Лекция 3. Музыка эпохи средневековья

Музыка эпохи средневековья — исторический период развития музыкальной культуры, охватывающий промежуток времени примерно с V по XIV век н.э.

В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа — феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор. Искусство средневековья и вся духовная жизнь в эпоху феодализма определялась церковью. Главной сущностью и первоосновой мира считалось не материальное, телесное, плотское начало, а духовное начало (Святой Дух).

Религиозная догматика очерчивала пределы нравственности, философии, литературы, архитектуры, а также музыкального искусства, которое было устремлено от земного, смертного (бренного), к вечному( как стены готического собора).

Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях.

Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.). Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции — искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, Гильом де Машо), в Германии — миннезингеров (Кюренберг, Вальтер фон дер Фогельвейде).

В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, ле, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).

Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют также «народные профессионалы»: сказители, странствующие артисты (жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы, скоморохи).

Музыка выполняет главным образом прикладные и духовно-практические функции. Творчество выступает в единстве с исполнительством (как правило — в одном лице) и с восприятием.

И в содержании музыки, и в её форме господствует коллективность; индивидуальное начало подчиняется общему, не выделяясь из него (музыкант-мастер - лучший представитель общины).

Во всём царят строгая традиционность и каноничность. Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов (но также и их постепенному обновлению) способствовал переход от невменной нотации, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д'Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.

Постепенно, хотя и медленно, обогащаются содержание музыки, её жанры, формы, средства выразительности. В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны). На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса.

Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (композиторы Леонин, Перотин).

В начале XIV века во Франции и Италии зарождается период в истории западноевропейской музыки ars nova. Аrs nova (в противоположность ars antiqa ) – новаторское искусство. Его отличает усиленная работа над светскими жанрами (мотет, месса, рондо, баллада, виреле, качча, мадригал, и др.)

В профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо).

В Восточной Европе и Закавказье (Армения, Грузия) развиваются свои музыкальные культуры с самостоятельными системами ладов, жанров и форм. В Византии, Болгарии, Киевской Руси, позднее Новгороде расцветает культовое знаменное пение (Знаменный распев), основанное на системе диатонических гласов, ограничивающееся только чисто вокальными жанрами (тропари, стихиры, гимны и др.) и использующее особую систему записи нот (крюки).

В это же время на Востоке (Арабский халифат, страны Средней Азии, Иран, Индия, Китай, Япония) формируется феодальная музыкальная культура особого типа. Её признаки — широкое распространение светского профессионализма (как придворного, так и народного), приобретающего виртуозный характер, ограничение устной традицией и монодическими (мелодия без аккомпанемента) формами, достигающими, однако, высокой изощрённости в отношении мелодики и ритмики, создание весьма устойчивых национальных и межнациональных систем музыкального мышления, объединяющих в себе строго определённые виды ладов, жанров, интонационных и композиционных структур (мугамы, макамы, раги и др.).

Самым первым жанром, с которого берет свое начало вся профессиональная западноевропейская музыка является григорианский хорал (или григорианское пение) – традиционное унифицированное литургическое пение римско-католической церкви; сущность его — распев молитвословного текста, омузыкаленная молитва.

Термин «григорианское пение» происходит от имени Григория I Великого (папа Римский в 590—604 годах), которому средневековая традиция приписывала авторство большинства песнопений римской литургии (церковной службы).

В русском языке слово хорал используется многозначно (часто в смысле четырёхголосной обработки церковных песен лютеран, также в музыковедческих трудах — в словосочетании «хоральный склад» (подразумевается, 4-хголосный склад многоголосия), поэтому для обозначения богослужебного одноголосного пения католиков целесообразно пользоваться аутентичным средневековым термином cantus planus (что можно перевести как «плавный распев», «ровный распев»).

Григорианское пение одноголосно, хотя в ходе исторического развития григорианский хорал лёг в основу полифонической многоголосной европейской музыки: от жанров органум и дискант - до мессы высокого Возрождения.

По степени распева (богослужебного) текста григорианские песнопения подразделяются на:

1) силлабические (1 тон на слог текста). К этому типу относятся речитативные возгласы, псалмы и большинство антифонов церковного богослужения;

2) невматические (2-3 тона на слог) — преимущественно интроиты, коммунио и некоторые ординарные песнопения мессы;

3) мелизматические (неограниченное количество тонов на слог) — большие респонсории и мессы (т. е. градуалы), тракты, аллилуйи и др.

