Кинематограф Азии. Япония.

Кино как вид искусства появилось в Японии в конце позапрошлого столетия. С «движущимися фотографиями» японцы впервые познакомились в 1896 г., а в 1899 г. уже делали фильмы сами. В 1900 г. появились первые хроникальные ленты. В 1903 г. в Токио открылся первый стационарный кинотеатр, в 1908-м – первая киностудия. В Японии кино во многом развивалось под влиянием театра, театральными были и манера игры актеров (как и в традиционном театре Кабуки, женские роли исполняли мужчины - оннагата), и костюмы, и декорации. До появления звукового кино показ фильмов сопровождал бэнси – живой исполнитель, сидевший рядом с экраном и пояснявший, что происходит на экране. Один из родоначальников японского кино режиссер Макино Сёдзо (1878 – 1929), стал постепенно исключать из кино театральные элементы, его поддержали молодые режиссеры Г.Котани, К.Усихара, Я.Симадзу, Д.Ито, Х.Госе, Я. Одзу и др. Макино Сёдзо приводит на экран первую звезду японского кино – М.Оноэ. Постепенно главным направлением японского кино становится реализм. Возникает новое название кино – эйга. Плодотворными и насыщенными в японском кинематографе были 30-е годы. На экране окончательно утвердился звук, по примеру Голливуда появилась система продюсеров, сложилась творческая манера ведущих режиссеров и актеров. Именно тогда сформировались основные черты своеобразия всего японского кино, которые и сегодня отличают национальный кинематограф страны: японским лентам свойственна некоторая замедленность действия и созерцательность, неторопливый монтаж общих и средних планов, повторяемость сюжетов и героев, но главное – лаконизм и простота, столь свойственные вообще художественной культуре Японии. Вторая мировая война дала новый толчок бурному развитию документального кино. Самым значительным в этом жанре стал фильм «Морские сражения в районе Гавайских островов и Малайского архипелага» режиссера К.Ямамото. После войны, во времена американской оккупации первой стала возрождаться именно кинодокументалистика, где проявили себя такие талантливые режиссеры как С.Ямамото, К. Синдо, Т.Имаи. «Золотым веком» для японского кино стали 50-е годы, к этому времени в стране сформировалась «большая шестерка» ведущих японских кинокомпаний - «Сётику», «Тохо», «Дайэй», «Тоэй», «Никкацу» и «Синтохо» (обанкротилась в 1961 г.), страна вышла на первое место в мире по выпуску фильмов: 1958 г. - 504 картины; число зрителей, а точнее кинопосещений - почти 1,2 млрд. Именно в 50-е годы благодаря Акире Куросаве мировой зритель узнал и полюбил японское кино. Его фильм «Расёмон» завоевал «Золотого льва» на престижном международном киноконкурсе в Венеции. Наиболее япкими деятелями кинематографа в эти годы были режиссеры Т.Фурукава, К. Итикава и актеры Ю.Исихара, К.Ацуми, К.Курихара, С.Есинага. Интересным явлением в кинематографе Японии и России отмечены 70-е годы, было снято несколько совместных лент: «Дэрсу Узала» с Юрием Соломиным в главной роли, режиссер – Акира Куросава; «Москва – любовь моя», «Шаг» Александра Митты, «Мелодии белой ночи» Сергея Соловьева. Ленты были встречены с интересом в обеих странах. В 80-90-е годы японское кино переживает серьезный кризис, которому способствовали стремительное развитие ТВ и видео, увеличение в прокате доли зарубежного кино, особенно американского, катастрофическое снижение количества зрителей в кинотеатрах. Несмотря на это, японское кино, несколько сдав свои позиции, все-таки продолжало «выживать». На киногоризонте появляются «независимые» молодые режиссеры Т.Морикава, А.Такэда, С. Кояма, Е.Морита, Д.Итами, К.Огури. В центре их внимания современные проблемы. Больших успехов добились японские кинодокументалисты, мастера научно-популярного кино. Развивается мультипликационное кино, появившееся в Японии еще в 20-е годы, сейчас японские полнометражные «мультики», пожалуй, самые популярные в мире. Своей известностью они во многом обязаны выдающемуся мастеру Тэдзука Осаму, которого называют японским Диснеем. Начиная с 80-х годов, в Японии ежегодно проводятся кинофестивали - Токийский международный фестиваль, фестиваль «Юфуин» (префектура Ойта) и др. Там демонстрируются самые последние работы современных режиссеров. В России ежегодный показ японских фильмов проводится вот уже более 30 лет в рамках фестиваля японской культуры «Японская осень». Одно из последних достижений японского кинематографа – «Гран-при» на международном ХХI Московском международном кинофестивале (1999 г.) получил фильм патриарха японского кино Канэто Синдо «Жажда жизни».

КИНУГАСА Тэйноскэ (1896 — 1982), японский режиссер. Настоящее имя — Когамэ. С 15 лет выступал в труппе кабуки в амплуа оннагата (женские роли), с 1917 года в этом же качестве в кино (в 1919 сыграл роль Лизы в экранизации пьесы Л. Толстого «Живой труп»). Режиссерский дебют Кинугасы — «Смерть младшей сестры» (1920). Под влиянием немецкого экспрессионизма поставил фильмы «Безумная страница» (1926) и «Перекресток» (1928). В жанре «дзидайгэки» снял ленты «Ребенок-фехтовальщик», «Чертополох» и «Звезда мужа и жены» (1927). В 1928 — 31 годы жил в СССР и Германии, встречался с Сергеем Эйзенштейном. Поставил социально-проблемную картину «Перед рассветом» (1931), в которой сказалось влияние приемов монтажа Эйзенштейна. В фильме «Повесть о верности» («Тюсингура») экспериментировал со звуком. Кинугаса снял ряд талантливых «дзидайгэки»: «Летняя осада Осакского замка» (1937), «Принцесса-змея» (1940), «Сражение у Каванакадзима» (1941). Среди множества лент Кинугасы, посвященных эпохе Мэйдзи (конец 19 — начало 20 века) выделяется фильм «Господин на одну ночь» (1946). Международную известность приобрела картина «Врата ада» (1954, главный приз на МКФ в Канне, премия «Оскар» и др.). Вместе с Эдуардом Бочаровым поставил первую советско-японскую ленту «Маленький беглец» (1966, главный приз в конкурсе детских фильмов на МКФ в Москве, 1967). Всего поставил более 100 фильмов.

МИДЗОГУТИ Кэндзи (1898 — 1956), японский режиссер. Один из зачинателей киноискусства, оказавший влияние на формирование стилистики японского традиционного фильма. Окончил художественное училище в Токио. В 1920 году — ассистент режиссеров Тадаси Огути и Эйдзо Танака на студии «Никкацу». Дебютировал лентой «День, когда возвращается любовь» (1923). Мидзогути пришел в кино как ниспровергатель театральной условности, господствовавшей на экране. Под влиянием немецкого экспрессионизма поставил картину «Кровь и душа» (1923), экранизировал произведения западной литературы: «813» (по М. Леблану, 1923), «Порт в тумане» (по Ю. О'Нилу, 1923), принесший Мидзогути первый успех. В фильмах «Весенний шепот бумажной куклы» и «Безумная страсть учительницы» (1926) обратился к социальным мотивам, вел новаторские поиски в области киноязыка. Создал социально-проблемные работы «Токийский марш» и «Симфония города» (1929), «Родина» (1930, позднее озвучена). К этому времени определилась главная тема творчества Мидзогути — столкновение традиционного быта и мировоззрения с современностью. Режиссера интересовала трагическая судьба женщины, ее страдания и самопожертвование. В центр внимания он ставил всепоглощающую любовь, которая спасает человека. В дальнейшем от романтических женских образов перешел к суровому реализму в описании судеб своих героинь. В 1936 по сценарию Есиката Еда, с которым Мидзогути связывало долгое творческое содружество, поставил фильмы «Элегия Нанива» и «Гионские сестры», ставшие вершиной довоенного японского кино. В годы второй мировой войны и позднее снимал ленты о театре кабуки, на легендарные и мифологические сюжеты — «Повесть о поздней хризантеме» (1938), «Жизнь актера» (1941), «Гэнроку Тюсингура» (1942), «Любовь актрисы Сумако» (1947) и др., выпустил картины «Победа женщины» и «Пять женщин вокруг Утамаро» (1946), «Женщины ночи» (1948). К концу 40-х годов сложилась особая режиссерская манера Мидзогути. Она отличалась тонким воссозданием атмосферы фильма, в ней причудливо сочетались реальность и ирреальность, поданная как подлинная жизнь. На композиции и изобразительном решении кадров сказалось влияние традиционной японской живописи. Мидзогути исходил из примата изобразительности в кино. В его работах преобладали долгие общие планы, снятые с одной точки. «Одна сцена - один план» — этот принцип стал определяющим в искусстве Мидзогути и оказал большое воздействие на японское кино. В 50-е годы режиссер создал фильмы, вошедшие в золотой фонд мирового кинематографа: «Женщина Сайкаку» (по Ихара Сайкаку, 1952, другое название «Жизнь О-Хару, куртизанки», приз МКФ в Венеции), «Луна в тумане» («Сказки туманной луны после дождя», по легенде Акинари Уэда, 1953, премия МКФ в Венеции), «Управляющий Сансе» (по Огай Мори, 1954, приз МКФ в Венеции), а также «Повесть Тикамацу» (1954). Первые ленты в цвете — «Екихи» («Ян Гуй-фэй») и «Новая повесть о Гэндзи» («Синхэйкэ моногатари»), обе 1955. Последняя работа Мидзогути — «Район красных фонарей» (1956), ироническая вариация на тему женской любви. Всего поставил более 80 картин.

ГОСЕ Хэйноскэ (1902 — 1981), японский режиссер. Настоящее имя — Хэйэмон. В 1923 — ассистент режиссера Ясудзиро Симадзу. Дебютировал фильмом «Весна на южном острове» (1925). Ставил лирические бытовые комедии о жизни обитателей сельской глубинки: «Одинокий скандалист», «Стыдливые сны», «Плутовка» (все 1927). Первый большой успех — лента «Деревенская невеста» (1928). Светлые и теневые стороны существования мелкой городской буржуазии, эгоизм и доброта людей, повседневность существования — то есть жизненный материал жанра семингэки, — лежали в основе картин Госе. Действие его фильмов протекало на фоне опоэтизированной природы, в них обязательно присутствовал образ времени года — черта, присущая искусству Японии. Значительной работой режиссера стала его первая звуковая лента «Соседка и жена» (1931). В 1933 поставил немую картину «Танцовщица из Идзу» — лучшую среди многочисленных экранизаций повести Ясунари Кавабаты. В фильме «Тяготы нашей жизни» (1935) сталкивал традиционный стиль жизни с западным — одна из излюбленных тем творчества Госе. Среди его довоенных работ выделяются: «Женщины ночи» (1936), «Песнь цветочной корзины» (1937), «Бесчувственный» (1940). Первая послевоенная лента «Еще раз» (1947) — история любви, загубленной войной. В 1951 основал компанию «Эйтпро», в которой поставил картины «Ветвистые облака» (1951), «Утренние волнения» (1952), «Там, откуда видны фабричные трубы» (1953, премия на МКФ в Западном Берлине), «Гостиница в Осаке» (1954). В фильме «Такэкурабэ» (1955, по Итие Хигути), рассказе о печальной любви будущей гейши и молодого человека, блистательно воссоздал атмосферу японского общества эпохи Мэйдзи (конца 19 века). В отличие от других мастеров семингэки камера у Госе — подвижная, планы короткие, в его лентах много музыки. Среди других работ — «Долина любви и ненависти» (1954), «Разрозненные облака» (1964), «Мать и одиннадцать детей» (1966), «Осень и весна Мэйдзи» (1968, кукольный фильм). Всего поставил 95 картин. С 1964 года был генеральным секретарем Ассоциации кинорежиссеров Японии.

ОДЗУ Ясудзиро (1903 — 1963), японский режиссер. С 1923 — ассистент оператора студии «Камата» в кинокомпании «Сетику», затем ассистент режиссера. Дебютировал в жанре «дзидайгэки» фильмом «Меч покаяния» (1927), но в дальнейшем снимал только ленты о современности. Первые работы Одзу испытали влияние американской комедии: «Потеря жены», «Дурнушка», «Переезд супругов» (все 1928), «Дни юности», «Сокровище в горах» (обе 1929) и др. Но картины «Университет-то я окончил...», «Жизнь служащего», «Парень, идущий напролом» (все 1929) ознаменовали переход к зрелой, с элементами сатиры, комедии, в которой звучит тема социального неравенства. Режиссер обратился к традиционному жанру «семингэки», бытописующему жизнь рядовой семьи, и поэтому редко выводил действие за ее пределы. В фильме «На экзамене-то я провалился...» (1930) впервые у Одзу в главной роли снялся актер Тисю Рю, присутствие которого на экране в дальнейшем сыграло важную роль в создании своеобразной атмосферы лент Одзу. Последующие работы, грустные и лирические, окрашенные мягким юмором, вводили зрителей в круг повседневной жизни мелкой буржуазии, показывали взаимоотношения родителей и детей. Лучшие картины немого кино: «Токийский хор» (1931), «Родиться-то я родился...» (1932), «Повесть о плавучей траве» (1934), «Токийская гостиница» (1935). Одзу выработал свой режиссерский стиль, тесно связанный с традиционной эстетикой японского искусства. Для его фильмов характерны отсутствие острых драматических коллизий, спокойная композиция, линейное развитие времени, простейший монтаж, замедленность действия, долгие общие планы (снятые неподвижной, фронтально низко расположенной камерой), четкость и ясность кадров, отсутствие затемнений и наплывов. Первая звуковая лента Одзу — «Единственный сын» (1936). В 1937—1939, в связи с японо-китайской войной, находится в рядах армии. Среди работ в годы второй мировой войны — «Брат и сестра Тода» (1941) и «Был отец» (1942), последняя из них входит в число классических фильмов японского кино. После войны режиссер создает картины, причисленные к шедеврам мирового кино — «Поздняя весна» (1949) о преданной любви взрослой дочери к отцу и «Токийская повесть» (1953) — о стариках-родителях, нашедших сочувствие не у родных детей, занятых собственной жизнью, а у вдовы погибшего на фронте сына. Главная тема послевоенных работ Одзу — распад традиционной семьи. Фильмы опираются на несколько сюжетных каркасов, но в них одна главная мысль — жизнь такова и таков порядок вещей. Режиссер продолжает исследование жизни японской семьи в лентах «Время сбора урожая» (1951), «Вкус простой пищи» (1952), «Ранняя весна» (1956), «Токийские сумерки» (1957), «Цветы Хиган» (1958, его первый цветной фильм), «С добрым утром» (1959), «Плавучая трава» (1959), «Бабье лето» (1960), «Осень в семье Кохаягава» (1961), «Вкус сайры» (1962). В своих пронизанных печалью фильмах Одзу воспел привычные семейные ценности, с грустью отмечая их постепенное обесценивание. С 1954 — председатель Ассоциации японских кинорежиссеров, в 1958 награжден высокой наградой — орденом «Мурасаки дзю хосе», в 1962 первым среди кинематографистов стал членом Академии искусств.

