, архитектором, писателем, музыкантом, теоретиком искусства, военным инженером, изобретателем, математиком, анатомом, физиологом, ботаником. Известно мало произведений Леонардо не столько потому, что они погибли, сколько потому, что он их не завершал. Переполненный замыслами, мастер ограничивался тем, что намечал в эскизе, в наброске, в записи примерных путей решения той или иной задачи. Он был великий экспериментатор, его больше интересовал принцип, чем само осуществление. Если он задавался целью осуществить замысел до конца, ему хотелось добиться такого совершенства, что конец отодвигался все дальше и дальше. Он работал над одним произведением долгие годы. Как ученика Вероккио, Леонардо не сразу признали. В то время большой популярностью пользовался Боттичелли. Мастер работал в Риме, Милане, Флоренции, в конце жизни переселился во Францию. Он считал себя гражданином мира, был чужд политическим интригам и ехал туда, где предоставляли возможность творить. Леонардо отбросил яркую окраску. Он писал бесконечно тонкими тональными переходами. Леонардо да Винчи умел писать туманность и влажность воздуха, тонко передавать эффект воздушной дымки, мягко вводить свет и тени и сглаживать контуры предметов, чтобы соединить их с окружающим пейзажем. На рисунках Леонардо да Винчи сохранились исследования в области гидравлики, военных машин, крепостных укреплений, поворотных кранов, здесь встречаются предложения об устройстве пешеходного движения в разных уровнях. В 1513-1514 гг. при папе Льве X он составил проект осушения Понтийских болот, расположенных к югу от Рима. Его известные работы: «Портрет Моны Лизы» («Джоконда»), «Мадонна в гроте», «Тайная вечеря» и другие.

Рафаэль Санти (1483-1520) на 30 лет моложе Леонардо, прожил 37 лет. Ушедший из жизни молодым, он почти все свои произведения завершил, начинания осуществил. Незавершенность не вяжется с характером его искусства – воплощением ясной соразмерности, строгой уравновешенности, чистоты стиля. Он развивался последовательно, плавно. В его жизни не было жестоких кризисов. Учился художник у Перунджино. Он также был очень разносторонним человеком: архитектором, монументалистом, мастером портрета и декора. Его знают как создателя дивных мадонн. «Мадонна Конестабиле» (1504) была написана в юности. Круглый формат – «тондо» – Рафаэль любил и к нему не раз обращался. Мастер обобщает дробность форм натуры, у мадонн всегда гладкие волосы, ниспадающее покрывало охватывает фигуру единым контуром. «Сикстинская мадонна» (1515-1519) - небесная странница, закутанная в плащ. Одухотворенность и покоряющая глубина исходят от этой картины. Его известные работы: «Автопортрет», «Мадонна со щегленком», «Афинская школа» и другие.

Микеланджело Буонаротти (1475-1564) – ваятель, архитектор, живописец, поэт. Он прожил 89 лет. К 15-ти годам Микеланджело – отличный рисовальщик у учителя Доменико Гирландайо. Медичи просят прислать несколько талантливых учеников, среди них оказывается Микеланджело. Во Флоренции он мастерски вылепил «Спящего Амура», умело загрязнил его и продал в Риме посреднику за 30 дукатов. Посредник перепродал фигурку кардиналу Риарио уже за 200 дукатов, выдав ее за античную редкость. Но кардинал отправил своего агента во Флоренцию, нашел Микеланджело и предложил получить причитающуюся ему разницу в цене. Молодой 24-х летний скульптор по протекции банкира выполняет несколько статуй. Мастер изваял из единой мраморной глыбы, ранее уже испорченной Леонардо, прекрасного в своем сдержанном гневе молодого гиганта «Давида». Согласно мифу, пастух Давид победил великана Голиафа. Микеланджело высвобождал образ, отсекая все лишнее. Ваятель говорил, что хороша та скульптура, которую можно скатить с горы и у нее не отвалится ни одной части. Отсюда – монолитность его работ. Движения созданных им образов сильны, страстны. Он много лет работает над гробницей папы Юлия II. Роспись Сикстинской капеллы занимает площадь 600 м2. Эта роспись является энциклопедией пластики. Могучие телом и духом пророки, сивиллы, другие библейские персонажи предстают в сложных ракурсах и поворотах («Сотворение Адама»). После окончания росписи Сикстинской капеллы, папа отметил: «Что-то бедновато». На что художник ответил: «Так ведь все святые люди презирали богатство». Как архитектор, он проявил себя в здании капеллы Медичи. Позднее Микеланджело расписывает алтарную часть Сикстинской капеллы - «Страшный суд». Ему уже 66 лет. Затем он сдает заказчику гробницу Юлия II. От прежнего великого замысла здесь осталась лишь фигура Моисея. Папа Павел II поручает Микеланджело завершить строительство собора Святого Петра в Риме.