По типу исполнения григорианское пение подразделяется на антифонное (чередование двух групп певчих, так исполняются, например, все псалмы) и респонсорное (пение солиста чередуется с пением ансамбля/хора).

Ладово-интонационная основа григорианского пения — восемь модальных ладов, называемых также церковными ладами.

Языковая основа григорианского пения — латынь; отдельные песнопения пелись на греческом языке, а в Хорватии и Чехии допускался также старославянский язык. Тексты брались в основном из латинской Библии (Вульгаты).

В основных чертах григорианское пение сложилось на территории современной Франции, Южной Германии, Швейцарии и Северной Италии в VIII—IX веках

В григорианском пении синтезированы древнейшие интонационные формулы восточно-средиземноморских музыкальных культур, элементы византийского, галликанского, амвросианского пения, фольклор германских и кельтских племен.

Самые ранние рукописи григорианского пения (конец VIII века) содержат тексты , над которыми указывалось только направление движения голоса певчих.

От IX века до нас дошли первые нотные рукописи. Первоначально григорианские хоралы записывалось при помощи безлинейной невменной нотации, на основе которой в XII веке возникла линейная квадратная нотация. К XII—XIII векам григорианское пение утвердилось от Британских островов до западно-славянских стран (Польша, Чехия).

С XIII века богослужебное пение западных католиков получило название cantus planus (буквально «плавный» или «ровный» распев) — подразумевается, одноголосный распев с ненотированным ритмом.

В позднем средневековье, в эпоху Возрождения, в музыке барокко и в XVIII—XIX веках cantus planus послужил тематической и конструктивной основой многоголосной музыки. В песнопениях появились мелодические обороты, существенно отличающиеся от первоначальных форм. Реконструкция аутентичных текстов и мелодий григорианского пения началась во второй половине XIX века усилиями французских ученых-бенедиктинцев в привела к появлению так называемых солемских (от Солемского аббатства во Франции) изданий градуала, антифонария и других обиходных певческих книг. К григорианскому пению примыкают также памятники средневековой латинской гимнографии — тропы, секвенции, строфические гимны оффиция и др.

В Новое время особенно популярные распевы (Salve regina, Te Deum, Stabat mater и др.) использовались и вне богослужебной практики, некоторые из них (особенно часто Dies irae) приобрели символическое значение и широко внедрялись «светскими» композиторами в свои опусы.

Начиная с 1980-х гг. предпринимаются попытки «исторических реконструкций» локальных традиций григорианского пения — амвросианской, мозарабской, беневентанской, староримской (например, интерпретации ансамбля «Органум» под руководством Марселя Переса). Григорианское пение используется также представителями популярной музыки (Enigma, Gregorian, Lesiem).

Трубадуры или, как их часто называют, минестрели — это средневековые поэты и певцы, чьё творчество охватывает период с 11-ого по 13-ое столетия, а расцвет его приходится на 12-ый — начало 13-ого века. Искусство трубадуров зародилось на юге Франции, его основным центром являлась область Прованс. Трубадуры писали свои стихи на языке ок - одном из романских языков, распространённом на юге Франции, а также примыкающих к Франции районах Италии и Испании. Трубадуры принимали активное участие в социальной, политической и религиозной жизни общества, преследовались за критику католической церкви.

К искусству трубадуров было близко творчество труверов. Возникнув на юге Франции в тех же исторических условиях, что и поэзия трубадуров, лирика труверов имела много общего с ней. Если говорить точнее, труверы испытали прямое и очень сильное влияние поэзии трубадуров в связи с интенсивным литературным обменом.

