Голландская жанровая живопись 17 века. Творчество Вермера.

Голландский натюрморт — одно из художественных претворений самой важной темы голландского искусства — темы частной жизни обыкновенного человека. Эта тема в полной мере получила свое воплощение в жанровой картине. В 20—30-х годах XVII в. голландцы создали особый тип небольшой мелкофигурной картины. 40—60-е годы — расцвет живописи, прославляющей спокойный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное существование. Но еще в кругу Франса Халса, где сложился и Адриан Броувер, фламандский живописец, сформировался отчетливый интерес к темам из крестьянского быта. Адриан ван Остаде (1610—1685) изображает поначалу теневые стороны быта крестьянства.С 40-х годов в его творчестве сатирические ноты все чаще сменяются юмористическими. Иногда эти маленькие картины окрашены большим лирическим чувством. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в котором художник прославляет творческий труд, не прибегая ни к декларации, ни к патетике.
 Мягкий свет, проникая сквозь большое окно с узорчатыми плетениями, освещает и объединяет разбросанные в беспорядке вещи, скромную обстановку мастерской и фигуру углубившегося в работу живописца за мольбертом. С сердечностью и проникновенностью обрисован живой образ голландского крестьянина в картине «Флейтист» (ок. 1660 г., Москва, ГМИИ).

Но главной темой «малых голландцев» является все-таки не крестьянский, а бюргерский быт. Обычно это изображения без какой-либо увлекательной фабулы. В картинах этого жанра как будто ничего не происходит. Женщина читает письмо, кавалер и дама музицируют. Или же они только что познакомились и между ними рождается первое чувство, но это лишь намечено, зрителю предоставлено право самому строить догадки.
Самым занимательным рассказчиком в картинах такого рода был Ян Стэн (1626—1679) («Крестины», “Радость отцовства”). Замедленный ритм жизни, выверенность распорядка дня, некоторое однообразие существования прекрасно передает Габриэль Метсю (1629—1667, «Завтрак»). Еще большего мастерства достиг в этом Герард Терборх (1617— 1681). Он начал с самых демократических сюжетов, но с изменением вкусов голландского бюргерства перешел к моделям более аристократическим и имел здесь большой успех.
С годами, в русле общей «аристократизации» нидерландского искусства второй половины 17 в., обратился исключительно к «светским» жанрам, живописующим галантные нравы, модные наряды и интерьеры. Исключительное мастерство передачи фактур тканей (в особенности атласа) и бытовых предметов, тонкие колористические эффекты (решенные в мягком и переливчатом, «перламутровом» красочном регистре) придают этим картинам поэтическое обаяние, а остроумные эмблематические подтексты – таинственную двусмысленность.

К числу лучших произведений мастера принадлежат Концерт (ок. 1672–1675), Бокал лимонада (ок. 1665). Жизнь голландцев протекала в основном именно в доме. Особую поэтичность у «малых голландцев» приобретает интерьер. Отдал Настоящим певцом этой темы стал Питер де Хох (1629—1689). Его комнаты с полуоткрытым окном, с брошенными ненароком туфлями или оставленной метлой часто изображены без человеческой фигуры, но человек здесь незримо присутствует, между интерьером и людьми всегда есть связь. Когда же он изображает людей, то намеренно подчеркивает некий застывший ритм, изображает жизнь как бы замершую, столь же неподвижную, как и сами вещи («Мать у колыбели»).

Хонхорст, Генрих Ван -нидерландский художник, один из лидеров караваджизма во внеитальянской живописи. Между 1610 и 1615 приехал в Италию, где жил в Риме, завоевав призвание религиозными картинами, обыгрывающими эффекты ночного освещения; получил от итальянцев прозвище «Герард Ночной». Он был мастером театрализованных, сильных по живописной режиссуре мизансцен, драматических либо комедийных. В ранний и зрелый период писал преимущественно ночные сцены, освещенные свечой или факелом, в позднем творчестве тяготел к менее контрастным, светлым цветовым гаммам. Был мастером религиозной, мифологической и жанровой картины (Зубной врач, 1622 и “Концерт”).

Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с так называемой делфтской школой, с именем таких художников, как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер, известный в истории искусства как Вермеер Делфтский (1632—1675). Вермеер был одним из тех художников, кто предопределил многие колористические искания XIX столетия, проложил во многом дорогу для импрессионистов, хотя картины Вермеера как будто ни в чем не оригинальны. Это те же изображения застылого бюргерского быта: чтение письма, беседующие кавалер и дама, служанки, занятые нехитрым хозяйством, виды Амстердама или Делфта. Вермеер откажется от больших размеров и будет писать такие же небольшие полотна, какие были приняты в жанровой живописи того времени. Но эти несложные по действию картины: «Девушка, читающая письмо»,.— полны душевной незамутненности, тишины и покоя. Главные достоинства Вермеера-художника—в передаче света и воздуха. Он сочетает широкую кисть с мелким мазком, координирует свет и цвет. Растворение предметов в свето-воздушной среде, умение создать эту иллюзию прежде всего определило признание и славу Вермеера именно в XIX в. Их можно назвать первыми образцами пленэрной живописи. Зрелое, классическое в своей простоте искусство Вермеера имело огромное значение для будущих эпох.

Любовь в самом широком, равно плотском и духовном, смысле, остается с той поры лейтмотивом его картин. Героини Вермера вникают в амурные послания, музицируют, любуются драгоценностями; все эти сцены, в большинстве случаев однофигурные, полны покоя и уюта, чему способствует замечательное умение мастера передать атмосферу жилой среды, вкрадчиво привлекающей зрителя на роль кавалера (тем паче, что в подавляющем большинстве случаев фигура последнего в картине знаменательно отсутствует). Мягкий бархатистый колорит картин тонко воспроизводит неяркий дневной свет, являющийся в то же время (если использовать язык философии того времени) «естественным светом разума», постигающего загадки натуры, причем процесс этого постижения отнюдь не переходит у Вермера в сухую дидактику. К лучшим вещам такого рода, написанным в основном в конце 1650–1660-х годах, принадлежат “Женщина с кувшином молока, Кружевница.

Применяя, как и многие его современники, камеру-обскуру – в качестве вспомогательного средства для перевода реального мотива на поверхность картины – в своих городских видах Вермер достиг почти фотографической объективности, привычно соединяя ее с задушевной поэзией (Уличка, Государственный музей, Амстердам; и Вид Делфта, Маурицхейс, Гаага). Некоторые его картины представляют собой обобщенные жанровые портреты. Их лиризм настолько убедителен, что они кажутся олицетворениями женственной Души, – как бы тоскующей на темном, «ночном» фоне в Девушке с жемчужиной. Картина подписана «IVMeer», но не датирована. Она была написана около 1665 года. О ней известно очень мало. Неизвестно, писал ли её Вермер на заказ, кто в таком случае был заказчиком и имя изображённой девушки. По одной из версий художник изобразил собственную дочь Марию. В любом случае очевидно, что это необычный портрет. Художник попытался запечатлеть момент, когда девушка поворачивает голову в сторону зрителя к кому-то, кого она только что заметила. В соответствии с названием внимание зрителя фокусируется на жемчужной серёжке в ухе девушки.

В современных Вермееру описаниях картину относят к жанру, называемому в Голландии XVII века «tronie», которым обозначали изображения головы человека, а не полноценные портреты.