НАРУСЭ Микио (1905 — 1969), японский режиссер. В 1920 году поступил на студию Камата кинокомпании «Сетику» ассистентом режиссера. Режиссерский дебют — «Воинственные супруги» (1929). Ставил пронизанные печалью фильмы «Расставаясь с тобой» и «Ночные сны» (1933), в которых живописал судьбы женщин, жертвующих собой, чтобы вырастить своих детей. В 1934 поставил звуковую ленту «Три сестры, чистые в своих помыслах» и в 1935 — «Жена, будь как роза». Для картин Нарусэ характерен интерес к традиционному укладу жизни мелких торговцев и служащих, к их семейным отношениям. Но не сама рассказанная история, а сотворенная атмосфера — благодаря поведению персонажей, диалогов, неуловимому движению камеры — создала стиль фильмов Нарусэ, который можно определить как «поэтический реализм». Наряду с Ясудзиро Одзу он является выдающимся мастером жанра «семингэки», лент, бытописующих жизнь рядовой семьи. В годы войны с Китаем поставил горький фильм «Работающая семья» (1939) — мрачную картину, отражавшую юношеские воспоминания самого режиссера. После войны обрел новое дыхание в фильме «Еда» (1951) о разводящихся супругах, примирившихся впоследствии. Редкие крупные планы этой ленты придавали особую выразительность портретам его героев. Среди значительных работ Нарусэ: «Мать» и «Молния» (1952), «Поздняя хризантема» (1954), «Плывущее облако» (1955), «Плыть» (1956), «Бегущие вечера» (1960), «Томление» (1964), «Другой, заложенный в женщине» (1966), «Облака» (1967).

ЯМАМОТО Сацуо (1910 — 1983), японский кинорежиссер. В кино с 1938 года. Поставил фильмы: «Война и мир» (1947, с Ф. Камэи), «Зона пустоты» (1952), «Песнь тележки» (1959), «Большая белая башня» (1966), «Война и люди» (1970-73), «Август без императора» (1978) и др. Всего поставил 35 фильмов.

СИНДО Канэто (р. 1912), японский сценарист, режиссер, продюсер. С 1934 работал в кино как художник, с 1936 — сценарист. Сценарий фильма «Бал в доме Андзе» (1947) принес первый успех и положил начало многолетнему сотрудничеству с режиссером Кодзабуро Есимура. В 1950 они основали независимую компанию «Киндай эйга кекай». Режиссерский дебют Синдо — «Повесть о любимой жене» (1951). Впервые в истории мирового кино обратился к теме трагических последствий атомной бомбардировки: «Дети атомной бомбы» («Дети Хиросимы», 1952, премия Мира на МКФ в Карлови-Вари, 1954), «Счастливый дракон № 5» («Трагедия Счастливого дракона», 1959), «Театр «Сакура», 6 августа» (1988). Женские образы — в центре его лент «Миниатюра» (1953), «Актриса» (1956). В работах первой половины 50-х годов рассказывал о жизни нищих, проституток и других деклассированных элементов («Канава», 1954, «Волки», 1955). Всеобщее признание Синдо принес фильм «Голый остров» (1960, главный приз МКФ в Москве, 1961). Пластическая завершенность кадров, композиция, ритм, музыка и шумы природы, заменяющие речь, связь с живописной и поэтической традициями, национальной философией определили значение этого гуманистического произведения. В лентах 60-х годов режиссер анализировал чувственную сферу жизни («Чертова баба», 1964, «Инстинкт», 1966, «Источник секса», 1967), его интересовали старинные легенды («Черные кошки в бамбуковых зарослях», 1968). В конце десятилетия в фильмах Синдо отчетливо зазвучала социальная тематика («Сильная женщина, слабый мужчина», 1968; «Поденка», 1969; «Обнаженные девятнадцатилетние», «Сегодня жить, умереть завтра», 1970, главный приз поровну на МКФ в Москве, 1971). Среди последующих картин — документальный фильм «Жизнь одного кинорежиссера. Кэндзи Мидзогути» (1975), «Одинокое путешествие Тикудзана» (1977, премия МКФ в Москве), «Художник Хокусай» (1981), «Полуденное завещание» (1995). Поставил более 40 лент, по его сценариям снято более 200 фильмов. Синдо — автор множества книг по теории и практике кинодраматургии. С 1972 — генеральный секретарь Гильдии сценаристов Японии.

КИНОСИТА Кэйскэ (1912 — 1998), японский режиссер. Дебютировал сатирической комедией «Гавань в цвету» (1943). Поставил лирические пасторальные комедии «Моя любимая девушка» (1946), «Кармен возвращается на родину» (1951, первый цветной японский фильм), сатирические ленты «Пью за вас, девушки» и «Разбитый барабан» (1948), «Невинная любовь Кармен» (1952), «Трагедия Японии» (1953). Главные черты творчества Киноситы — лиричность и сентиментальность — проявились в антивоенной картине «Двенадцать пар глаз» (1954), в которой рассказывается о двадцати годах жизни учительницы Ониси, полных нищеты и бедствий. Антивоенная направленность свойственна также и историческому фильму «Река Фуэфуки» (1960). Лирической грустью отмечены ленты «Ты была подобна дикой хризантеме» (1955) о крушении любви и «Время радости и печали» (1957) о трудном пути супружеского счастья. В картине «Легенда о Нараяме» (1958) воссоздал миф о стариках, уносимых детьми в горы умирать. В 60 — 70-е годы Киносита работал для ТВ. Вернувшись в кино, поставил фильмы «Разлука и любовь в Шри Ланке» (1976), «Отец! Мать!» (1980), «Оставленный ребенок»(1983), «Отец» (1987). Киносита — обладатель множества национальных призов.

ИМАИ Тадаси (1912 — 1991), японский кинорежиссер. Фильмы: «А все-таки мы живем!» (1951), «Мрак среди дня» (1956), «Река без моста» (1969), «Брат и сестра» (1976), «Игра в воспитание» (1979) и др. Всего поставил 32 фильма.

ИТИКАВА Кон (р. 1915), японский режиссер. В кино с 1933. Дебютировал кукольным фильмом «Девушка из храма Додзе» (1946). Значительным произведением современного кино Японии стала лента «Комната насилия» (по Синтаро Исихара, 1956), отразившая смятение послевоенного «потерянного поколения». Творчество Итикавы отличается стилистической и тематической пестротой, он в постоянном поиске новых выразительных средств и жизненного материала. Его картины представляют различные жанры — от комедий до психологических драм. Лучшие фильмы — «Сердце» (по Сосэки Нацумэ, 1955), «Большой пожар» (по Юкио Мисима, 1958), «Ключ» (по Дзюнъитиро Танидзаки, 1959, приз на МКФ в Канне, 1960). Антивоеннной теме посвящены ленты «Бирманская арфа» (1956, премия на МКФ в Венеции), «Полевые огни» (1959, приз на МКФ в Локарно, 1961). В 1965 году снял документальный фильм «Токийская олимпиада» (премия МКФ в Канне и др.). В конце 70-х годов экранизировал ряд детективно-мистических романов Сэйси Екомидзо. Экспериментируя в области формы, поставил картину «Огненная птица» (1978), в которой анимация сочетается с игрой актеров. Лента «История котенка» (1986) открыла популярную серию фильмов о животных. В 80—90-е годы продолжал активно снимать («Первый легкий снег», «Сказка о принцессе с луны», «47 ронинов»), всего поставил более 80 картин.

КОБАЯСИ Масаки (1916 — 1996), японский режиссер. После окончания университета Васэда с 1941 — в кино. С 1946 ассистент режиссера Кэйскэ Киносита. Дебютировал фильмом «Юность сына» (1952). Активный участник движения «независимых» — лента «За толстой стеной» (1953, выпуск на экран 1956) об ответственности за военные преступления. В 1959—61 экранизировал антивоеннную историческую эпопею Дзюмпэй Гомикава «Условия человеческого существования» (6 серий, сокращенная версия 3 серии, приз за первую часть на МКФ в Венеции, 1960). Первый фильм в цвете — «Повесть о привидениях»«Кайдан» (1964, спецприз МКФ в Канне, 1965). Эпохе самурайства посвящены картины «Харакири» (1962, спецпремия МКФ в Канне, 1963), «Восставший» (1967, приз ФИПРЕССИ на МКФ в Венеции и др.). Кобаяси выбирал сюжеты с острыми драматическими конфликтами, находя для них яркие режиссерские решения. В 1975 переработал для кино поставленный им по Ясуси Иноуэ шестисерийный телефильм «Окаменелость» В течение пяти лет работал над документальной картиной о военных преступниках — «Токийский суд» (1983, премия ФИПРЕССИ на МКФ в Западном Берлине). В 1985 поставил фильм «Дом без обеденного стола».

ИМАМУРА Сехей (р. 1926), японский режиссер. В 1951, по окончании университета Васэда, поступил на студию «Офуна» кинокомпании «Сетику», где работал ассистентом режиссера, в том числе у Ясудзиро Одзу. Дебютировал фильмом «Украденная страсть» (1958). В том же году снял ленты «Перед станцией западная Гиндза» и «Нескончаемое желание», героями которых были изломанные войной молодые люди. Награжден «голубой лентой» за лучший дебют года. В антиамериканской картине «Свиньи и броненосцы» (1961) документальность сочеталась со сложной символикой. В 60-х годах перешел от социальной и политической проблематики к исследованию необычных для японского кино сильных женских характеров. Имамура ищет истоки жизнестойкости женщины в ее биологическом предначертании (фильмы «Японское насекомое», 1963, «Красная жажда убийства», 1964, «Послевоенная история Японии: Жизнь мадам Онборо», 1970). В 1965 году основал собственную кинокомпанию «Имамура про». В ленте «Испарившийся человек» (1967) расследует на реальном материале актуальную проблему исчезновения людей. В своей первой цветной картине «Глубокая жажда богов» (1968) ищет истоки национальной сущности японцев в глубоком прошлом. В 70-х работает на телевидении: «Не вернувшиеся на родину солдаты. Малайзия, Таиланд» (1971), «Хочу в дальний путь. Подо мной Север» и «Караюки-сан» (оба 1972), «Мухомацу возвращается на родину» (1973), «Не вернувшиеся на родину солдаты. Продолжение» (1975). В 1975 основал Киноинститут телевидения Йокогамы, которым руководит и в настоящее время. Продолжает ставить фильмы: «Месть принадлежит мне» (1979), «Э, дзянайка» «Но почему?» (1981). Широкую известность за рубежом получил после историко-философской картины «Легенда о Нараяме» (1983, главный приз на МКФ в Канне). Тема атомной катастрофы звучит в ленте «Черный дождь» (1989, премия на МКФ в Канне). К теме «караюки» — женщин, заброшенных на острова Юго-Восточной Азии в годы второй мировой войны, вернулся в 1987 году в ленте «Дзэгэн»/«Сводня». Пронизана черным юмором необычная история любви «Угорь» (1997, главный приз поровну на МКФ в Канне).

ТЭСИГАХАРА Хироси (Teshigahara Hiroshi) (1927 — 2001), японcкий режиссер. В 1950 окончил Токийскую школу искусств, где изучал живопись. В 1953 снял документальный фильм о художнике Кацусика Хокусай. Учился режиссуре у известного документалиста Фумио Камэи. Создал документальные фильмы «Двенадцать фотографов» (1955), «Икэбана» (1956), «Токио, 1958» (1958), «Хосе Торрес» (1959, в США). По сценарию писателя Кобо Абэ, с которым сблизился в кружке сюрреалистов «Сэйки», поставил первую игровую ленту «Западня» (1962). В 1964 создал собственную компанию «Тэсигахара про», где по произведениям Абэ снял картины «Женщина в песках» (1964, специальная премия МКФ в Канне), «Чужое лицо» (1966), «Сгоревшая карта» (1968). Для фильмов Тэсигахары, созданных в духе притч, характерно сочетание философского обобщения, символики с точностью реальных жизненных мотивировок. После ленты «Летние солдаты (1972) отошел от кино, занимался керамикой. В 1979 возглавил знаменитую школу икэбана «Согэцу», созданную его отцом. Снял документальные картины «Сотворение скульптуры» (1981), «Антонио Гауди» (1984). В 1989 вернулся в игровое кино, поставив фильм «Рикю» о знаменитом мастере чайной церемонии, а в 1992 — «Гохимэ», на материале эпохи самурайства.

