3.2 Фламандская школа живописи в культуре барокко

Период расцвета фламандского искусства охватывает собой первую половину XVII в. Именно в это время складывается фламандская художественная школа, занявшая выдающееся место в истории европейской культуры и давшая таких мастеров, как Рубенс, Ван Дейк, Йорданс, Тенирс, Снейдерс. Во фламандской живописи были талантливые маринисты, художники архитектурных видов и натюрмортов. Кабинетная живопись - специфический фламандский жанр, представители которого воссоздавали коллекции антверпенских любителей искусства. Заказы для дворцов и храмов, особенно в первой половине века, способствовали широкому распространению в живописи монументально-декоративных тенденций. В условиях Фландрии официально господствующим искусством было барокко. Более того, именно Фландрия, наряду с Италией, явилась в первой половине XVII в. одним из основных очагов формирования барочного направления в искусстве. Однако фламандское барокко во многом существенно отличалось от итальянского. Прежде всего, мироощущение Фландрии, рождённое Нидерландской революцией, внесло в искусство барокко мощные жизнеутверждающие начала. Отсюда и повышенный интерес к реальной среде, к окружающей человека природе. Барочные формы здесь оказались наполненными чувством «клокочущей» жизни и красочного богатства мира, ощущением стихийности силы могучего человека и плодоносящей природы. В рамках барокко во Фландрии в большей мере, чем это было в Италии, получают развитие реалистические черты.

Особенности художественной культуры Фландрии — жажда познавания мира, народность, жизнерадостность, торжественная праздничность — с наибольшей полнотой выразились в живописи. Фламандские живописцы запечатлели в своих полотнах опоэтизированную чувственно-материальную красоту природы и образ цельного сильного человека, исполненного здоровья, неиссякаемой энергии.

Рубенс (1577 – 1640) был одним из самых плодовитых и разносторонних живописцев в истории искусства. Искусствоведы назовут его художником «сокрушительной гениальности». Настоящим мастером Рубенс стал в Италии. Именно там он получил уроки античного искусства и живописи эпохи Возрождения, именно там очаровался новаторским творчеством Караваджо и Аннибале Карраччи. Рубенс освоил их мощную манеру, привнеся в нее собственное радостное ощущение мира.

Портретная живопись составляет существенную часть наследия Рубенса. Художник создал целую галерею своих знаменитых современников, причем это касается не только его земляков. Вся знатная Европа встретилась в его портретной живописи. Заказные портреты Рубенса написаны в пышной официальной манере. Но есть в его творчестве и более интимные работы, где изображены родные художника, например, «Семья Яна Брейгеля». Его портреты полны чувства симпатии, вежливо-почтительного уважения или радостного восхищения моделью. Однако в портретах властителей, например, в портрете Марии Медичи правдивость лишь с трудом просматривается сквозь условность парадного барочного портрета. поэтому гораздо большую художественную ценность имеют для нас портреты лиц или близких художнику, или не стоящих на вершине социальной иерархии.

Среди портретов Рубенса позднего периода заслуживает упоминания его автопортрет. Хотя в композиции дают себя знать черты парадного портрета, однако в спокойной позе Рубенса много свободы и непринужденности. Лицо художника, внимательно и благожелательно взирающего на зрителя, полно жизни. В этом портрете Рубенс утверждает свой идеал человека, занимающего видное положение, богато одаренного, умного, уверенного в своих силах.

Среди поздних портретов мастера особенно привлекательны портреты второй жены художника — молодой Елены Фоурмен, а также портрет Елены Фоурмен с детьми (после 1636). В нём почти не чувствуется влияние принципов барочного парадного портрета, отброшены роскошные аксессуары и пышные одежды. Вся картина проникнута чувством спокойного и безмятежного счастья. Изображение матери и детей полно естественной непринужденности и вместе с тем особой прелести, что воспринимается как образ земной мадонны. Рубенс изображает Елену Фоурмен не только в портретах. Ее черты мы узнаем в «Андромеде» и в «Вирсавии». В этих работах художник передает самые тонкие нюансы формы и цвета. Таково, например, сопоставление блеска белков глаз негритенка и белого пятна письма, которое он протягивает Вирсавии.

Тема чувственного богатства жизни, вечного ее движения находит свое наиболее непосредственное выражение и в «Вакханалиях» Рубенса.

Одним из самых примечательных произведений этого типа является эрмитажный «Вакх», который далек от гармонически прекрасного Вакха Тициана («Вакх и Ариадна»). Вся композиция работы Рубенса воспринимается как откровенный гимн физиологической радости бытия.

Эволюция творчества художника Антониса ван Дейка (1599—1641) предвосхитила и определила путь развития фламандской школы живописи второй половины XVII столетия в направлении аристократизации и светскости. Художник сохранил приверженность фламандскому реализму. В лучших своих произведениях — в портретах людей разных сословий, социального уровня, разных по душевному и интеллектуальному складу — он верно нашел индивидуальное сходство и проник во внутреннюю духовную сущность модели. Типические образы Ван Дейка дают представление о характере целой эпохи в истории Европы.

Художник тяготел к драматическому решению тем и сосредоточивал внимание на психологических аспектах жизни отдельных героев. Это определило обращение Антониса ван Дейка к портретной живописи. В ней образ утонченного, интеллектуального, благородного человека, порожденного аристократической культурой, рафинированной и хрупкой. Герои ван Дейка — люди с тонкими чертами лица, с налетом меланхолии, а порою и скрытой грусти, мечтательности. Они изящны, воспитаны, полны спокойной уверенности и одновременно чувства независимости.

