Влияние эпохи барокко на последующие этапы развития музыкального искусства.

Многое в музыке барокко стало основой последующих этапов музыкального искусства, влияние барочного стиля сохранилось и после ухода барокко как исполнительского и композиторского стиля. Так, напрмер, последующая эпоха классицизма «заимствовала» у барокко масштабность, монументальность музыкальных форм. В XIX веке партитуры мастеров барокко печатались полными изданиями, что привело к возобновлению интереса к контрапункту «строгого письма» (к примеру, русский композитор С. И. Танеев уже в конце XIX века пишет теоретическую работу «Подвижной контрапункт строгого письма»).

В XX веке началось системное изучение музыки эпохи барокко. Барочные формы и стили повлияли на таких непохожих композиторов, как Арнольд Шёнберг, Макс Регер, Игорь Стравинский и Бела Барток. Начало двадцатого века ознаменовалось возрождением интереса к композиторам зрелого барокко, таким как Генри Пёрселл и Антонио Вивальди.

В XX веке множество работ было сочинено в стиле «необарокко», сфокусированном на имитации полифонии. Это произведения таких композиторов, как Джачинто Шельси, Пауль Хиндемит, Пол Крестон и Богуслав Мартину. Музыковеды предпринимают попытки дописать незавершённые работы композиторов эпохи барокко (наиболее известное из таких произведений — «Искусство фуги» И. С. Баха).

В конце XX века появилось исторически информированное исполнение (или «аутентичное исполнение» или «аутентизм»). Это стало попыткой детально воссоздать манеру исполнения музыкантов эпохи барокко. Сочинения Квантца и Леопольда Моцарта сформировали базис для изучения аспектов исполнения барочной музыки. Аутентичное исполнение подразумевало использование струн, сделанных из жил, а не из металла, реконструкцию клавесинов, использование старой манеры звукоизвлечения и забытых приёмов игры. Несколько популярных ансамблей использовали эти нововведения. Это Anonymous 4, Академия старинной музыки, бостонское Общество Гайдна и Генделя, Академия Святого Мартина в полях, ансамбль Вильяма Кристи «Les Arts Florissants», Le poeme harmonique, Оркестр Екатерины Великой и другие.

На рубеже XX и XXI веков возрос интерес к опере эпохи барокко.. Такие видные оперные исполнители, как Чечилия Бартоли, включили в свой репертуар барочные произведения. Осуществляются постановки как в концертном, так и в классическом варианте. В России одними из первых, кто всерьёз занялся аутентичным исполнением и исследованием музыки барокко, были Иван Розанов, Марк Вайнрот, Феликс Равдоникас, Алексей Панов, Алексей Любимов, Анатолий Милка, « ансамбль Hortus musicus», ансамбль «Мадригал» и некоторые другие. Первым ансамблем, добившимся мировой известности, стала Musica Petropolitana. Позже появились оркестр Екатерины Великой и ансамбль Екатерины Великой Андрея Решетина, "Новая Голландия" (ансамбль), ансамбль старинной музыки Владимира Шуляковского и Григория Варшавского, оркестр Pratum Integrum, ансамбль The Pocket Symphony Назара Кожухаря и другие.

Некоторые точки соприкосновения имеют музыка барокко и джаз. Некоторые инструментальные произведения музыки барокко, как и джаз, написаны для небольших ансамблей напоминающих джазовый квартет (в то время не всегда существовала реальная возможность собрать оркестр из сотни музыкантов). Также, произведения барокко оставляют широкое поле для исполнительской импровизации. К примеру, многие барочные инструментальные или вокальные произведения содержат две части: первая часть пропевается/проигрывается так, как указанно композитором, а затем повторяется, но музыкант импровизируя, украшает основную мелодию трелями, фиоритурами и т.д. Однако, в отличие от джаза, сущесвенных изменений основной мелодии не происходит.

В рамках стиля кул-джаз в 1950-е годы появилась тенденция проведения параллелей в джазовых композициях с музыкой эпохи барокко. Обнаружив общие гармонические и мелодические принципы в столь отдалённых музыкально и эстетически периодах, музыканты проявили интерес к инструментальной музыке И. С. Баха. Целый ряд музыкантов и ансамблей пошли по пути разработки этих идей. В их числе Дэйв Брубек, Билл Эванс, Джерри Маллиган, Жак Люсье, но в первую очередь это относится к «Модерн Джаз Квартету», возглавляемому пианистом Джоном Льюисом .

Опера - музыкально-театральный жанр, в котором речь, соединённая с музыкой (пение и аккомпанемент), и сценическое действие имеют преобладающее значение.

Драматические тексты в опере поются; пение и сценическое действие почти всегда сопровождаются инструментальным (обычно оркестровым) аккомпанементом. Для многих опер характерно также наличие оркестровых интерлюдий (вступлений, заключений, антрактов и т.д.) и сюжетных перерывов, заполняемых балетными сценами.

Месса (позднелат. missa, итал. messa, нем. Messe), центральное богослужение католической церкви (аналогично православной литургии). Текст мессы обычно поётся (missa solemnis — высокая, торжественная месса), в некоторых случаях читается (missa bassa — низкая месса).