Маньеризм. Художники второй половины XVI в. продолжали чтить своих предшественников – великие фигуры Высокого Возрождения. Они считали, что следуют их традициям. На самом деле они усваивали обрывки внешних форм, доводя их до карикатуры. Школа маньеристов культивировала «змеевидные повороты», якобы заимствованные у Микеланджело. Они заимствовали у Леонардо указующие жесты, таинственные улыбки, превратив их в двухсмысленность и жеманность. Пустая изысканность, нарочитые позы свойственны Пармиджанино («Мадонна с длинной шеей», «Мадонна с розой»). Среди маньеристов были сильные мастера многого достигшие в портрете: Понтормо, Брунзино. Известность пришла к чеканщику и скульптору Б. Челлини.

Созданная в противовес маньеризму Болонская Академия оказалась еще более плодотворной в своих попытках создать «большой стиль», следуя Рафаэлю. Один из основателей этой школы живописи - Аннибале Каррачино. Картины, созданные Гвидо Рени, безжизненные и слащавые, отражают состояние болонского направления.

Возрождение в Венеции (Позднее Возрождение) XVI в.

В XV-XVI вв. Венеция, город-республика, была символом силы, богатства, роскоши, воплощением особого вида искусства превращать жизнь в праздник. Венецианское правительство, «отцы города», всегда давали людям кусок хлеба, т. е. работу, и заботились о их развлечениях. Народ занимался на строительстве прекрасных зданий, и хотя официально здесь только один дворец – Палаццо дожей, а остальные – дома, Венеция – город дворцов. Красоту и сложность кружев, созданных на острове Бурано в эпоху Ренессанса, сравнивали с хитросплетениями венецианских дипломатов. «Плести венецианские кружева» означало тонкую политическую интригу. Венеция мало интересовалась учеными изысканиями и раскопками древности – ее Ренессанс имел другие истоки. Она поддерживала тесные торговые отношения с Византией, арабским Востоком, Индией. Отсюда византийская красочность и золотой блеск. Каменное кружево архитектуры (собор святого Марка, Дворец Дожей) напоминают мавританскую Альгамбру. Дворец Дожей – объект венецианской готики – сочетание стрельчатой аркады с арабским узором стен.

Раннее Возрождение в Венеции связано с именами Джентиле Беллини, Чим да Конельяно, В. Карпаччо, Антонелло да Мессина. С именем Джованни Беллини соотносится переход от Раннего к Высокому Возрождению.

Джорджоне (1477-1510) – ученик Беллини, считается первым мастером Высокого Возрождения в Венеции. Произведения Джорджоне ясны, уравновешенны. Здесь проявлена любовь венецианцев к чувственной красоте цвета. Материальность изображения достигается не градацией света и тени, а цветом («Спящая Венера»). Мужественная величавость и тонкая поэтичность видна в картине «Юдифь».

Тициан (1477?-1576) родился в семье военного, учился как и Джорджоне у Джанбеллино. Слава к нему пришла в 1516 г. и не оставляла до конца жизни. Дух античности был постигнут им после поездки в Рим в 1545 г. Пишутся картины «Венера Урбинская», «Введение Марии во храм», первый вариант полотна.«Даная». На протяжении всей жизни художник занимается портретом, в котором передает напряжение внутреннего состояния человека («Портрет молодого человека с перчаткой»). В его более зрелых работах меняется техника живописи и колорит. Светлый золотистый колорит и мягкие лессировки уступают место пастозной, бурной, мощной живописи. Здесь часто используется темный, теплый колорит с обилием оттенков коричневого цвета, переходящего в глубоко черные оттенки («Бичевание Христа», «Кающаяся Мария Магдалина», «Святой Себастьян», «Оплакивание»).