Ван Дейк начал деятельность со строгих портретов фламандских бюргеров, знати, их семейств («Семейный портрет»). Он писал также художников. Позже, работая в Генуе, он стал модным портретистом аристократии, создателем официального парадного портрета. Появились сложные композиции с декоративными фонами и мотивами пейзажа и архитектуры. Удлиненные пропорции, горделивость позы, демонстративность жеста, эффектность ниспадающих складок одежды усиливали импозантность образов. Знакомство с живописью венецианцев внесло в его палитру насыщенность, богатство оттенков, сдержанную гармоничность. В «Мужском портрете» психологическая характеристика заостряется мгновенно схваченным поворотом головы, вопросительным горящим взглядом, экспрессивным жестом рук, как бы обращающихся к собеседнику. В портрете красавицы Марии Луизы де Тассис , лицо которой оживлено лукавым выражением, пышный наряд акцентирует изящество и внутреннюю грацию молодой женщины.

Последние десять лет жизни ван Дейк провел в Англии при дворе Карла I, среди кичливой аристократии. Здесь художник писал портреты королевского семейства, лощеных придворных, часто скрывавших за элегантностью облика внутреннюю пустоту. Композиция портретов становилась усложненной, декоративной, красочная гамма — холодной голубовато-серебристой. К оригинальным по замыслу произведениям английского периода принадлежит парадный портрет Карла I короля-джентльмена, мецената. Традиционной схеме придворного портрета на фоне колоннад и драпировок фламандский художник противопоставил решение портрета в окружении пейзажа с жанровым мотивом. Образ Карла I — само воплощение элегантности и аристократизма — опоэтизирован Ван Дейком, и вместе с тем здесь очень тонко передана внутренняя сущность этого человека, надменного и слабого, легкомысленного и самоуверенного, обаятельного кавалера и недальновидного монарха.

Художественная роль Ван Дейка была чрезвычайно значительна и проявилась главным образом за пределами его родины. Английские портретисты опирались на традиции его искусства. С другой стороны, тип идеализированного парадного портрета позднего Ван Дейка стад образцом для многих западноевропейских живописцев XVII - XVIII веков.

Аристократической изысканности искусства Ван Дейка противостояло близкое демократическим кругам общества жизнерадостное, полное плебейской непосредственности и силы искусство Якоба Йорданса (1593—1678), создавшего галерею характерных народных типов. Как и у Рубенса, помощником которого Иорданс был, его искусство пронизано мощным ощущением жизни природы и ее чувственной стихии. Якоб Иорданс писал алтарные образы, картины на мифологические темы, однако трактовал их в жанровом плане. В деревнях, в ремесленных кварталах города он находил своих героев. В них живописец Иорданс подмечал избыток здоровья, энергии, удовлетворенности жизнью. Художник запечатлел их крупные массивные фигуры, лица, возбужденные азартным криком, их своеобразные нравы и обычаи. Йорданс был связан с реалистической традицией старонидерландской живописи, он часто черпал сюжеты своих картин в пословицах, поговорках, баснях. В картине «Сатир в гостях у крестьянина» сюжет заимствован из басни Эзопа, но переосмыслен в современном народном духе, в традициях фламандского искусства. Художник рассказывает о дружбе крестьянина со сказочным жителем лесов сатиром как о реальном событии. Мощные объемы близких натуре фигур крестьян и сатира «лепятся» здесь живописными пятнами, контрастной светотенью, плотно заполняя сжатое пространство крупнофигурной композиции. Благодаря низкому горизонту они возвышаются над зрителем и приобретают особую значительность. Нанесенные сочной кистью густые краски тепло-охристого тона, синие, коричневато-желтые, красные звучат мощным жизнеутверждающим аккордом.

Наиболее ярким художником, который воплотил концепцию прославленного фламандца в жанре натюрморта стал Франс Снейдерс (1579-1657). В его творчестве камерный, интимный жанр натюрморта на рубеже ХVI и ХVII веков обрел подлинную монументальность звучания и динамичный характер. Изображение сорванных цветов и плодов, выловленной рыбы, битой дичи на картинах Снейдерса полны такой ликующей радости земного бытия, что применительно к ним ныне привычный нам термин «натюрморт» - «мертвая натура» - теряет всякий смысл. Образ «золотого века» более конкретно выражен в серии работ под названием «Лавки». Это была первая по-настоящему зрелая монументальная работа Снейдерса, в которой концепция героического натюрморта достигала своего полного развития.

Одним из лучших художников бытовой живописи данного периода времени по праву считается Давид Тенирс Младший (1610-1690). Работы художника содержали многочисленные нравственные подтексты и элементы аллегории. Одна из знаменитых картин Тенираса «Обезьяны в кухне». Эту картину автор написал в назидании тем, кто имеет склонность предаваться чувственным удовольствиям. Персонифицируя свои образы в облик обезьян, он, по существу говорил со своими современниками о пороках людей. Подобные нравоучительные подтексты - не редкость в голландской и фламандской живописи ХVI-ХVII веков. Это картина наполнена различными символами. Одинокая свеча на каминной полке напоминает нам о быстротечности людских радостей. Веселясь и пируя можно не заметить, как сгорит свеча жизни. Ступка, расположенная в углу комнаты, говорит о глупости, бесцельной и бестолковой жизни. Обезьяны у Терниса ведут себя как люди. Ничто человеческое им не чуждо. Не чужда им и зависть.

Краткий обзор творчества ведущих художников фламандской школы эпохи барокко позволяет утверждать, что при всём разнообразии образов, тем, жанров их творческий метод обнаруживает много сходных начал. Прежде всего, их произведения открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике. Тем самым они словно продемонстрировали активную жизненную позицию, радость чувственно-телесной радости бытия.