СИНОДА (Shinoda) Масахиро (р. 1931), японский режиссер. В 1953 году закончил литературный факультет университета Васэда и поступил на студию «Офуна» компании «Сетику» ассистентом режиссера. Дружба с писателем Синтаро Исихара — пророком молодых «рассерженных» — наложила печать на творчество Синоды. Был одним из тех, кто составлял «новую волну Офуна». Дебютировал фильмом «Билет любви в один конец» (1960). В ленте «Поблекший цветок» (1964) Синода эстетизирует мир гангстеров — якудза. Зрелостью режиссуры отличалась картина «Покушение на убийство» (1964), посвященная событиям конца правления сегуната (середина 19 века). В работах конца 60-х годов Синода воссоздает традиционный образ жизни, возвеличивает быт. В 1967 создал собственную компанию Хегэнся. Вершиной творчества этого периода является фильм «Самоубийство влюбленных на острове Небесных сетей» (1969, лучшая лента года, премия за режиссуру) — экранизация пьесы классика японской драматургии Мондзаэмона Тикамацу. В картине сочетается условность средневекового театра с языком современного кинематографа. В фильмах «Искатели приключений» (1970), «Молчание» (1971), «Химико» (1974), «Одинокая слепая певица Орин» (1977) режиссер эстетизирует прошлое, все больше склоняется к живописности кадра, изобразительное решение становится самодовлеющим. Возвращается к драматургии Тикамацу в ленте «Копье Гондзы» (1986, премия на МКФ в Западном Берлине-87). Среди других работ: «Принцесса Маи» (1989), «Время молодости» (1990), «Отраженная музыка» (1995), снятая в стиле манга историческая картина «Замок совы» (1999). Награжден множеством национальных и международных призов.

ОСИМА Нагиса (р. 1932), японский кинорежиссер. В 1956 основал вместе с кинокритиком Тадао Сато и др. журнал «Кинокритика». Дебютировал в режиссуре фильмом «Улица любви и надежды» (1959), в котором наметился главный мотив творчества Осимы — попранный идеал порождает разрушительный импульс. В первых лентах режиссера появился новый для японского кино герой — мятежный, циничный, изверившийся в нравственных ценностях старшего поколения молодой человек: «Повесть о жестокой юности» (приз за лучший кинодебют года), «Захоронение солнца», «Ночь и туман Японии» (все 1960), «Содержание скотины» (1961, по Кэндзабуро Оэ). В1960 создал собственную компанию «Содзося», первый фильм которой (короткометражная лента «Дневник Юнбоги») впервые затронул тему дискриминации корейцев в послевоенной Японии. Для полнометражных картин «Демон, возникающий среди белого дня» (1966), «Военное искусство Ниндзя. Альбом» (анимационный фильм), «Исследование непристойных песен Японии» (оба 1967), «Совместное самоубийство влюбленных — японское лето» и «Возвращение троих пьяниц» (оба 1968), «Дневник вора из Синдзюку» (1969), «История, рассказанная после токийской войны» (1970) характерны поиски новых возможностей киноязыка. Среди работ Осимы в этот период выделяется «Смертная казнь через повешение» (1968), в которой на материале дискриминации корейского меньшинства затронута в форме гротеска, черного юмора и сложной символики проблема смертной казни. После демонстрации фильма на международном фестивале в Канне имя режиссера стало известным и за пределами Японии. Поворот Осимы к традиционному киноязыку нашел отражение в его первой цветной ленте «Мальчик» (1969) — сатире на японскую семью, в картине «Церемония» (1971). В течение следующих пяти лет работал для телевидения, писал книги. Со второй половины 1970-х гг. ставил совместные фильмы с европейскими кинематографистами: для французской фирмы «Аргос фильм» — скандальную «Корриду любви» («Империя чувств», 1976, приз на международном фестивале в Чикаго и др.) и «Призраки любви» («Империя страсти», 1978, премия международном фестивале в Канне), обе изысканные по изобразительному решению; а также фильм «Счастливое рождество на фронте» («Счастливого рождества, мистер Лоренс», 1982, с Великобританией). В 1986 году во Франции снял картину «Макс, моя любовь». Создал документальные фильмы «Киото, город моей матери» (1993) и «Сто лет японского кино» (1995). В 1997 после многолетнего перерыва приступил к съемкам игровой ленты «Закон» («Гохатто», по Энтаро Сиба). С 1980 — генеральный секретарь Ассоциации кинорежиссеров Японии.

МИЯДЗАКИ Хаяо (Hayao Miyazaki) (р. 1941), японский мультипликатор, один из крупнейших режиссеров в истории анимационного кино. Во время войны родители Хаяо бежали из Токио от американских бомбардировок и обосновались в Уцуномии — городе в ста километрах от столицы. Миядзаки-отец владел небольшой фирмой, выполнял военные заказы и обеспечивал семье безбедное существование. Окончив школу, Хаяо поступил в университет, где изучал экономику, но одновременно совершенствовал свое мастерство художника. В 1963 году Миядзаки начал работать на студии мультипликации кинокомпании «Тоей» и участвовал в создании полнометражного фильма «Верные слуги-псы» — мультипликационной версии средневековой японской повести «Сорок семь ронинов» (режиссер Сиракава Дайсаку) и фильма «Космические путешествия Гулливера» (1965, режиссер Курода Масэо). Хаяо был одним из немногих японских мультипликаторов, не имевших специфического опыта работы над комиксами-манга. В отличие от многих Миядзаки был убежден, что средствами мультипликации можно сделать достаточно сложный и глубокий фильм, который был бы способен заинтересовать не только детей, но и зрителей всех возрастов. В 1965 году Миядзаки вместе с Такахатой Исао приступил к работе над крупнобюджетным мультфильмом «Приключения солнечного принца Гора». Работа над ним была окончена летом 1968 года, и результат был высоко оценен критикой. Тем не менее, фильм провалился в прокате. В 1969 году Миядзаки ушел из «Тоей» и долгое время работал раскадровщиком в компании «Ниппон Анимейшен», которая специализировалась на мультипликации для телевидения. Миядзаки участвовал в создании целой серии мультипликационных экранизаций классических книг. Лишь в 1978 году он поставил как режиссер мультипликационный телевизионный сериал «Конан - мальчик из будущего». Несмотря на ограничения, связанные с телевизионным форматом, здесь Миядзаки добился существенных технических достижений. Спустя год на студии «Телеком Анимейшен Филм» режиссер поставил фильм, который признают его первым шедевром, — «Забавные приключения господина Волшебная Птица». Затем последовали «Замок Калиостро», мультисериалы «Люпен III» (по мотивам произведений французского писателя 19 века Мориса Леблана) и «Великий детектив Холмс». В 1984 году на экраны выходит фильм «Навсикая в долине ветров», основанный на его собственном комиксе. Фильм имел большой успех и был награжден многочисленными премиями международных кинофестивалей. Триумф «Навсикаи» позволил режиссеру в 1985 году основать собственную студию «Гибли», где были созданы полнометражные фильмы «Небесный замок Лапута» (по мотивам книги Джонатана Свифта «Путешествия Гулливера»), «Мой сосед Тоторо», «Принцесса Мононоке» (1997). В 2001 году на экраны выходит новое творение мастера «Унесенные призраками», которые получили приз «Золотой медведь» Берлинского кинофестиваля. Во всех фильмах Миядзаки ощущается присущий ему гуманизм и обеспокоенность будущим человеческого общества. Хотя фильмы режиссера специфически японские по ощущениям и образу мышления, их эстетика и напряженная драматичность универсальны по своему воздействию. Графику фильмов Миядзаки отличает точность и реалистичность, особое внимание уделяется проработке пейзажей и ландшафтов.

ОГУРИ Кохэй (р. 1945), японский режиссер. После окончания литературного факультета университета Васэда стал ассистентом у режиссеров «новой волны Офуна». Работал у Масахиро Синоды на фильме «Самоубийство влюбленных на острове Небесных сетей» (1969) и у Кириро Ураямы на картине «Врата молодости» (1975). В 1973 году поставил для ТВ ленту «Человек-метеор». По предложению продюсера Мотоясу Кимуры снял в компании «Тоэй» черно-белый фильм «Мутная река» (1981, по Тэру Миямото, приз на МКФ в Москве, множество национальных призов, номинация на премию «Оскар») о дружбе двух маленьких мальчиков, разбитой трудными обстоятельствами жизни, в котором послевоенная Япония показана глазами детей. Следующая работа Огури, снятая в цвете — «Для Каяко» (1984, приз Жоржа Садуля во Франции) поднимает на материале несчастной любви молодого корейца и японки проблему дискриминации корейского меньшинства в Японии. В этой ленте изображение превалирует над звуком. В поставленном в 1990 году фильме «Смертельное жало» (специальная премия на МКФ в Канне), рассказе о кризисе в жизни супружеской пары, заметен возврат к традиционному киноязыку, свойственному картинам Ясудзиро Одзу. Последняя по времени работа Огури «Спящий мужчина» (1996) отмечена новой сменой стилистики режиссера — скудостью диалога, акцентом на пластике изображения.

КИТАНО Такеши (р. 1947) крупнейший японский актер и режиссер. Увлекся театром в 1970 году и под псевдонимом Боец, Такеши стал одним из наиболее знаменитых комиков Японии. Он стал блистательным ведущим шоу, спортивным комментатором, поэтом-песенником, программистом, прозаиком – автором эссе и романов. С 1972 в шоу-бизнесе. В 1973 сформировал комедийный дуэт «Два Бита» вместе с Киеси Канэко. Отсюда псевдоним — Бит Такэси. Дуэт дебютировал на ТВ в 1975 году и обрел общенациональную популярность. Его кинороли начались в 1980 году, но он стал знаменитым на Западе ролью сеньора в фильме Нагисы Ошимы «Никакое веселое рождество»/«Счастливого рождества, мистер Лоренс» (1982, роль сержанта Хары). (1983). Режиссерский дебют Китано состоялся в 1989 году. За режиссерский дебют «Этот жестокий мужчина»/«Жестокий полицейский» («Сонно Окотобо»,1989) получил сразу шесть национальных премий. Следующая картина — «3—4 х октябрь»/«Точка кипения» (1990). За фильм «В то лето море было тихим» (1991) получил восемь призов. На международном экране Китано стал популярным благодаря криминальной драме «Сонатина» (1993), показанной на МКФ в Канне и в Лондоне, премированной на МКФ в Коньяке (Франция). Его лента «Куда направляетесь?» (1995) демонстрировалась в Лондоне, а «Возвращение ребят» (1996) — на «Неделе режиссеров» в Канне. Много снимается на ТВ и в кино, выступает регулярно в телешоу. Стал культовой фигурой японского кино на международном экране. В 1997 году получил главную премию – «Золотого льва» на МКФ в Венеции за фильм «Фейерверк». Фильм «Кикуджиро никакой надежды» (1999) получил приз ФИПРЕССИ Каннского фестиваля. Он так же поставил «Коллега» (2000) и «Куклы (марионетки)» (2002).

Актеры:

Танака Киние (1909 — 1977), японская актриса, режиссер. Дебютировала в кино в фильме «Женщина эпохи Гэнроку» (1924), успешно снялась в роли Окину в ленте «Деревенская невеста» (1928). Играла главным образом у режиссеров Хироси Симидзу, Хэйноскэ Госе, Ясудзиро Одзу роли деревенских девушек, девушек с окраины города, гейш. Тема самопожертвования японской женщины была главной в творчестве Танаки. Большой ее успех — роль жены в первом японском звуковом фильме «Соседка и жена» (1931) Госе. Главные роли в картинах «Танцовщица из Идзу» (1933, по Ясунари Кавабата) Госе и «О-Кото и Саскэ» (1936) Симидзу выдвинули Танаку в первые актрисы японского кино. Тема печальной судьбы женщины пронизывала и ее работы военных лет: «Мать и дочь» (1938) Минору Сибуя, «Повесть о поздней хризантеме» (1939) и «Женщина из Осаки» (1940) Кэндзи Мидзогути, «Семья»(1942) Сибуя. В послевоенные годы значительные роли Танаки связаны с именем режиссера Мидзогути: образы О-Хару («Женщина Сайкаку»«Жизнь О-Хару, куртизанки», 1952), Мияги («Луна в тумане»/«Угэцу моногатари», 1953) и мать («Управляющий Сансе», 1954) принесли актрисе международную известность. Снималась и в фильмах «независимых» (роль Риэ в ленте «Сводные братья», 1957). Благодаря высокому профессионализму, чувству справедливости, гражданской позиции, гуманности, проявленным как на экране, так и в жизни, Танака стала совестью японского кино. В 1974 исполнила роль Саки в картине «Сандакан, публичный дом № 8»/«Тоска по родине» Кэй Кумаи (премия за роль на МКФ в Западном Берлине, 1975). Снялась в 243 фильмах. Как режиссер поставила ленты «Любовное письмо» (1953), «Луна не взошла» (1954), «Госпожа О-Гин» (1962), «Считалочка земли» (1976) и др. В 70-х годах много работала на ТВ. Награждена различными национальными премиями.

Ямада Исудзу (р. 5 февраля 1917), японская киноактриса. В кино с 1932 года. Снималась в фильмах: «Элегия Нанива», «Гионские сестры», «Замок паутины» (по «Макбету» Уильяма Шекспира) и др. Всего сыграла в кино около 50 ролей.