Адам де ла Аль (1240— 1287), (или устаревший вариант де ла Галь, также известный под прозвищем Адам Горбатый) — французский трувер. Воспитывался в аббатстве Боксель, в Камбре. Принадлежал к духовному званию, но отказался от принятия сана. Уехал в Париж и поселился у графа Роберта II д’Артуа. В 1282 г. сопровождал графа в его поездке в Неаполь, где остался жить и пять лет спустя умер. Из творческого наследия Адама де ла Аля до нас дошли 36 одноголосных песен (шансон), 16 рондó, 5 политекстовых мотетов, не менее 18 песен-диалогов куртуазного содержания (куртуа́зный - учтивый, рыцарский). Куртуа́зность - система правил поведения при дворе или набор качеств, которыми должен был обладать придворный в Средние века. Куртуазность касалась, прежде всего, правил поведения по отношению к женщине и выражалась в куртуазной любви. Эта средневековая концепция любви, согласно которой отношения между влюблённым и его Дамой подобны отношениям между вассалом и его господином, оказала значительное влияние на всю европейскую культуру вплоть до настоящего времени.

Тибо IV Шампанский (1201—1253) граф Шампани (с 1225 г.), король Наваррский (с 1234 г) (Тибальдо I «Трубадур»), сын Тибо III Шампанского - трувер, французский поэт, автор большого количества произведений: лирических песен о любви с музыкальным аккомпанементом, автор религиозных поэм. Получил прозвище «принц труверов». Прославлял служение знатной Даме, которую современники отождествляли с Бланкой Кастильской, матерью Людовика IX.

Гильом де Машо (1300 —1377) — французский поэт и композитор, являющийся важнейшим представитель эпохи Ars nova. С 1323 года был писцом, секретарём, а позже придворным короля Иоанна (Яна) Люксембургского (1296–1346). В 1337 Гильом де Машо занял должность каноника в кафедральном соборе Реймса, где служил до конца жизни. Во время эпидемии 1348–49 Машо переболел чумой, а позже перенёс тяжёлую двухмесячную английскую осаду в 1359–60 гг. Через Бонну Люксембургскую (дочь Иоанна) Гильом де Машо вошёл в высший свет французского общества, был знаком с её мужем Иоанном Добрым (король французским в 1350–64), их сыновьями Карлом V (король французский в 1364–80), Филиппом II Смелым (или «Храбрым»; основателем бургундской ветви дома Валуа). Эти и некоторые другие крупные французские аристократы, в том числе король Кипра Пьер II де Лузиньян, выступали заказчиками его поэтических и музыкальных сочинений.

Филипп де Витри (1291—1361) — французский композитор и теоретик музыки, изменивший систему нотации и ритмики. Автор трактата «Новое искусство» (Ars nova), написал его между 1320 и 1325гг. н Как композитор известен мотетами, написанными по большей части в сложной полифонической технике. Родился на северо-востоке Франции (в Витри под Аррасом). Имел титул «магистр», преподавал в Парижском университете. в 1351 стал епископом. Служил при дворах Карла IV, Филиппа VI и Иоанна II, одновременно был каноником церквей в Париже, Клермоне, Бове. Много путешествовал, в том числе по дипломатическим делам, умер в Париже.

Миннезингеры — немецкие лирические поэты-певцы, воспевавшие рыцарскую любовь, любовь к Даме, служение Богу и сюзерену, крестовые походы. Лирика миннезингеров сохранилась до настоящего времени, например, в Гейдельбергской рукописи. Слово «Миннезанг» используется в нескольких значениях. В широком смысле понятие миннезанг объединяет несколько жанров: светскую рыцарскую лирику, любовную (на латыни и немецком) поэзию вагантов и шпильманов, а также более позднюю «придворную (куртуазную) поэзию». В узком смысле под миннезангом понимают совершенно конкретный стиль немецкой рыцарской лирики — куртуазную литературу, возникшую под влиянием трубадуров Прованса, Франции и Фламандии.

Кюренберг — древнейший (середины XII века) из известных по имени немецких миннезингеров: его произведения датируются промежутком между 1150 и 1170. Происходит из местности близ Линца у Дуная. Сохранившиеся под его именем стихотворения, большей частью из одной строфы, отличаются народной простотой, женски-нежным чувством, сменяющимся иногда мужественной силой и энергией; влияние льстивого придворного духа на нём еще не сказывается. Часть его стихотворений написана старинным народным нибелунговским размером, в результате чего его некоторое время неосновательно считали автором песни о Нибелунгах.