Паоло Кальяри, по прозвищу Веронезе (1528-1588) был родом из Вероны. Слава пришла к нему, когда он начал работать в 1553 г. над росписями для Дворца Дожей. Он достиг высокого мастерства при написании многофигурных композиций. В картине «Брак в Кане Галилейской» показаны 138 фигур, она имеет размеры 6.6×9.9 м. Огромные декоративные картины праздничной Венеции («Пир в доме Левия»), где одетая в праздничные костюмы толпа изображается на фоне архитектурных сооружений, передают чувство радости жизни («Триумф Венеции»). Иногда персонажи картин одеты в восточные одежды – чалмы, халаты и т.д. Паоло Карьяри Веронезе на упреки в чрезмерной напыщенности и роскоши в ущерб библейской простоте, Веронезе взывает к творческой вольности: «Мы, художники, поступаем также свободно, как поэты и безумцы». Пользуясь этой свободой, он изображает Иисуса в окружении людей своего времени, одетых в венецианские или турецкие одежды, помещает и на полотне шутов и псов.

Якобо Робусти по прозвищу Тинторетто (1518-1594) был сыном красильщика шелка, учился живописи у Веронезе, осваивал опыт Микеланджело и Тициана. Многочисленные произведения Тинторетто, написанные в основном на сюжеты мистических чудес, полны беспокойства, тревоги, смятения («Чудо святого Марка», «Введение Марии во храм»). В картине «Тайная вечеря» нет спокойно стоящих фигур. Художнику хочется закрутить их в вихревом полете. Чувствуется неограниченность пространства. Для Тинторетто характерно объединение реальных массивных тел и потоков призрачного света («Происхождение Млечного пути»).

Архитектура Возрождения.

В этот период увеличивается масштаб светского строительства. Наблюдается отказ от каменной каркасной конструкции готики и переход к системе с кирпичными стенами и сводами (коробовыми, крестовыми, сомкнутыми, парусными, сферическими, купольными), в которых применялось дерево. Из него выполнялись перекрытия этажей и крыш. Кирпичные конструкции покрывались облицовкой – штукатурной или каменной. Архитектор Возрождения – творец с неповторимой индивидуальностью, сменяет цехового мастера эпохи готики. Самые известные имена зодчих этого времени: Брунелеско, Альберти, Браманте, Микеланджело, Делорма, Джонс, Эррера.

Ранний период итальянской архитектуры Возрождения (XVв.) связан с Тосканой и Флоренцией. Ордер здесь воспроизводится еще без строгого пропорционального построения. От архитектуры ждут монументальности, представительности. В период Высокого Возрождения (1500-1530 гг.) архитектура строгая и пропорционально выверенная. В поздний период (1530-1580 гг.) появляется стремление к декоративности, красивости и некоторой усложненности архитектурных форм. Возникает противоречие между официальной академической строгостью и стремлением к живописности (зачатки барокко).

Виньола проектирует римсакую церковь Иль-Джезу (во имя Христа) – главную церковь ордена иезуитов. Сооружение закончено учеником Виньолы представителем раннего барокко Джакомо делла Порта.

Достижения флорентийской архитектурной школы связаны с именем Филиппо Брунеллески (1377-1446). В 1434 г. он завершил Флорентийский собор гигантским куполом с диаметром 43 м. Капелла Пацци при церкви Санта Кроче отличается конструктивной ясностью, соразмерностью, античной простотой. В это время работают такие архитекторы, как Микеллоцо да Барталомео (палаццо Медичи), Леон Батисто Альберти (палаццо Питти).

Квадроченто создало образ светского городского дворца – палаццо. Это чаще всего трехэтажное здание, носящее облик крепостного дворца благодаря кладке из грубо отесанных камней, подчеркивающих первый этаж. Здесь видна четкость поэтажного членения. Используется рустика, сдвоенные (парные) окна, аттиковый этаж, вальмовая крыша, полуциркульный портал. Купол применяется для украшения светских зданий (Вилла Ротонда, арх. Паладио) Декоративные элементы фасадов устанавливаются на конструктивных деталях. Используется орнамент в виде свитков, раковины. В интерьере используется кейсонный расписной потолок, поле кейсонов при этом расписывалось. Для опор используются гермы из камня (скульптуры женщин), пилястры, балясины.