Ке Матико (р. 1924), японская актриса. В 1936 была принята в Осакскую детскую музыкальную труппу Сетику, выступала на сцене Осакского театра в детских ролях. В 1944 снялась в фильме «Убийство Тэнгу» и в ленте Кэндзи Мидзогути «Дандзюро третий». С 1947 участвовала в популярных музыкальных шоу и через два года была уже звездой японских мюзиклов. В первых фильмах с участием Ке эксплуатировалось ее умение петь и танцевать. Роль Наоми в картине Кэйго Кимуры «Любовь идиота» (1949, по Дзюнъитиро Танидзаки) открыла актерские способности Ке, ее своеобразный, непривычный для японского кино эротизм. Образы жены самурая в «Расемоне» (1950) Акиры Куросавы, принцессы Вакаса в «Луне в тумане» (1953) Мидзогути, Кэсы в ленте «Врата ада» (1953) Тэйноскэ Кинугасы и императрицы Екихи в одноименном фильме 1955 года режиссера Мидзогути сделали Ке первым «секс-символом» японского послевоенного кино. Среди ее лучших работ — «Гэндзи моногатари» (1951) Кодзабуро Есимуры, «Красавица и вор» (1952) Кимуры, «Принцесса Сэн» (1954) Кимуры, «Район красных фонарей» (1955) Мидзогути, «Нихонбаси» (1956) Кона Итикавы, «Плавучая трава» (1959) Ясудзиро Одзу, «Бонти» (1960) Итикавы и др. В 1956 г. снялась с Марлоном Брандо в американской ленте Дэниела Манна «Чайный домик под августовской луной». В 60-е много снимается на ТВ и продолжает играть в музыкальных и драматических спектаклях. Снялась более чем в 100 фильмах. Среди последних картин — «Кольцеобразное затмение солнца» (1975), «Призрак» (1985).

Мифуне Тосиро (р. 1920), японский актер. С 1946 в кино. Актерский дебют — в фильме своего учителя режиссера Кадзиро Ямамото «Время новых дураков»(1947). Первый успех — роль гангстера Эдзима («По ту сторону серебряного хребта», 1947). Творческое содружество с Акирой Куросавой началось с картины «Пьяный ангел» (1948, гангстер Мацунага). Снялся у него в лентах «Молчаливая дуэль» и «Бездомный пес» (оба 1949), «Скандал» (1950). Роль разбойника Тадземару в фильме «Расемон» (1950) утвердила Мифуне как одного из ведущих актеров японского кино, владеющего острой выразительной пластикой, бурным темпераментом, тонкой восприимчивостью. Другие роли в картинах этого режиссера: Дэнкити Акама — Рогожин («Идиот», 1951), Кикутие («Семь самураев», 1954), Кийти Накадзима («Записки живого», 1955), Васидзу — Макбет («Замок паутины») и Сутэкити — Васька Пепел («На дне») — обе 1957, заглавная роль в «Цубаки Сандзюро» (1962). Дарование Мифуне наиболее органично раскрылось в ролях романтико-героического жанра «кэнгэки»: Мусаси Миямото («Мусаси Миямото», 1954), Сандзюро («Телохранитель», 1961, приз МКФ в Венеции). Вершина творчества актера — доктор Нийде («Красная борода», 1965, приз МКФ в Венеции). Среди других ролей: рикша Мацугоро («Жизнь Мухомацу» «Человек-рикша», 1958), Сюгоро Яно («Гений дзюдо», 1964), военный министр Энами («Самый длинный день Японии», 1967). В 1963 основал компанию «Мифуне-про» и в том же году поставил фильм «Наследство 500 000». В 1966 участие актера в американской ленте «Большой приз» дало ему средства для создания собственной киностудии. Его первым фильмом стал «Восставший» (1967, приз МКФ в Венеции за роль Исабуро Сасахара). С конца 60-х годов снимается за рубежом: «Ад на Тихом океане» (1968), «Тора! Тора! Тора!» (1970), «Красное солнце» (1971), «1941» (1979), «Инчон» (1980), «Вызов» (1982), а также в популярном минисериале «Сегун». В 70-е годы играл главным образом в телесериалах на историческом материале, поставленных на «Мифуне про». Снялся в фильмах «Испытание человечности» (1977), «Заговор клана Ягью» и «Госпожа О-Гин» — оба 1978, «Мацуо Акинори» (1979), в одной из серий «Мужчине живется трудно» (1987), «Смерть мастера чайной церемонии» (1989), «Глубокая река» (1995).

Симура Такаси (1905 — 1982), японский актер. Настоящие имя и фамилия — Сугуру Симадзаки. Родом из семьи самураев. С юности увлекался театром и стал актером. С приходом звука начал сниматься в кино в маленьких ролях. Обратил на себя внимание в фильмах Мансаку Итами «Тюдзи прославился» (1935) и «Аканиси Какита» (1936), а также в роли инспектора полиции в ленте Кэндзи Мидзогути «Элегия Нанива» (1936). Перешел на студию Никкацу, где в 1937—1942 сыграл более чем в сорока «дзидайгэки». В 1942 году, перейдя работать в компанию «Тохо», снялся в картине Акиры Куросавы «Сугата Сансиро» (1943) и с тех пор стал знаковым актером этого режиссера. Сыграл у Куросавы: роль директора завода («Самые красивые», 1944), врача («Пьяный ангел», 1948), полицейского Сато («Бездомный пес», 1949), дровосека («Расемон», 1950), Оно («Идиот», 1951). Самыми значительными работами Симуры стали отличавшийся тонким психологизмом образ мелкого чиновника Ватанабэ («Жить», 1952) и роль предводителя самураев Камбэя («Семь самураев», 1954). Снимался и в других фильмах Куросавы — «Замок паутины» (1957), «Чем хуже человек, тем лучше он спит» (1960), «Цубаки Сандзюро» (1962), «Тень воина» (1980) и др. Играл также в серии «дзидайгэки» режиссера Хироси Инагаки и в фантастических лентах Иносиро Хонды. За послевоенные годы снялся более чем в 250 фильмах. Награжден высоким орденом Мурасаки.

Индия.

Первый шаг индусов по съемке короткометражек сделал фотограф Харишчандра С. Бхатвадекар, известный более как Саве-Дада. Он снял два фильма в ноябре-декабре 1899 года. Еще один индус в новом веке сделал попытку самостоятельно снимать и показывать фильмы - мусульманин Ф.Б.Тханавала. В начале 1901 года Саве-Дада сделал еще один фильм - документальное повествование о возвращении из Англии доктора Р.П.Паранджпайи. Но рекорды по производству фильмов побил в 1901 году бенгалец Хиралал Сен - семь фильмов. В январе 1903 года он снял серию фильмов "Сценки из индийской жизни", в середине года снял еще танцевальные сцены из постановок "Али-Бабы", "Метание души", "Золотые сны". В Индию в это время хлынул поток заграничных короткометражек, поэтому в Индии производство ограничивалось документальными лентами. В 1907 году компания "Театры Мадана" сняла хроникальный фильм "Поезд кабульского эмира". Оператор бомбейской компании "Эксцельсиор кинематограф" в 1908 году снял фильм о наводнении в Хайдарабаде, в 1909 году - еще один фильм "Виды Бобмея". В 1910 году "гвоздем сезона" была объявлена лента "Бегство далай-ламы". В 1911-1912 году Индия с интересом следила за развитием событий в Англии, и через полгода был снят фильм на эту тему: "Их императорское величество в Индии" о приезде нового короля Георга V. Этот фильм посмотрели за 18 дней 50 тысяч зрителей, но следующий рекорд проката заткнул за пояс предыдущие фильмы: "Репитиция парада в Калькутте" и "Розыгрыш кубка вице-короля" длиной пленки 600 футов! Отсутствие конкурентов в Калькутте, куда в начале 1912 года прибыла королевская чета, позволило никому не известным братьям Сен снять фильм об этом и продержаться в кинобизнесе еще три года. Успех их фильма оттеснил на второй план другие ленты, особое внимание среди которых следует уделить "Бенарес или Каши". Снял эту ленту о священном для индусов городе неизвестный оператор. По прежнему в кинотеатрах демонстрировалось большое количество заграничных фильмов, на сей раз игровых. Таким образом, индийские зрители настраивались на производство и просмотр собственных игровых лент. 18 мая 1912 года на экраны вышли два игровых фильма: "Пундалик" (оператор Р.Г. Торне) в паре с "Дитя мертвеца". Эту дату принято считать датой показа первого индийского игрового фильма, хотя "Пундалик" был снят англичанином. По настоящему национальной художественной лентой стала работа Д.Г. Пхальке "Раджа Харишчандр" 1913 года выпуска. Фильм в 4 частях, длиной 3.700 футов и продолжительностью 47 минут заложил фундамент самой крупной на сегодня кинопромышленности. Через три месяца Пхальке выпускает новый фильм "Мохини Бхасмасур", вышедший в декабре 1913 года. И здесь Пхальке стал первым: актрисы Дурбагаи и Камла после долгих колебаний дали согласие на съемки в этом фильме и стали первыми индийскими кинозвездами. В своем третьем фильме, вышедшем 14 июня 1914 года Пхальке задействовал уже четырех актрис. Увы, после этого выпуск фильмов в стране прекратился почти полностью, только в 1915 году вышел фильм "Смерть пешвы Нараянрао". Пхальке, который после успеха своих фильмов несколько лет просто показывал свои фильмы, в сентябре 1917 году наконец-то снял и показал свой самый кассовый фильм "Сожжение Ланки". С 1918 года Пхальке избавился от финансовых проблем и снял знаменитый фильм "Рождение бога Кришны", где громко дебютировала его дочь-малышка Мандакини. Она еще раз сыграла роль Кришны в 1919 году в "Конец змеиного бога", и были сняты фильмы "Мечта Уши" и "Обезглавливание Ахильи". В Калькутте кинобизнес имел скромные очертания: только в марте 1917 года Дж.Ф. Мадан снял "Справедливый раджа Харишчандра". В 1919 году родился южноиндийский кинематограф: Н. Мудали снял в Мадрасе "Смерть Кичаки", а студия Дж. Ф. Мадана выпустила "Святой сурдас" с кинозвездой Гаухар. Итак, к концу второго десятилетия нового века Индия располагала приблизительно 25 игровыми фильмами, немое кино обрело свое признание, и именно ему предстояло царить на экране еще десяток лет. Начиная с 1920 года индийский кинематограф постепенно обретал черты настоящей промышленности. Заметнее всего это сказалось на увеличении объема продукции, возросшем с восьми картин в год до восемнадцати (1920), сорока (1921), восьмидесяти (1925) и ста семидесяти двух в конце десятилетия. В 1918 году был принят "Индийский кинематографический акт", согласно которому выдавались лицензии на открытие кинотеатров и цензурировались импортные и индийские фильмы. Первым фильмом-рекордсменом стал фильм компании "Сайранри", снятый по эпизоду из "Махабхараты". Первым же индийским фильмом, в котором были задействованы иностранные актеры, стал "Калидаси". Он был снят по пьесе Калидасы на студии компании "Ориентал филм мануфакчуринг компани". Учредил эту компанию и спродюсировал фильм Сучет Сингх и пригласил на главную роль популярную американскую актрису Дороти Кингдом. Благодаря оглушительному успеху фильма Сингх снял еще пять фильмов: три игровых, хроникальный о похоронах Тилака и комедию "Три черта" с "индийским Чарли Чаплином" Пагалом. Увы, безвременная гибель Сучета Сингха оборвала его годичную кинокарьеру... После его кончины в киномире появились имена Дваркадаса Сампата и Манеклала Пателя, основавших компанию "Кохинор". Среди имен, открытых этими людьми - первые настоящие "звезды" Халил, Тара, Раджа Сандоу и режиссер К. Ратход. "Кохинор" известна также как компания, впервые осмеливавшаяся затронуть политическую тему в своих фильмах, как в "Праведном Видуре" (1921). Но не будем забывать о юге: Бенгалия и Мадрас зарекомендовали себя значительным числом фильмов. Самой популярной компанией стала "Мадан-тиэтрз", снявшая "Наль и Дамаянти", "Ночь Шивы" и другие фильмы. Но фильмы не были истинно бенгальскими, потому что во втором режиссером был француз Верган, а главные роли исполнили итальянцы Маналли. Первым по-настоящему бенгальским, а к тому же фильмом на социальную тему стал "Вернувшийся из Англии" Дхирена Гангули и с ним же в главной роли. Другая бенгальская компания - "Орора синема компани", в то время во главе с Анади Натх Боссом, существует по сегодняшний день и является одной из старейших кинокомпаний в мире. Но подлинным рождением южноиндийского кинематографа можно считать 1921 год, когда был выпущен "Подвиги Бхишмы". Бабурао Пейнтер - учредитель "Махараштра филм компани", открыл миру В. Шантарама. Сначала Шантарам был "мальчиком на побегушках", однако интересная внешность позволила ему сыграть роль Кришны в фильме "Сурекха и Харан" (1921 год). В 1981 году Шантарам отметил шестидесятилетие непрерывной актерской карьеры. Он стал по-настоящему большой "звездой". Среди нескольких его фильмов, вышедших за последующие два года 1921-1923 г.г., наибольший интерес представляет "Сингхгарх", где он сыграл восьмидесятилетнего старика. В начале 1922 года ведущими компаниями было снято несколько документальных фильмов на актуальные тогда темы: например, о сессии Национального конгресса в Ахмадабаде или футбольный матч компании "Мохан Баган" и др. Однако документальные и мифологические фильмы порядком приелись зрителям, поэтому компании приступили к освоению социальной проблематики. Но делалось это в несколько необычном для западного зрителя русле: например, фильм "Черный змей" (1924) - подлинная история о преступнике, державшем в страхе весь город. В главных ролях снялись Хоми Мастер и красавицы Султана и Зубейда. Такого рода "социальность" быстро вошла в моду. Ею соблазнился даже знаменитый Пхальке: он снял фильм-сатиру о предвыборной гонке "Муниципальные выборы" и фильм "Шарда", осуждающий традицию сватовства девушки. Были и фильмы с поистине забавными сюжетами, например "Матушка-корова" компании "Мадан-тиэтрз", поставленный под эгидой Всеиндийский ассоциации защиты коров. Уже в то время проявилась нелюбовь индийских зрителей к совместным с другими странами постановкам: "Савитри", снятый совместно с итальянской компанией, с итальянскими актерами и на фоне итальянских водопадов Тиволи успеха не имел. В это же время были созданы фильмы на политическую тему, например "Прялка" компании "Саураштра синематограф", в основу которого была положена история о благотворительном движении за ручное ткачество. "Кришна филмз компани" открыл первую индийскую "звезду" - актрису Гаухар в фильме "Богатство и глупцы". Другой великой кинозвездой стала Руби Майерс, под экранным псевдонимом Сулочана. Последняя стала знаменитой за необычные для Индии образы "современной Евы" и ее борьбу в мужском мире. С 1927 года она стала самой популярной актрисой, снимаясь наравне с Гаухар. Открытие индийского кинематографа всему миру состоялось в 1925-1926 г.г., когда выпустили "Свет из Азии" мюнхенской "Эмелка филм компани" и делийской "Грейт истерн корпорейшен". Фильм рассказывал о принце Сидхартхе, ставшем Буддой. Фильм имел скромный успех в Индии и оглушительный - в Европе. Женщины тем временем брали инициативу в свои руки: актриса Фатма Бегам с помощью трех очаровательных дочерей основала кинокомпанию "Фатма фильм корпорейшен" и стала первой женщиной-продюсером, режиссером и сценаристом. Именно в ее фильме "Сад фей и соловьев" впервые использовались профессионально поставленные танцевальные номера, без которых немыслимо современное коммерческое кино. Сильное влияние на индийское кино оказывала Америка. Например, в "Раджа Бходж", поставленном "Ройал-артс" снимались американские туристы, о чем не преминула сообщить одна из газет. Другой тенденцией кинематографа стали многочисленные документальные фильмы - как правило, хроники важных для Индии событий. Первый цветной фильм был выпущен небезызвестной компанией "Мадан-тиэтрз" - "Завещание Кришнаканты". А также был выпущен первый "серьезный", фильм параллельного жанра, снятый по роману Тагора "Жертва". Фильм назвали "превосходным, подлинно индийским". Если в Бомбее считался удачным фильм, который держался на экранах 6-8 недель, то их всех "переплюнул" "Джаядев" все той же компании "Мадан-тиэтрз" - 23 недели! Эта же компания выпустила другой рекордный фильм: 29 недель шел "Капал Кундала". В конце 20-х годов появились первые фильмы жанра "экшен" - А.Р.Курдара выпустил трюковой детектив "Таинственный орел". Подлинной сенсацией стало появление первых звуковых картин, привезенных из-за рубежа. В феврале 1929 года "Мадан-тиэтрз" показал озвученный фильм "Мелодия любви", а кинотеатр "Эксцельсиор" - "Прогулочный корабль". Эти картины ознаменовали собой начало звуковой эры, ставшей вскоре реальностью и для индийского кино. До появления в 1931г. первого звукового индийского кинофильма 85% кинофильмов, шедших на экранах Индии, были американскими. С выходом на экраны первого звукового фильма "Красота мира", озвученного сразу на хинди и урду, ситуация в индийском кинематографе изменилась коренным образом. В кинотеатры потоком хлынул неграмотный и полуграмотный зритель, что увеличило киноаудиторию в сотни раз. Появилось много новых кинокомпаний, создававших звуковые картины не только на урду и хинди, но и на многих региональных языках. Фильмы, отвечая запросам зрителя, имели много музыкально-танцевально-певческих номеров, количество которых в одном фильме порой достигали сорока. В 1934г. первый индийский фильм "Сита" (по мотивам "Рамаяны") был представлен на кинофестивале в Венеции. В 1935г. на экраны выходит фильм П. Баруа "Девдас" (в двух вариантах - на бенгали и на хинди, с разным актерским составом), один из первых фильмов нового социального кино, оказавший большое влияние на последующее развитие индийского кинематографа. "Девдас" - фильм о мужчине-неудачнике, не сумевшем выстроить свою жизнь и погубившем жизнь других, любивших его людей. Фильм был прохладно встречен критикой, но восторженно зрителями. В 1955г. появился римейк этого фильма, который снял один из ведущих кинорежиссеров Индии Бимал Рой. После "Девдаса" на экраны индийского кино вышел целый ряд фильмов социального протеста. В 1939г. индийское кино отметило свой серебряный юбилей. За это время индийское кино заняло четвертое место в мире по производству фильмов и восьмое место по доходам. К тому времени в кинопромышленности было занято более 40 тыс. человек. Вторая мировая война отрицательно сказалась на положении кинематографа. Основное внимание колониальные власти уделяли документальным фильмам, пропагандирующим боевые успехи англичан и союзников. Однако и в это время появился ряд очень хороших кинолент, одной из которых был фильм "Судьба", снятый в 1943г. режиссером Гьяном Мукхерджи. Фильм побил все кассовые рекорды и не сходил с экранов Калькутты три года и восемь месяцев. Успех картины определялся появлением на экране героя-преступника, а сам фильм отличался острым сюжетом и динамизмом действия. К тому же главную роль играл молодой Ашок Кумар, ставший одним из идолов индийского кино. После обретения независимости начался новый этап развития индийского кинематографа, ставшего национальным явлением. Центральные и региональные власти стали оказывать кинопроизводству финансовую и иную помощь. В 1954г. была учреждена "Медаль президента" за лучший фильм года и Национальная кинопремия по целому ряду номинаций (лучший фильм, лучший режиссер и т.д.). В 1959г. в г. Пуна был открыт Институт кинематографии (ставший потом Институтом телевидения и кинематографии). В 1960г. была учреждена Национальная корпорация по развитию киноискусства, перед которой была поставлена задача способствовать производству качественного кино. Развитие национального кинематографа пошло по двум путям: по пути создания идейно-игровых фильмов, начало которому положили фильмы, снятые в 40-е г.г. при участии Ассоциации прогрессивных писателей Индии и Индийской ассоциации народных театров (например, фильм К.А. Аббаса "Дети земли", вышедший на экраны в 1943г.), и по пути производства коммерческих развлекательных фильмов. Некоторые исследователи предполагают, что фильмы первой группы составляют не более 5% от всего кинопроизводства, но именно эти фильмы получают награды международных кинофестивалей. 50-е г.г. знаменательны появлением первой и самой знаменитой картины классика индийского кино, единственного индийца, удостоенного приза Американской академией киноискусства ("Оскар") Сатьяджит Рея, создавшего в 1955г. фильм "Песнь дороги", получившей две премии на Каннском фестивале 1956 г. Наряду с этой кинолентой внимания заслуживают и остросоциальные фильмы известных у нас Радж Капура "Бродяга" (1951), "Господин 420" (1955), "Две меры земли" (1953) Бимала Роя. Последний фильм перекликается с картиной "Похитители велосипедов" Витторио де Сика, одного из зачинателей итальянского неореализма. Знакомство индийского зрителя с мировым киноискусством состоялось во время первого Международного кинофестиваля, проходившего в Индии в 1951г. (подобные фестивали регулярно проводятся в Индии; главный приз - "Золотой павлин").