Вальтер Фон дер Фогельвейде (1160—1228) — знаменитый миннезингер. Принадлежал к рыцарскому сословию, но своей земли не имел. Только на склоне лет (1228) получил он от императора Фридриха II небольшой участок земли и возвестил об этом ликующей песней — «Есть у меня лен». В юности жил при австрийском дворе, где и научился стихотворству. Писал на австрийском диалекте. С 1198 начинаются его скитания от сеньора к сеньору в качестве министериала — служилого рыцаря. По-видимому он побывал и в Палестине. Исполнение собственных песен служило ему средством к пропитанию, как и прочим бродячим певцам, шпильманам и вагантам-голиардам.

Гуго фон Монфорт (1357 —1423, Брук-ан-дер-Мур) — австрийский миннезингер эпохи позднего Средневековья. Гуго VII был графом Монфорт-Брегенц и Пфаннберг и занимал высокие политические посты. Свою политическую карьеру он сделал на службе у Габсбургов в качестве главнокомандующего войск австрийского герцога в Италии. Гуго писал песни, куртуазные стихотворные письма, а также политические и воспитательные речи в стихах. Сохранилось около 40 текстов Гуго фон Монтфорта. Поэт-дворянин считается одним из последних представителей миннезанга. Благодаря своему поэтическому дару Гуго стал самым известным представителем своего рода. В 1373 г. он женился на наследнице графского титула Маргарите фон Пфаннберг, и тем самым сновал штирийскую ветвь Монфортов и значительно расширил владения рода.

Народная музыка (или фольклорная) — музыкально-поэтическое творчество народа. Она - неотъемлемая часть исторического процесса формирования и развития культовой и светской, профессиональной и массовой музыкальной культуры. На конференции международного совета народной музыки (нач. 1950-х гг.) народная музыка была определена как продукт музыкальной традиции, формируемой в процессе устной передачи тремя факторами - непрерывностью (преемственностью), вариантностью (изменчивостью) и избирательностью (отбором среды).

Различают устную и письменную музыкальные традиции. Со времени развития письменных музыкальных традиций происходит постоянное взаимовлияние культур. Таким образом народная музыка существует на определённой территории и в конкретное историческое время, т. е. ограничена пространством и временем, что создаёт систему музыкально-фольклорных диалектов в каждой народной музыкальной культуре.

Сложен и мало изучен вопрос о взаимосвязях народной музыки с музыкой религиозного культа. Религиозные песни, распространяемые в ряде культур, после частичной переработки и переосмысления становились частью народной музыкальной традиции (например, рождественские коляды в Польше, английские Christmas-carols, немецкие Weihnachtslieder, французские Nokl и т. п.).

Тема: 4. Музыкальная культура эпохи барокко. Г.Ф.Гендель. И.С.Бах.

Музыкой барокко называют период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1760 годами.

Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма. Термин «барокко» предположительно происходит от португальского perola barroca — жемчужина причудливой формы, не имеющая оси симметрии.

Следует заметить, что термин «барокко» применительно к музыке появился относительно недавно. Впервые его использовал музыковед Курт Закс в 1919 году, затем термин появился лишь в 1940 году в статье Манфреда Букофцера. И до самых 1960-х годов в академических кругах не утихал спор, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких разных композиторов, как Якопо Пери, Антонио Вивальди, Клаудио Монтеверди, Жан Батист Люлли, Доменико Скарлатти и Иоганн Себастьян Бах; но термин «барокко» прижилось и сейчас повсеместно используется для обозначения широкого спектра музыки.

Искусство барокко неодинарно и несколько противоречиво:

Одна сторона искусства барокко отражает внешнюю сторону явлений, тяготеет к пышности, декоративности, сложности форм, колористическим контрастам. Примерами могут служить карины Рубенса, Тинторетто, архитектура Бернини, изощренная полифоническая техника композитрорв венецианской школы А. Вилларта, Андреа и Джованни Габриели, пышное музыкально-сценическое великолепие оперных постановок Ф. Кавалли, М.А. Чести.

Другая сторона искусства барокко отражает интерес к внутреннему содержимому явлений, стремится выразить сложность мира и отношение человека к действительности. (в отличие от искусства Возрождения, в котором человек предстает гармонии сокружающим миром). Поэтому искусству барокко присущи также драматизм и патетика, динамика и экспрессия, например трагические поэмы о любви и смерти - мадригалы Джезуальдо ди Веноза.