Архитекторы Ренессанса учились создавать открытый фасад. В эпоху готики пробивали большие окна на фасадах, но они как бы «плавали» среди больших поверхностей стен как во дворце Синвории во Флоренции (XIII в.). Дворцы Ренессанса смотрели «открытыми глазами» на мир, как бы желая оценить его с точки зрения вновь открытой перспективы.

Во времена Ренессанса улицу не воспринимали как единое целое. Даже на картинах ее изображали состоящей из отдельных зданий. На этом фоне интересна короткая улица Пьяцца дел Уффици, спроектированная Джорджио Вазари (1560-1574). Вазари показывал проект своему римскому учителю Микеланджело.

Впервые монументальные лестницы были сооружены около 2000 лет до н. э. в храме эпохи Шумерского государства. В период Ренессанса Донато Браманте из Урбино (1444-1514) первый применил открытую лестницу в садовом дворе Бельведера в Ватикане как новый элемент решения пространства. Позже при сооружении церкви Санта Мария Маджоре лестница была использована как прекрасный постамент. В интерьерах позднего барокко лестницы – символ движения, они усиливали впечатление от огромных пространств. Начало этого движения мы наблюдаем у Микеланджело при сооружении ансамбля Капитолия. Браманте создает проект собора Святого Петра на месте обветшалой раннехристианской базилики. К моменту смерти Браманте была выложена лишь нижняя часть стен. В 1546 г. строительство перешло в руки Микеланджело, который разработал новый вариант проекта. Это центрально-купольное сооружение.

Возрождение в Венеции связано со строительством здания библиотеки Св. Марка архитектором Якобо Сансовино.

В период позднего Возрождения пишутся трактаты об архитектуре: «Десять книг о зодчестве» Альберти, «Четыре книги об архитектуре» Палладио.

Палладио (1508-1580) работал в окрестностях города Виченце в Северной Италии. Его работы отличаются мягкостью, пластичностью элементов. Наиболее известна его работа – вилла Ротонда. Она имеет квадратный план. Четыре идентичные фасада наделены колонными портиками с фронтонами. Здание увенчано плоским куполом.

Во Франции выделяется ранний (началоXVIIв. –1530) и поздний (1540-1570) периоды в Архитектуре Возрождения (замок Шамбор, архитектор Д. Картона, Ж. и Д. Сурдо, п. Неве). Причем новый стиль проникает в архитектуру сначала в декорации. При сравнении фасадов Лувра (архитекторы Леско и Гужон) с фасадами замка Шамбор ярко видны отличия памятников. В Шамборе центр тяжести перенесен на убранство многочисленных надстроек на кровле. В Лувре крыши значительно снижены, они играют второстепенную роль. Главный акцент сосредоточен на решении поверхности стен. В основе тектонического решения фасадов Лувра уже не лопатки, лишенные верных пропорций и интазисов, а правильно построенные ордера с верно найденными архитектурными деталями. На втором этаже большие окна обрамлены наличниками, увенчанными фронтонами.

В Англии раннее Возрождение наступает со второй половины XVIв. Вводится Н-образная схема плана. Замки Англии трехэтажные. На втором этаже обычно расположена картинная галерея с портретами предков. Тип английского окна – квадратное или вытянутое по горизонтали с частым, сетчатым каменным переплетом. Расцвет английского Возрождения приходится на первую половину XVII в. (Дворец Уайт-холл, архитектор Иниго Джонс).

В XVIв. архитектура нидерландского Возрождения отличается от английского или французского. Цеховые дома здесь имели до 5-6 этажей и завершались высоким щипцом-фронтоном. Фронтоны иногда тоже делились на 2-3 яруса., в соответствии с количеством этажей, находившихся за ними чердачных помещений. Городские дома сохранили каркасную структуру готики. Но появились новые черты в декоре: аркады, ордера, орнаментальные мотивы. В Голландии черты Возрождения проявились в в простоте и рациональности архитектурных решений.

В Испании XVI в. обработка фасадов приобрела кружевной, филигранный характер. Любовь к декоративной обработке воспитана у испанских зодчих стилем мудехар (смесь готических и мавританских мотивов). Архитектор Хуан Баттиста де Эррера испытал на себе влияние мастеров позднего Возрождения Италии. Самое крупное его произведение – Эскориал – резиденция короля Филиппа II.

ЛЕКЦИЯ