РОЙ Бимал (1909 — 1967), индийский кинорежиссер. В кино с 1935 года. Начинал как кинооператор, за 8 лет снял 13 фильмов. В 1943 году дебютировал как режиссер, поставив фильм «Бенгальский голод». Наиболее известные фильмы Роя: «Два бигха земли» (1953), «Бирадж Баху» (1954), «Заключенная» (1963) и др. Всего поставил 27 фильмов.

АББАС (Abbas) Ходжа Ахмад (1914-1987), индийский писатель, кинорежиссер. Писал на урду и английском языке. Автор социальных романов из индийской жизни; киносценариев: «Бродяга» (1951), «Господин четыреста двадцать» (1955) и еще 16 сценариев. Постановщик фильмов: «Ганга» (1954), «Хождение за три моря » (1957, совместно с советским режиссером В. М. Прониным). Всего как режиссер поставил 33 фильма, преимущественно по своим сценариям.

СЕН (Sen) Мринал (р. 1923), индийский режиссер, сценарист, писатель. Его путь к профессии был непростым — сначала попробовал свои силы в медицине, журналистике и лишь затем пришел в кинематограф. Человек с четкой политической ориентацией, член Коммунистической партии Индии, Сен увидел в кино прежде всего возможность реалистического отображения действительности, всех сложных социальных и политических проблем, с которыми связана жизнь индийского общества. Но уже его ранние работы «День свободы» (1960), «Два брата» (1967), «Бхуван Шом» (1969) продемонстрировали, что в индийском кино появился интересный художник со своим видением мира, в творчестве которого органично соединены политическая актуальность и художественная выразительность. Совместно с другим режиссером А. Каулом Сен стал автором «Манифеста нового кино», по всем своим параметрам противостоящего штампам и стереотипам коммерческих, развлекательных картин. Основные принципы, провозглашенные в «Манифесте», были впоследствии реализованы в творчестве Сена. Политическая ангажированность его лент не вызывает сомнения — особенно ярко это было заметно в знаменитой серии фильмов о Калькутте: «Собеседование» (1971), «Калькутта-71» (1972), «Рядовой» (1973), «Хор» (1974, приз МКФ в Москве-75). Но Сен не был бы значительным художникам, если бы социальная и политическая тематика фильмов не подкреплялась талантом автора, умением создать удивительно эмоциональные и емкие образы. Постоянный эксперимент в области выразительных средств кинематографа позволяет говорить о Мринале Сене, прежде всего как об ищущем режиссере. В отличие от многих своих коллег, предпочитающих использовать лишь прошлый опыт, однажды принесший им успех, Сен относится к числу тех режиссеров- новаторов, которые никогда не бывают довольны достигнутым. С годами его картины стали глубже и серьезней, в них больше внимания уделяется раскрытию внутреннего мира героев, ибо, по мысли автора, только через характер персонажа, осознание проблем жизни обыкновенного человека можно понять проблемы общества в целом. Плодотворность такого подхода к кинематографу доказали такие работы мастера, как «Парашурам» (1978, приз МКФ в Москве-79), «Анатомия голода» (спецпремия МКФ в Западном Берлине-81), «Дело прекращено» (1982, приз МКФ в Канне-83), «Развалины» (1983, главная премия МКФ в Чикаго-84), «В доме» (1996) и другие ленты. Всего Сен поставил 18 фильмов.

КАПУР (Kapoor) Радж (1924 — 1988), индийский режиссер. продюсер, актер. Сын известного актера Притхвираджа Капура, свою первую роль в кино Радж сыграл уже в возрасте одиннадцати лет. Несколько лет работал на студии «Бомбей токиз» в качестве ассистента режиссера. В 1948 основал свою студию «Радж Капур филмс», которая благодаря успеху его картин вскоре превратилась в одну из ведущих в стране. В большинстве своих фильмов Капур был не только режиссером, но и исполнителем главной роли. В ранних лучших работах «Бродяга» (1951), «Господин 420» (1955) создал запоминающийся образ маленького человека, бесконечно доброго и обаятельного, который ни при каких обстоятельствах не терял оптимизма и веры в будущее. Ленты с участием «индийского Чаплина», как называли критики Капура, с триумфом прошли по экранам всего мира, завоевав сердца аудитории. Умение Капура сочетать развлекательность и критическое отношение к социальной несправедливости принесло ему репутацию борца за человеческое равноправие, хотя это и не вполне соответствовало действительности. Фильмы этого режиссера по своей направленности прежде всего были зрелищными коммерческими лентами, и все происходящее в них весьма мало напоминало реальность. Музыкальные картины, мелодрамы, приключенческие фильмы — таков его диапазон. Но никто не мог отрицать и то, что все его работы гуманистичны и добры. В финале порок неизменно был наказан, добро торжествовало. Фильмы этого режиссера по своей направленности, прежде всего, были зрелищными коммерческими лентами, и все происходящее в них весьма мало напоминало реальность. Музыкальные картины, мелодрамы, приключенческие фильмы — таков его диапазон. Но никто не мог отрицать и то, что все его работы гуманистичны и добры. В финале порок неизменно был наказан, добро торжествовало победу, а все герои получали по заслугам. Будучи талантливым человеком и удачливым бизнесменом, Капур безошибочно находил важные для индийского общества темы, такие, как, например, детская преступность («Чистильщик обуви», 1954), судьба беженцев из Пакистана («Сангам», 1964), кастовое неравенство в фильме «Бобби», (1973) и умело использовал их в качестве канвы для создания ярких, бесспорно профессиональных, но развлекательных фильмов. Его смерть была воспринята в стране как национальная трагедия — умер «король индийского экрана».

РЕЙ (Ray) Сатьяджит (1921 — 1992), индийский режиссер, писатель, сценарист, композитор. Внук известного бенгальского музыканта и издателя Рея-Чоудхури, сын знаменитого поэта и сатирика Сукумара Рея вырос в семье потомственных калькуттских интеллигентов. С детства находясь в творческой среде, общаясь с замечательными художниками, писателями, композиторами, которые посещали их дом, Рей считал своим духовным наставником и гуру великого философа и гуманиста Рабиндраната Тагора, друга своего деда. Позже Рей неоднократно экранизировал произведения Тагора — «Три дочери» (1961), «Чарулота» (1964, приз МКФ в Западном Берлине-65), «Дом и мир» (1983). Увлечение искусством кино, участие в организации Калькуттского кинематографического общества, знакомство с шедеврами мирового экрана и, наконец, работа в качестве ассистента у известного французского режиссера Жана Ренуара на фильме «Река» (1951) способствовали становлению Рея как режиссера, приобретению им необходимого опыта и профессионализма. Уже первая самостоятельная работа — «Песнь дороги» (1955, приз МКФ в Канне-56) стала огромным международным триумфом Сатьяджита Рея. Он стал первым индийским режиссером, чье творчество нашло столь широкое признание. Практически все его картины, такие, как «Непокоренный» (1956, главный приз МКФ в Венеции-57), «Мир Апу» (1959), «Большой город» (1963, приз МКФ в Западном Берлине-64), «Герой» (1965, почетный приз МКФ в Западном Берлине-66 за творчество), «Дни и ночи в лесу» (1970), «Отдаленный гром» (1973, главный приз МКФ в Западном Берлине-74), «Шахматисты» (1978) и многие другие с успехом демонстрировались в разных странах и получили награды на престижных фестивалях. Впервые Рей открыл изумленным иностранцам кинематограф своей страны. На экране представала сама Индия, страна великой самобытной культуры, в истории которой самым затейливым образом переплелись национальные традиции и нововведения европейской цивилизации. Будучи тонким художником-реалистом, Рей создавал на экране свой особый мир, где нет места суете, и этот замедленный ритм, неторопливое повествование, пристальное «вглядывание» в лица людей и детали быта, окружающие их, способствовали проникновению в тайну своеобразного «индийского менталитета». Автор сумел объяснить зрителям основы мировоззрения и философии индийцев, чтобы они могли полюбить этот народ и проникнуться чувствами героев его картин. Однако главная заслуга Сатьяджита Рея заключается не только в том, что он «открыл» для мира индийский кинематограф и заставил изменить многие привычные представления и стереотипы о нем. Прежде всего, игровые и документальные фильмы режиссера существенно повлияли на качественное состояние национального кино, подняв его на другой, гораздо более высокий художественный уровень. За месяц до смерти тяжело больной Рей успел получить специальную премию «Оскар» за творчество.