Основные разделы мессы (ординарий), текст которых звучит ежедневно это:

- Kyrie eleison (Господи, помилуй), Gloria (Слава в вышних Богу), Credo (Верую), Sanctus (Свят), Agnus Dei (Агнец Божий).

Месса включает и разделы (проприй), текст которых меняется в зависимости от праздника. Разновидности мессы — реквием, краткая месса (missa brevis, включает части Kyrie и Gloria). Музыкальная основа средневековой мессы — григорианское пение (хорал), с XIV в. — хоровое полифоническое многоголосие а капелла (Гильом де Машо, Жоскен Депре, О. Лассо, Палестрина; с этого времени мессой называют хоровые циклы на тексты ординария). С XVI в. в русле протестантской традиции отдельные разделы мессы исполняются на органе. В XVII в. в склад музыки мессы проникает гомофония. В XVIII—XIX вв. музыка мессы состоит из сольных вокальных, хоровых и оркестровых номеров («Высокая месса» И. С. Баха.).

Орато́рия (лат. oratorium, итал. oratorio) — крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра. В прошлом оратории писались только на сюжеты из Священного Писания. Отличается от оперы отсутствием сценического действия, а от кантаты — бо́льшими размерами и разветвлённостью сюжета.

Кантата (итал. cantata, от лат. саntare — петь) музыкальный жанр светского или духовного содержания, состоящий из нескольких номеров. В состав кантаты входят: хоры, речитативы, арии, дуэты с оркестровым сопровождением. Отличие кантаты от оратории заключается в том, что в оратории больше драматизма и сольные номера относятся к известным личностям в сюжете оратории, а в кантате преобладает лирический элемент и сольные номера имеют более отвлеченный характер.

Токка́та (итал. toccata от toccare — трогать, толкать) — первоначально - всякое произведение для клавишных инструментов, в современном смысле — инструментальная пьеса быстрого, чёткого движения равными короткими длительностями. Обычно токката пишется для фортепиано или органа, но встречаются также токкаты для других инструментов.

Сюи́та (с фр. Suite — «ряд», «последовательность», «чередование») — циклическая музыкальная форма, состоящая из нескольких самостоятельных контрастирующих частей, объединённых общим замыслом. Сюитой также называют ряд пьес из музыки к балету, драматическому спектаклю, кинофильму. Существуют также два особых вида сюиты — вокальная и хоровая, а также сюита в виде музыкально-хореографической композиции из нескольких характерных танцев.

Концерт (лат. concertо — состязаюсь) — музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра.

Кончерто гроссо (итал. concerto grosso — большой концерт) — инструментальный жанр в музыке, зародившийся в эпоху барокко, основывается на чередовании и противопоставлении звучания всего состава исполнителей и группы солистов. Возник в Италии, во второй половине XVII века.

Увертю́ра (от фр. ouverture, вступление) в музыке — оркестровая пьеса, исполняемая перед началом какого-либо представления — оперы, балета, кинофильма и т. п., либо одночастное оркестровое произведение, часто принадлежащее к программной музыке.

В случае оперы, увертюры писались поначалу для того, чтобы дать публике время занять места в зале. Во времена Моцарта традиция изменилась, и увертюра стала полноправной частью композиции. Многие композиторы использовали в увертюре мелодии из оперы, для которой увертюра писалась. Рихард Вагнер и Иоганн Штраус-младший делали свои увертюры программными, то есть передавали в них, вкратце, сюжет последующего драматического действия

Лекция 5. Музыкальная культура XVIII ст. Классицизм в музыке. Й.Гайдн. В.А.Моцарт. Л.ван Бетховен.

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus - "образцовый") возник в европейском искусстве в XVII столетии. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности, стройности мироздания, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими ориентирами для своего художественного творчества они считали произведения сюжеты и образы античного искусства. Античное искусство получает название классического, его признают образцовым, наиболее правдивым, совершенным, простым и понятным в отличие от искусства эпохи Барокко.

В истории музыки временные рамки классицизма охватывают период с1730 -1820гг, который совпал с новым этапом развития общественного сознания – Эпохой Просвещения. Разрушается старый общественный порядок; первостепенное значение приобретают идеи уважения человеческого достоинства, свободы и счастья; личность обретает независимость и зрелость, использует свой разум и критическое мышление. Классицизм в музыке явился новым стилем, основанным на естественности и простоте форм, стилем, который ( как и европейское искусство в целом ), противостоял барокко с его противоречивостью, изменчивостью, пышностью, декоративностью, сложностью форм.

В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, который усовершенствовал трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Либретто своих опер Глюк впервые в истории музыки создавал в сотрудничестве с либреттистом в процессе создания оперы. Прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Для опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты ("Орфей и Эвридика" (1762 г.), "Альцеста" (17б7 г.), "Парис и Елена" (1770 г.)), в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнения долга. Действующими лицами его произведений являлись обобщённые символические фигуры, олицетворявшие нравственные понятия - любовь, верность, самоотверженность. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. В ариях композитор отказался от виртуозных приёмов и украшений, отвлекавших слушателей от содержания текста. Возросла роль оркестра - уже в увертюре были обозначены основные идеи и персонажи будущей оперы.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую школу. Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции - они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму и становились для композитора предметом размышления. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная композиторами венской школы, сохраняет своё значение до сих пор.