Вольфгаг Амадей Моцарт (1756-1791). Биография, обзор творчества.

Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека ("Буря и натиск", отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт - музыкант капеллы архиепископа Зальцбургского. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровизатор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать создал первую оперу "Аполлон и Гиацинт", а в четырнадцать уже дирижировал в театре Милана на премьере собственной оперы "Митридат, царь Понтийский". Примерно в это же время его избрали членом Филармонической академии в Болонье.

Как и многие музыканты той эпохи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781 гг.) - был концертмейстером и органистом у архиепископа города Зальцбург. Однако независимый характер мастера (особенно когда дело касалось музыки) вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781 г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром и фортепианных произведений). Фортепианное творчество Моцарта включаетв себя более 30-ти концертов для различных инструментов с оркестром, сочинения в жанре фантазии (так называют музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме), девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму. Композитор отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта - отчётливая, элегантная, с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения - целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления.

Моцарт не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы - новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую - появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие - в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа. В отличие от Глюка, который предпочитал мифологические сюжеты, Моцарт часто обращался к литературным источникам. Из числа наиболее известных опер Моцарта – «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная Флейта» и мн. др.

Так, опера "Свадьба Фигаро" (1786 г.) написана по пьесе французского драматурга Пьера Огюсте на Бомарше "Безумный день, или Женитьба Фигаро", которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы - любовь, что, впрочем, можно сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения - всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и в конце концов одураченному аристократу) вызывает сочувствие автора - совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых. Моцарт (в отличие от Глюка) главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия, то напыщенно-важные аккорды сменятся шустрыми пассажами. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Следует также отметить, что именно у Моцарта увертюра стала полноправной частью оперного спектакля. (До Моцарта увертюры писались для того, чтобы дать публике время занять места в зале.)

Будучи представителем венской классической школы, Моцарт, как и Гайдн, большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии - Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая ("Юпитер"), созданные в 1788 г. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы (Моцарт одним из первых стал использовать эту форму для медленных частей). Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы. Именно симфонии близки по духу к немецкому литературному движению "Буря и натиск". Его представители, в частности Иоганн Вольфганг Гёте и Иоганн Фридрих Шиллер, стремились изображать сильные чувства, душевное смятение, героические поступки и характеры. Многие исследователи сравнивали Сороковую симфонию Моцарта с романом Гёте "Страдания молодого Вертера". Симфония во многом предвосхитила традиции симфонической музыки эпохи романтизма.

Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием.

Реквием (от лат. requies - "отдохновение", "покой") - заупокойная месса на канонический латинский текст. Музыка обычно передаёт скорбь, погружённость в размышления о смерти и загробном бытии души.

Музыка реквиема (1791 г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Полна скорби сдержанная первая часть - "Вечный покой", поражает силой и суровой энергией "День гнева". Музыка завершающей строфы "Дня гнева" передаёт состояние чистой печали, проникающей в самые глубины человеческой души. Эту часть называют "Лакримоза" ("Lacrimosa") по первым словам текста: "Слезным будет этот день" ("Lacrimosa dies ilia"). Мастер так и не успел дописать реквием; он был доработан по наброскам композитора его учеником Францем Ксавером Зюсмайром (1766-1803). Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.

ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН(1770-1827). Биография, обзор творчества.

"Музыка должна высекать огонь из груди человеческой" - это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры. Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и свободолюбивых идеалов Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой - запечатлело черты нового, романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена - возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма - смелое экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре, к программности. Традиции классицизма Бетховен использовал уже как мастер XIX столетия - опираясь на наследие Гайдна и Моцарта, он значительно расширил возможности музыкального искусства. Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист Кристиан Готлиб Нефе (1748-1798). Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом - придворным органистом, концертмейсте ром в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием.

В 1792 г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Йозефа Гайдна, а также у Иоганна Георга Альбрехтсбергера (1736-1809) и Антонио Сальери (1750-1825) - крупнейших музыкальных теоретиков той эпохи. Альбрехтсбергер, капельмейстер собора Святого Стефана в Вене, познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии.

Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным: его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.

Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг - он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни и в 1802 г. приготовил завещание (по месту написания оно называется Гейлигенштадтским), где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы жить и писать музыку дальше.

Перу композитора принадлежит множество прекрасных произведений. В его творческое наследие входят 9 симфониф, 11 увертюр, концерты для различных инструментов с оркестром, 32 сонаты для фортепиано, более 15 сонат для различных инструментов, 32 вариации, опера «Фиделио» и мн. др.

«Патетическая соната»№8. написана автором в 1798 году.

«Патетическая» (от греческого слова «pathos» - пафос) означает «с приподнятым, возвышенным пастроением». Соната была встречена современниками как смелое, необычное произведение. Соната состоит из 3-х частей. Первая часть наиболее напряженная по звучанию. Начинается 1 часть медленным вступлением – мрачно и торжественно звучат тяжелые аккорды. Тема вступления 8 сонаты по смысловому наполнению перекликается с темой судьбы из Пятой симфонии, неоднократно появляясь на протяжении всей первой части и напоминает сжатую пружину, таящую огромную силу и требующую разрядки. Главная партия, звучащая вслед за темой вступления - стремительна, напоминает бурно вздымающиеся волны, побочная тема - мелодичная и певучая. На столкновении и взаимодействии этих 3-х тем строится вся 1 часть.

Лунная соната

Четырнадцатая соната (1801 г.) названа "Лунной" не самим автором, а поэтом-романтиком Людвигом Рельштабом, другом австрийского композитора Франца Шуберта. Случайно найденный образ навсегда закрепился за этим музыкальным произведением, хотя и не вполне соответствует его содержанию. В 1799 г. Бетховен познакомился с семьёй графа Франца фон Брунсвика. Соната посвящена родственнице семейства - Джульетте Гвиччарди, неразделённая любовь к которой оставила глубокий след в душе композитора и отразилась в музыке "Лунной" сонаты.

Симфониф №5

Симфонифя была закончена в 1808 году, в то время, когда композитор находился в расцвете творческих сил, но глухота уже неотвратимо преследовала его. Он избегал любого общества, кроме близких друзей, одним из которых был - Франц фон Брунсвик.

В симфонии 4 части. 1 часть начинается звучанием грозной и повелительной темы, о которой сам бетховен сказал «Так судьба стучится в дверь».В 1 части на элементах темы судьбы строятся главная и побочная темы.

Тема судьбы проходит красной нитью не только через 1 часть, а через все 4 части симфонии, появляясь в наиболее важных кульминационных моментах музыкального произведения., и таким образом способствует цельности музыкальной формы.

Девятая симфония.

Написана автором с 1822 по 1823 г, и является вершиной не только симфонического, но и всего творчества в целом. Премьера симфонии состоялась в 1825 г. в Венском оперном театре. Симфония грандиозна по масштабам. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, и пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов, вместо двойного - четверной состав духовых. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы.

Особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды "К радости" Иоганна Фридриха Шиллера. Радость Бетховен понимал как восхищение гармонией природы и мироздания, как осознание всеобщего человеческого братства и равенства людей перед Богом. Удивителен внутренний строй основной темы финала, похожей на хорал. Одновременно сдержанно - строгая и трепетная, тема наполнена огромной внутренней силой. Вначале, словно дремлющие в теме силы в конце-концов высвобождаются в грандиозный гимн добру, истине, красоте и победе человеческого духа.