БЕНЕГАЛ Шьям (р. 1934), индийский режиссер. Кузен известного актера и режиссера Гуру Датта. Бенегал с детства мечтал о карьере кинорежиссера. Свой первый фильм снял любительской камерой в возрасте двенадцати лет. Получив высшее образование сначала в области экономики в Хайдарабадском университете, а затем и в институте кино и телевидения в Пуне, Бенегал, прежде чем снимать игровые картины много лет работал в рекламных агентствах, стажировался на телевидении Великобритании и США, делал документальные ленты. Дебют в игровом кино — «Росток» (1974), рассказ о нелегкой судьбе деревенской женщины, принес молодому режиссеру успех. Критики и зрители не могли не отметить профессионализм и высокий художественный уровень фильма. Динамично развивающийся сюжет, прекрасная игра актеров, острая социальная направленность лент становятся «визитной карточкой» Бенегала. В отличие от многих своих коллег по «новому индийскому кино», увлекшихся экспериментами в поисках новых выразительных средств, делая упор на актуальность и злободневность поднимаемых проблем, порой пренебрегая вкусами рядовых зрителей, Бенегал всегда стремился в своих картинах соединить значимость темы со зрелищностью и занимательностью киноматериала. Именно этим прежде всего и объясняется значительный коммерческий успех его лент. Такие фильмы режиссера, как «Конец ночи» (1975), «Век Кали» (1981), «Базар» (1983), «Сардари Бегам» (1996) и многие другие (Бенегал является постановщиком восемнадцати полнометражных игровых картин), привлекли к себе внимание тонкостью психологических портретов героев, интересными изобразительными решениями, выстроенностью сюжетов и продуманностью каждой мизансцены, широким использованием национальной музыки. Бенегал относится к тем режиссерам индийского кино, которые стремятся в своем творчестве соединить технические достижения Запада с углубленным миросозерцанием и философией Востока.

ГОПАЛАКРИШНАН (Gopalakrishnan) Адур (р. 1941), индийский режиссер, актер, сценарист, драматург, писатель. Выходец из богатой семьи, Гопалакришнан в кинематограф пришел не сразу. И хотя его родители слыли меценатами и покровительствовали театру Катхакали, а мальчик с детства был хорошо знаком с миром театра и в восемь лет выступал на сцене, прошел достаточно длительный срок, прежде чем Гопалакришнан сделал окончательный выбор. Сначала он окончил сельскохозяйственный факультет университета, затем работал режиссером в театре. В 1962 поступил на режиссерский факультет киноинститута в Пуне. А по его окончании в 1965 году организовал в Тривандруме производственный кинокооператив для создания авторских фильмов. Восхищаясь творчеством Сатьяджита Рея, многие свои ленты Гопалакришнан делал, находясь под сильным влиянием этого художника. И уже его первая картина «По своей воле» (1972) заставила критиков обратить внимание на творчество Гопалакришнана. Умение режиссера создать особую психологическую атмосферу, убедительно объяснить мотивацию поступков героев, выстроить интересный сюжет отличает большинство его работ. Такие фильмы режиссера, как «Крысоловка» (1983), «Лицом к лицу» (1984), «Монолог» (приз ФИПРЕССИ в Венеции—88), «Стены» (1989), «Человек истории» (1996) неизменно привлекают зрителей остротой поднимаемых вопросов, необычайной убедительностью и достоверностью характеров. Свои взгляды на кинематограф как средство воспитания общества Гопалакришнан изложил в книге «Мир кино»(1983). Также пишет сценарии, статьи, ставит спектакли в театре.

КАПУР Шекхар (Shekhar Kapur) (р. 1945), индийский кинорежиссер. Племянник актеров Виджая Ананда и Дева Ананда. В начале 1970-х годов Шекхар Капур обучался менеджменту в Великобритании. Однако вскоре он вернулся на родину и стал актером в Болливуде. В течение семи лет он состоял в близких отношениях с Шабаной Азми. Больших успехов на актерском попроще Шекхар не достиг и занялся режиссурой. Как постановщик он дебютировал картиной «Невиновный» в 1983 году. Известность ему принесла биографическая лента «Бандитская королева» (1994). Она рассказывала о реальной преступнице Пула Деви, происходящей из низшей касты индийского общества. Этот фильм был замечен на международном уровне и Шекхар Капур получил приглашение поработать в Голливуде. В 1998 году на экраны вышла его историческая картина «Елизавета». Роль английской королевы Елизаветы I в ней сыграла Кейт Бланшетт. Лента снискала большой успех у зрителей и была выдвинута номинантом на приз «Оскар» как лучший фильм года. После этого триумфа режиссер несколько лет работал в Индии, а в 2002 году поставил батально-историческую драму «Четыре пера».

МЕХТА (Mehta) Кетан (р. 1953), индийский режиссер. Относится к числу самых интересных и неординарных режиссеров Индии. Получил образование сначала в Дели в колледже св. Стефана, затем окончил режиссерский факультет киноинститута в Пуне. Некоторое время занимался исключительно документальным кино, затем работал на телевидении, сделал несколько постановок в театре. Внимание к себе привлек документальным фильмом «Опыт Индии» (1979). Дебют Мехты в игровом кино состоялся в 1980, и сразу же его картина «Бхавни Бхаваи» получила две национальные премии, и была отправлена на фестиваль в Нью-Йорк, где также не осталась незамеченной. Последующие работы режиссера, среди которых следует выделить «Праздник Холи» (1984), «Народный театр» (1980), «Рыночная площадь», «Горький перец» (1987) чрезвычайно интересны, прежде всего, тем, что в них автор сумел показать жизнь штата Гуджарат во всем многообразии проявлений, где традиции прошлого смешиваются с нововведениями, а грустное зачастую соседствует со смешным. Яркие человеческие образы этих лент запоминаются надолго. Необходимо отметить и еще одну заслугу Кетана Мехты перед национальным кино — именно в его фильмах впервые по-настоящему раскрылся драматический талант таких интересных индийских актеров, как Смита Патиль, Ом Пури, Нисируддин Шах.

НАИР Мира (р. 1957), индийский кинорежиссер, первая женщина, получившая «Золотого льва» — главную награду Венецианского кинофестиваля. Мира Наир родилась в семье служащего. Образование она получила в ирландской католической школе в Симле и университете в Дели. Как актриса Мира дебютировала на сцене профессионального театра в Дели. В 1976-1979 года она училась в Гарварде и получила ученую степень по социологии. Тогда же Наир начала делать документальные фильмы, которые были отмечены призами на международных кинофестивалях. Режиссер постоянно живет и работает в США. В 1988 году картина «Салям, Бомбей» была удостоена премии Каннского кинофестиваля «Золотая камера» за лучший дебют и номинировалась на приз «Оскар». Коммерческим успехом пользовался фильм Миры Наир «Камасутра - история любви». В лентах «Индийское кабаре», «Семья Перес», «Моя родина» режиссеру удалось соединить традиционный образ Индии и ее новый эмансипированный имидж. Действие картины «Миссисипи-Массала» происходит внутри колонии индийских иммигрантов в Америке. В 2001 году фильм «Свадьба в дождливый сезон» получил премию «Золотой лев».

Актеры:

Азми Шабана (Azmi) (р. 1950), индийская актриса. Дочь поэта Кейфи Азми и театральной актрисы Шаукат. Стройная гибкая красавица с тонким одухотворенным лицом и огромными выразительными глазами, Шабана уже при поступлении на актерский факультет Института кино и телевидения в Пуне привлекла к себе внимание режиссеров и продюсеров. Ее первое появление на экране в картине Шьяма Бенегала «Росток» (1972) заставило критиков заговорить о появлении неординарной актрисы, внешняя привлекательность которой сочетается с большим талантом, серьезным и требовательным отношением к работе. За свою актерскую карьеру Азми сыграла множество ролей, став одной из самых любимых и популярных актрис Индии. Ей довелось работать с лучшими режиссерами страны — С. Реем в фильме «Шахматисты» (1977), Ш. Бенегалом в фильмах «Конец ночи», «Базар», «Безумие», М. Сеном в фильмах «Генезис» (1986), «Однажды». Не раз она с успехом снималась в американских и европейских фильмах, таких как: «Мадам Сузацкая» (1988), «Город радости» (1992), «Божья коровка, божья коровка» (1993). Азми несвойственны излишняя жестикуляция и преувеличенная мимика, которыми часто грешат индийские актрисы; она умеет через скупой жест, изменившееся выражение глаз, почти неприметный поворот головы передать чувства и эмоции, испытываемые ее героинями.

Капур (Kapoor) Шаши (р. 1938), индийский актер, режиссер, продюсер. Младший брат «короля индийского экрана» Раджа Капура впервые появился на сцене в возрасте шести лет, а на экране — в десять, снявшись в эпизодической роли подростка в фильме брата «Огонь» (1948). Затем много лет работал в труппе Шекспировского театра Джозефа Кендалла, а через некоторое время женился на его дочери Дженнифер, актрисе того же театра. В кино вернулся в 1960 и вскоре стал одним из самых популярных индийских актеров. Высокий, стройный, с красивыми вьющимися волосами и тонкими чертами лица, он идеально подходил для ролей героев-любовников. За свою творческую карьеру Шаши Капур переиграл огромное множество подобных образов. «Любовь — это жизнь», «Стена», «По закону чести» (1967) — уже по названиям можно судить о содержании этих лент. Но мягкая, «интеллигентная» манера игры, профессионализм, приобретенный в театре, сделали его фигуру привлекательной и для западного кино. С успехом снялся в нескольких картинах Дж. Айвори, включая «Домовладелец» (1963) и «Жара и пыль» (1983), а также в фильмах «Сиддхартха» (1968) К. Рукса, «Сэмми и Рози ложатся в постель» (1987) С. Фрирза, «Божья коровка, божья коровка» (1993) К. Лоуча. Не меньших успехов Шаши Капур добился и в качестве продюсера серьезных и интересных лент «Чоуринги Лейн 36» (1992, А. Сен), «Безумие» и «Век Кали» Ш. Бенегала.

Баччан (Bachchan) Амитабх (р. 1942), индийский актер. Сын известного поэта Хариваншрая Баччана с детства мечтал о карьере артиста. У него для этого были все данные — высокий, красивый брюнет с правильными чертами лица и удивительно приятным, бархатным баритоном. Последнее позволило Баччану сначала работать диктором на радио. Первая роль в фильме «Семь индийцев» (1968) Х. А. Аббаса хотя и не принесла особого успеха, но не прошла незамеченной. Актера все чаще начинают приглашать на главные роли в развлекательных лентах. И уже к середине 70-х годов он становится самым кассовым актером и «звездой №1» в индийском коммерческом кино. Складывается также и постоянный имидж — рыцарь без страха и упрека, всегда готовый прийти на помощь слабому. Но огромный успех актера был обусловлен и значимостью личности самого Баччана, его неповторимым человеческим и мужским обаянием, стремлением привнести в предлагаемый образ жизненность и правдоподобие. Фильмы с участием этого актера пользовались беспрецедентным успехом, многие из них демонстрировались и в нашей стране: «Амар, Акбар, Антоний», «По закону чести», «Затянувшаяся расплата» и другие. Баччан в глазах индийцев стал символом нации, и когда во время съемок ленты «Кули» получил травму, вся страна с волнением ждала ежедневных сообщений о его здоровье. Будучи другом и соратником семьи Ганди, актер успешно совмещал актерскую деятельность с политической — несколько лет был членом Индийского парламента.

Чакраборти Митхун (р. 1947), индийский актер. Высокий, стройный, смуглый брюнет с большими печальными глазами и выразительной мимикой, Митхун Чакраборти не сразу стал «звездой» индийского коммерческого кино. Честь его открытия как актера принадлежит Мриналу Сену, который пригласил тогда еще никому не известного юношу на главную роль в своем фильме «Королевская охота», суровую реалистическую картину. Да и самому Чакраборти в то время больше по душе приходились социальные картины, в которых была резкая критика правительства страны, но политические ленты с его участием, такие, как «Наксалиты», Мы впятером» не принесли кассовых доходов. Однако продюсеры успели заметить и оценить темпераментную и выразительную игру актера и поспешили предложить ему роли в коммерческих боевиках. Индийскому развлекательному кино 80-х годов был необходим новый герой — прежний кумир публики Амитаббх Баччан по возрасту уже не мог играть роли молодых искателей приключений, и в лице Митхуна он был найден. Ошеломляющий успех картин «Танцор Диско» и «Танцуй, танцуй» сделали актера «звездой № 1» индийского кино. Теперь только упоминание в титрах картины его имени гарантировало ее создателям огромные прибыли. И хотя творческий диапазон актера гораздо шире, чем рамки коммерческого кино, о чем свидетельствует национальная премия за актерское мастерство в серьезном социальном фильме «Их история» режиссера Дасгупты, поклонникам индийского кино он известен, прежде всего, по ролям в бесконечных развлекательных лентах.

Шах (Shah) Насируддин (р. 1950), индийский актер. Получил образование в театральной школе в Дели и киноинституте в Пуне. Его имя в ранге звезд стоит особняком. С одной стороны, Шах бесспорно принадлежит к числу самых популярных и высокооплачиваемых актеров индийского кино, с другой, едва ли не единственный артист, не имеющий определенного амплуа. В отличие от своих коллег, которые на протяжении всей творческой карьеры эксплуатируют один и тот же образ, Шах с одинаковой легкостью и блеском справляется с ролями самого разного плана. Невысокого роста, худощавый, с узко поставленными небольшими глазами и крючковатым носом, он отнюдь не блещет красотой. Но стоит актеру улыбнуться, как сразу же преображается его лицо, и обаяние этого человека делает его крайне привлекательным. Творческий диапазон Шаха поистине неисчерпаем. Он великолепен в трагедийных ролях («Крик раненого» Г. Нихалани), убедителен в серьезных драматических произведениях («Трудная роль» Ш. Бенегала), бесконечно обаятелен в лирических фильмах («Прикосновение» С. Паранжпе), способен вызвать гнев и отвращение к своему отрицательному персонажу («Базар» Ш. Бенегала) и, наконец, может рассмешить аудиторию, выступая в комедийной роли («Горький перец» К. Мехты). Более того, Шах — один из немногих актеров, который одинаково успешно работает и в коммерческом развлекательном кино («Трое разгневанных мужчин» Р. Рая), и в фильмах режиссеров, представляющих «новое кино». Лауреат Венецианского кинофестиваля в номинации «Актер» за 1984 год.

Китай.

Первый кинопоказ в Китае произошел в 1896 году. Один французский предприниматель в шанхайской чайной показал китайским зрителям пюмьеровские короткометражки. И до 1917 года в стране демонстрировались исключительно иностранные фильмы. В 1905 году был снят первый китайский документальный фильм о пекинской опере «Динцзюншань». Но киноработы периода до 1919 снимались исключительно в угоду власть имущим. После 4 мая 1919 года появились фильмы, посвященные борьбе с угнетателями. К лучшим фильмам того периода относятся «Песня рыбаков», «Украденная молодость», «Перекресток», «Реки текут на восток» и «Огни большого города». 1921 году был снят первый китайский полнометражный игровой фильм «Ян Жуйшен». Чуть позднее режиссер Чжен Чженцю поставил фильм «Несчастные супруги», положивший начало фильмам о семейной морали. Всего до 1931 года в Китае было выпущено около 300 фильмов. К этому моменту в стране насчитывалось 596 кинотеатров, преимущественно показывавших английскую и американскую продукцию (в год демонстрировалось 200-300 иностранных фильмов). Большое влияние на развитие китайского кинематографа оказала борьба против японских захватчиков, начавшаяся в 1931 году. В этом же году ба создана первая независимая киностудия «Ляньхуа», а на ней поставлен первый китайский звуковой фильм «Певица Красный пион». В 1935 году на Московском кинофестивале китайский фильм «Рыбацкая песня» был удостоен почетного диплома. Эта была первая международная награда, полученная китайскими кинематографистами. В 1941 году вышел первый китайский анимационный фильм «Принцесса железного веера», который сразу же получил заслуженное признание. В 1953 году был снят первый цветной игровой фильм «Лян Шаньбо и Чжу Иньтай». В 1956 китайский кукольный фильм «Волшебная кисть» получил главную премию на 8-ом международном фестивале детский фильмов. В 1962 году в Китае первый цветной широкоэкранный стереофильм «Приключения фокусника». Одним из первых фильмов, получившем всеобщее признание был «Красный гаолян» режиссера Чжан Имоу (1987, «Золотой медведь» на 38-м Берлинском фестивале). Нельзя не отметить также фильм «Старый колодец» режиссера У Таньмина, получивший в 1987 году Гран-при 2-го Токийского международного кинофестиваля. Фильм «Прощай, моя наложница» режиссера Чан Кайгэ в 1993 году получил «Золотую пальмовую ветвь» в Каннах, а в 1994 был признан лучшим зарубежным фильмом на фестивале «Золотой глобус». Трудно даже перечислить все призы и награды, полученные китайскими кинематографистами за последние 15-20 лет, другими словами, за эти годы гадкий утенок превратился в прекрасного лебедя, в одного из лидеров мирового кинематографа.

ВУ (Woo) Джон (р. 1946), гонконгский и американский режиссер, сценарист, продюсер, актер. Настоящие имя и фамилия — У Юйсен. Выступал также под псевдонимами У Сянфэй, У Юйшен и др. Родился в семье университетского преподавателя, перебравшейся в 1949 году из Гуанчжоу в Гонконг. Обучаясь в колледже «Маттео Риччи», стал играть в любительском театре, а в 19 лет снял свой первый короткометражный фильм. В 1969 году был принят ассистентом режиссера на киностудию «Шоу Бразерс», где 4 года спустя поставил первую полнометражную картину «Молодые драконы». Работал в различных жанрах — комедия, экранизация китайской оперы, фильмы кун-фу, причем в последних снимал еще начинающих в то время Джекки Чана и Само Хуна («В лапах смерти»/«Шаолиньцы», 1976). Переломным в карьере Ву стал 1986 год, когда его гангстерские боевики «Лучшее завтра» (1986) и «Лучшее завтра—2» были с интересом восприняты за пределами Гонконга. Удачно найденный актер (Чоу Юнь Фат) и ряд характерных режиссерских приемов (стоп-кадр, замедленное и покадровое воспроизведение, «танцевальная» пластика) превратили картины Ву в «культовое кино», лучшими образцами которого стали «Наемный убийца» (1989), «Пуля в голову»(1990), «Крутые»(1992). В 1993 году Ву был приглашен в Голливуд. Здесь его боевики «Трудная мишень» (1993, с Жан-Клодом Ван Даммом) и «Сломанная стрела» (1996, с Джоном Траволтой) явно потеряли в своеобразии, но, тем не менее, заняли заметное место в американском «мэйнстриме». Продолжает снимать рассчитанные на коммерческий успех боевики, среди наиболее удачных «Без лица» (1997), в котором сыграли Джон Траволта и Николас Кейдж, и сиквел «Миссия невыполнима—2» (2000), с Томом Крузом в главной роли.

ЯНГ (Yang) Эдвард (Edward) (р. 1947), тайваньский режиссер. Родился в Шанхае. Вырос в Тайбее. Получив инженерное образование, перебрался в США, где работал в Сиэтле в области информационных технологий. Вернувшись на Тайвань в начале 1980-х годов, окунулся с головой в мир кино, занялся кинорежиссурой. На Каннском кинофестивале 2000 фильм Янга «И раз, и два» был отмечен призом за лучшую режиссерскую работу. Высоко был оценен критиками и следующий фильм режиссера «Любовное настроение» (2000).

ХОУ Сяосянь (р. 1947), тайваньский режиссер, сценарист, продюсер, актер. Родился в Китае, но с раннего детства жил на Тайване. После службы в армии закончил Национальную академию искусств, работал на киностудии сценаристом, ассистентом режиссера. Один из первых опытов самостоятельной постановки — новелла «Кукла сына» в фильме «Человек-сэндвич» (1984). Взяв на вооружение эстетику классиков мирового кино 50-60-х годов (Бергман, Висконти, Куросава), Хоу Сяосянь стал обращаться к социально-острым, психологически-рельефным сюжетным конструкциям. Его «Город печали» (1991, «Золотой лев» МКФ в Венеции) стал первой частью своеобразного триптиха, посвященного драматическим эпизодам недавней истории Тайваня на примере различных представителей тайваньского общества. Две другие картины этого цикла «Кукловод» (1993) и «Хорошие мужчины, хорошие женщины», 1995 были проникнуты уважением к национальной традиции в сочетании с либерализмом, но страдали чрезмерной монотонностью и тяжеловесностью формальных решений. Те же упреки вызвала и лента Хоу «До свиданья, юг, до свиданья!» (1996), в центре которой проблема душевной опустошенности молодых тайваньцев.

ВАН Уэйн (р. 1949), гонконгский и американский режиссер, сценарист, продюсер. Китаец по происхождению. Закончил художественный колледж в Окленде. В 1970-х годах работал на телевидении и киностудиях Гонконга, с 1980-х — в США. Удачно выступал в жанре иронической драмы, героями которой были китайцы, обосновавшиеся в США — «Дим Сум: частица сердца» (1984), «Откушай чашку чая» (1989). Громадным успехом пользовалась его картина «Клуб радости и удачи» (1993) о судьбах нескольких эмигранток из Китая. Благодаря сотрудничеству с писателем Полом Остером успешно преодолел рамки «этнической» темы и дал любопытный срез жизни американского среднего класса в фильмах 1995 года «Дым» (специальная премия МКФ в Берлине) и «Синева перед глазами». В 1997 г. снял фильм «Китайская коробка» с участием звезд западного и китайского кино (Дж. Айронс, Гун Ли, М. Чун). В 1999 снял мелодраму «Где угодно только не здесь» с Натали Портман в главной роли.

ЧЖАН Имоу (р. 1950), китайский режиссер. Родился в семье бывшего подполковника гоминьдановской армии, долгие годы сохранявшего верность прежним устоям и традициям. Работать начал в годы «культурной революции» (1968), сначала в сельхозкоммуне, затем — на прядильной фабрике, где, наряду с тяжелым физическим трудом, выполнял обязанности художника-оформителя и фотографа. Его репортажные фотографии не раз публиковала провинциальная газета. В 1978 году Чжан поступил в Пекинский киноинститут, а через четыре года закончил его с дипломом оператора. Попав по распределению на киностудию Гуанси-Чжуанского автономного района, он уже в первой своей работе («Один и восемь», режиссер Чжан Цзюньчжао) обратил на себя внимание нетипичным для кино КНР использованием естественного освещения. Будучи оператором на фильмах своего однокурсника Чэнь Кайгэ «Желтая земля» (1984), «Большой парад» (1985), он внес серьезный вклад в эстетику кино «пятого поколения», отошедшего от архаичных канонов построения кадра и светописи. В 1985 перешел в штат более крупной Сианьской киностудии, где проявил себя не только как оператор, но и актер «Старый колодец» (1987, приз Токийского МКФ за лучшую мужскую роль). Здесь он дебютировал и как режиссер-постановщик, сумев одним фильмом «Красный гаолян» (1987) снискать признание элитарного зрителя за рубежом («Золотой медведь» МКФ в Берлине) и массового зрителя на родине в Китае. Однако последовавшие за тем «Цзюйдоу»(1990) и «Подними красный фонарь» (1991, «Серебряный лев» МКФ в Венеции) упрочили его репутацию режиссера для элиты, мастера цветовой символики, певца «мятежного эроса», воплощенного в облике молодой непокорной героини (ее постоянно играла китайская актриса Гун Ли, на тот момент возлюбленная режиссера). Снятая «под документ» социальная комедия «Цюцзю обращается в суд» (1992, «Золотой лев» МКФ в Венеции) была любопытной и успешной попыткой Чжана приблизиться к проблемам современного Китая. Вместе с тем, сдержанное одобрение, с которым властные структуры КНР встретили «Цюцзю», быстро сменилось раздраженной реакцией на фильм «Жить» (1994, специальный приз жюри МКФ в Канне) — горьковато-ироничную повесть о жизни пекинской семьи в годы «культурной революции». Изысканно снятый и озвученный, но лишенный динамизма триллер о китайской мафии 1930-х годов «Шанхайская триада» (1995) был прохладно встречен и в КНР, и за ее пределами. Такая же печальная судьба постигла и фильм «Сохраняй спокойствие» (1997), который был отозван китайскими властями с конкурса МКФ в Канне, где считался одним из фаворитов (позднее фильм отправили на фестиваль в Венецию, но там он остался без призов). Позднее режиссер отказался от чрезмерной социальной заостренности. В драме «Ни одним меньше» (1999) — гран-при Венецианского фестиваля — рассказал трогательную историю 13-летней девочки, которая, заменяя сельскую учительницу, пытается вернуть в школу сбежавшего ребенка. Фильм, снятый на государственные деньги, не подвергался цензурным ограничениям, как предыдущие работы режиссера. Его новый фильм «Дорога домой» (1999) — сага о жизни простых китайцев, охватывающая четыре десятилетия. Картина получила гран-при Берлинского фестиваля, председателем жюри которого являлась Гун Ли, бывшая возлюбленная режиссера.

ЧЭНЬ Кайгэ (р. 1952), китайский режиссер, сценарист. Сын известного китайского кинорежиссера Чен Хуайкая, Чен Кайге после окончания школы работал в сельхозкоммуне на юге Китая, служил в армии. В 1978 году он поступил в Пекинский киноинститут, где в то время формировался костяк «пятого поколения» китайского кино. Первая же полнометражная картина Чэня — «Желтая земля» (1984) — стала примером творческого переосмысления идей европейского модернизма и была воспринята за рубежами КНР как начало «нового китайского кино» (главный приз МКФ в Локарно). Фильм «Большой парад»(1986) подогрел интерес к Чен Кайге как к «нонконформисту» и мастеру психологического портрета, а «Король детей» (1987), хотя и встретил прохладный прием в Канне, закрепил за ним репутацию «режиссера-философа». Два года Чень Кайге стажировался в Нью-Йоркском университете и вынашивал замысел своей новой картины. К сожалению, поэтическая притча «Жизнь на струне» («Иди и пой», 1991) событием киногода не стала: в сравнении с фильмами других китайских режиссеров (Чжан Имоу, Хоу Сяосянь) она выглядела художественно и социально анемичной. Вскоре, однако, Чен Кайге смог в полной мере реабилитировать себя фильмом «Прощай, моя наложница» (1992). Повесть о жизни двух актеров китайской оперы, фоном которой стали важнейшие события истории Китая 20 века, была рассказана увлекательно, ярко и, с точки зрения обращения к «запретным» для кино КНР темам, смело («Золотая ветвь» МКФ в Канне). За этим успехом последовал длительный перерыв. «Луна-соблазнительница» (1996) — драма из жизни «сливок» китайского общества 1920-х годов — снималась мучительно, тяжело, но новым достижением в творчестве Чена Кайге не стала. В 1999 году режиссер снял костюмную эпическую драму «Император и убийца» о жизни средневекового Китая. В 2001 году в Великобритании Чен Кайге снял триллер «Убей меня нежно».

ХУН (Hung) Само (р. 1952), гонконгский актер, режиссер, сценарист, продюсер, постановщик трюков и боевых поединков. Другие имена — Хун Цзянбао, Хун Кам Бо. Учился в Пекинской опере вместе с Дж. Чаном и Юэнем Бяо. Позже они будут играть в новом для гонконгского кино жанре «комедий кунфу» и эксцентрических лентах со сложными трюками: «Закусочная на колесах» (1984), «Мои «Счастливые звезды» (1985), «С огоньком, поддайте жару, «Счастливые звезды» (1985) и «Первое задание» (1985) — все поставлены Хуном. А начинал он как координатор боевых поединков в фильмах с участием самого Брюса Ли, «короля кунфу». С 1972 снимался в небольших ролях (в том числе вместе с Чаном в «Обратном отсчете перед кунфу», 1976). Но только после успеха Чана в конце 70-х годов в новом амплуа «кунфуиста-недоумка» толстяк Хун, способный выделывать невероятные акробатические номера и участвовать в драках, преподанных с комической точки зрения, тоже оказался очень популярным. Одна из его первых режиссерских работ — «Входит толстый дракон» (1978), иронический парафраз знаменитой ленты с Ли. Играл вместе с Чаном в картинах «Операция А» (1983, режиссер Чан), «Пять счастливых звезд» / «Победители и грешники» (1983, режиссер Хун), «Драконы навсегда» (1988, режиссер Хун), «Чудеса» (1989, режиссер Чан), «Остров огня» (1991), «Супершеф» (1996, режиссер Хун), и сам Чан называл Хуна своим «старшим братом в кино». В 1987 Хун поставил картину «Восточные кондоры», навеянную американским военным боевиком «Грязная дюжина» и вызвавшую интерес за пределами Гонконга. Среди других работ Хуна (всего — свыше 60 актерских и более 30 режиссерских) — «Шанхайский экспресс» (1986, актер, режиссер, продюсер), «Фиктивный брак» (1988, актер и режиссер), «Лунные воины» (1993, режиссер), «Женщина-трюкач» (1997, актер).

ЧАН (Chan) Джекки (р. 1954), гонконгский актер, режиссер, продюсер, сценарист, постановщик трюковых эпизодов. Настоящие имя и фамилия Чань Кунсун. Родился в малообеспеченной семье и в возрасте 6 лет был отдан в школу китайской оперы. В кино, в эпизодических ролях, стал сниматься еще подростком. Его имя фигурирует среди участников трюковой массовки фильма «Яростный кулак» «Китайский связной» (1972) с участием Брюса Ли. Уверенно владея кун-фу, акробатикой, обладая хорошей пластикой и навыками сценического мастерства, Чан с середины 1970-х начинает играть более крупные роли, а также ставить сложные трюковые эпизоды в фильмах кун-фу: «В лапах смерти», «Шаолиньцы» (1976), «Искусство Шаолиня: техника змеи и журавля», «Змея в тени орла» (1978). Отказавшись от копирования экранного образа Брюса Ли, Чан уже с конца 1970-х формирует имидж своего героя — «рыцаря кун-фу комического образа», добродушного, но отважного бойца, обладающего неподражаемой техникой и находчивостью в фильмах «Пьяный мастер» (1979), «Большая драка» (1980, в США). В 1980-е и 1990-е часто выступал как режиссер и сценарист своих картин: «Проект «А» (1983), «Полицейская история» (1985), «Доспехи бога» 1, 2 (1986, 1991), хотя делал это не всегда успешно. Важным достоинством и отличительной особенностью творчества Чана стало его превращение из виртуозного трюкача в своеобразного, «культового» актера. Его чувство юмора, умение работать с партнером и реквизитом «Полицейская история-4» (1993), «Разборки в Бронксе» (1995) позволили критикам без особых натяжек называть его современным Бастером Китоном. В настоящее время Чан активно пытается закрепиться в американском «мэйнстриме». Кроме проката своих фильмов в США, он снялся в картине «Гори, Голливуд, гори» (1997), «Час пик» (1998) и «Шанхайский полдень» (2000). Фильмы 1990-х годов: «Мистер крутой» (1998), «Полиция будущего» (1999), «Великолепный» (1999).

ЦАЙ Минлян (р. 1957), тайваньский режиссер, сценарист. Родился в Малайзии. Закончил факультет театра и кино Тайваньского университета, после чего работал в театре и на телевидении, написал несколько сценариев для кинофильмов. В 1992 году дебютировал как кинорежиссер («Бунтари неонового бога»). Его следующий фильм «Да здравствует любовь!» (1994) был весьма любопытным примером сопряжения экзистенциального пессимизма и антониониевской стилистики с реалиями азиатской жизни («Золотой Лев» МКФ в Венеции). Режиссерская работа Цая «Река» (1996, приз на МКФ в Берлине-97) — эпатирующе резкий и также окрашенный пессимизмом рассказ о кризисе современной тайваньской семьи, каждый член которой (мать, отец, сын) не может найти полноценное решение своим социальным, духовным и сексуальным проблемам. Всего поставил свыше 10 фильмов.

ВОНГ КАРВАЙ (Ван Карвай) (р. 1958), китайский режиссер, сценарист, один из лидеров авангардного кино 1990-х годов. Когда Вонгу Карваю было пять лет, его семья эмигрировала в Гонконг. Образование он получил в Гонконгской политехнической школе, изучал графический дизайн, затем начал работать помощником режиссера на телевидении. Участвовал в создании телевизионных сериалов, позже стал писать сценарии к кинофильмам. Как сценарист Вонг Карвай является автором нескольких комедий, детективов, мелодрам. Наиболее известен из них фильм «Окончательная победа» (1987), режиссером которой был его наставник Патрик Тэм. Он же продюсировал режиссерский дебют Вонг Карвая — гангстерский боевик «Пока текут слезы» (1988). И хотя криминальные боевики составляли основную часть гонконгской кинопродукции, «Пока текут слезы» сумели выделиться из общего потока и имели успех у публики. Одну из главных ролей в этом фильме сыграла Мэгги Чун, уже считавшаяся звездой после участия в «Полицейской истории» Джеки Чана в 1985. «Пока текут слезы» принесли Вонг Карваю один из призов Каннского фестиваля. Успех позволил режиссеру в 1990 собрать лучших гонконгских молодых актеров для воплощения амбициозного замысла — съемок автобиографического фильма «Бурные дни». Эта картина была высоко отмечена на Гонконгском кинофестивале, но этот сугубо авторский фильм, основанный на личных переживаниях режиссера, не заинтересовал массового зрителя. Затем Вонг Карвай принялся за эпический фильм «Пепел времени» (1994), повествующий о традиционных китайских боевых искусствах, но в загадочной, томительной, неудобоваримой манере. В этой экстравагантной исторической драме режиссер сознательно пошел наперекор всем законам жанра. Выиграв один из призов Венецианского кинофестиваля, «Пепел времени» провалился в прокате, не окупив вложенные средства. В этих условиях Вонг Карвай согласился отснять криминальный боевик — суперсовременный, динамичный и легкий «Чунцин-экспресс» (1994). Фильм принес режиссеру всемирную известность. Непривычный ритм, стиль и темперамент современного азиатского города, водоворот событий, смесь трущобной и неоновой эстетики, абсурдный и реалистический сюжет, сотканный из многих нитей — произвели сенсацию в киномире. На волне успеха был поставлен следующий фильм «Падшие ангелы» (1995), который имел большой успех и закрепил за режиссером Вонг Карваем славу культового режиссера. Критики назвали стиль гонконгского режиссера «эстетизированным кичем». Опыт создания сценарных конструкций позволяет Вонг Карваю при работе над фильмами обходиться без текста самого сценария, руководствуясь лишь эмоциональным ощущением самого замысла. Съемки превращаются в сплошную импровизацию, а сюжет рождается за монтажным столом. Поэтому киноповествование в фильмах Вонг Карвая распадается на десятки мелких событий, режиссер предпочитает сосредоточиться на настроениях, на игре эмоциональными состояниями. В фильме «Счастливы вместе» (1997) Вонг Карвай рассказал историю двух китайцев-гомосексуалистов, уехавших в Буэнос-Айрес накануне передачи Гонконга коммунистическому Китаю. В картине густо перемешаны скандалы, нежные признания, низменные страсти и романтические чувства. Бурные истерики сменяются долгими паузами. Режиссер с любопытством исследует мир декаданса и модерна, который вытесняет сюжетную линию на периферию фильма. Этот фильм был удостоен наград за лучшую режиссуру на Каннском кинофестивале. Действие фильма «Любовное настроение» (2000) вновь разворачивается в Гонконге. Режиссер снимал его около трех лет. Фильм отличает изысканный визуальный ряд и клипмейкерская манера съемок. На черном фоне южной ночи яркими красками режиссер рисует странные истории любви. В 2000 этот фильм был отмечен призами Каннского фестиваля, выдвигался на премию «Оскар» в номинации «Лучший зарубежный фильм».

Актеры:

Чень (Chen) Джоан (р. 1961), китайская актриса. Настоящие имя и фамилия — Чун Чень. Родилась в КНР, в семье врачей. Начала сниматься в кино еще во время учебы в Шанхайском киноинституте. В 1980 сыграла заглавную героиню в мелодраме «Сяохуа» (режиссер Чжан Чжен), за что была удостоена престижной премии «Сто цветов». В 1981 выехала на учебу в США и стала с успехом исполнять роли героинь восточного происхождения — как в жанровых боевиках «Ночной сталкер» (1986) и телесериалах «Твин Пикс» (1990), так и в серьезных эпических драмах: роль императрицы Вань Жун в «Последнем императоре» (1987) Б. Бертолуччи. В 1990-х снимается в основном в ролях второго плана, удостаиваясь положительных оценок критиков: «Земля и небо» О. Стоуна (1993), «Безумие» Д. Кэммела (1995), но не престижных фестивальных наград. Исключение — главная роль в фильме С. Квана «Красная роза, белая роза» (главная кинопремия Тайваня «Золотая лошадь» 1994). В 1995 сыграла вместе в Кристофером Ламбером в приключенческой ленте «Загнанный», а в «Судье Дредде» — с Сильвестром Сталлоне и Арманом Ассанте. В 1998 актриса дебютировала как сценарист и режиссер фильмом «Сосланная Шью-Шью» (1998), где она также выступила в качестве продюсера.

Чун (Cheung) Мэгги (р. 1964), гонконгская актриса. Настоящая фамилия — Маньюк. В возрасте 8 лет с родителями эмигрировала в Англию, но затем вернулась в Гонконг и стала фотомоделью. В 1983 завоевала титул «Мисс Гонконг», после чего начала сниматься на телевидении и в кино — в комедиях, в амплуа инженю («Современная золушка», 1985). Первым крупным успехом Чун стала главная женская роль в боевике Джекки Чана «Полицейская история» (1985). Затем она не раз выступала в образе «девушки, попавшей в беду». Инерцию этого образа ей удалось преодолеть только в 1988, в постмодернистской криминальной драме Вон Карвая «Пока капают слезы». Спустя три года Чун продемонстрировала незаурядные драматические способности в роли звезды китайского немого кино Жуан Линъю («Актриса», премии за лучшую женскую роль на МКФ в Берлине и Чикаго, 1992). Сейчас Чун достигла пика своего таланта и популярности, о чем свидетельствует ее новый успех в Гонконге («Товарищи — почти любовная история», 1996, две национальные кинопремии), участие в западных проектах («Ирма Веп», 1996, «Китайская шкатулка», 1997). Новым достижением актрисы стало исполнение главной роли (также продюсер) в чувственной психологической драме «Любовное настроение» (2000, главная премия МКФ в Каннах) режиссера Вона Карвая. Всего за 20 лет сыграла более 150 ролей.

Гун Ли (р. 1965), китайская актриса. В 1985 году поступила в Пекинскую драматическую школу, а уже в 1987 сыграла главную женскую роль в фильме «Красный гаолян», сделавшую ее знаменитой. Заявив о себе как «китайская Одри Хэпберн», она, однако, быстро расширила рамки своего актерского имиджа, выступив в ролях гордых, волевых, обуреваемых сильными страстями женщин в фильмах «Цзюйдоу» (1990), «Подними красный фонарь» (1991). Раскрытием своего таланта и популярностью за пределами Китая Гун Ли во многом обязана режиссеру Чжан Имоу, с которым ее долгое время связывали творческие и личные отношения. В 1992 году, сыграв в фильме Чжана роль беременной крестьянки Цюцзю в фильме «Цюцзю обращается в суд», Гун Ли была удостоена приза МКФ в Венеции за лучшее исполнение женской роли. Работа в фильме Чень Кайге «Прощай, моя наложница» (1992) подтвердила высокий уровень мастерства актрисы (премия нью-йоркских кинокритиков), хотя и не открыла новых граней ее дарования. В роли певички кабаре Цзиньбао в фильме «Шанхайская триада» (1995, режиссер Чжан Имоу) Гун Ли небезуспешно сочетала драматический и комедийно-иронический рисунок исполнения. Работы Гун Ли в фильмах менее известных режиссеров «Мария из Пекина» (1992), «Полубог-полудьявол», 1993 и др. получили признание только в азиатских странах. В 1997 году актриса сделала попытку утвердиться в зарубежном кино, снявшись в США в фильме Уэйна Вана «Китайская шкатулка».

Ли (Lee) Брюс (1940 — 1973), гонконгский и американский актер, режиссер, постановщик трюковых эпизодов. Настоящее имя Цзюньфань. Родился в семье актера китайской оперы, с детства снимался в кино в эпизодических ролях. В 1959 году, приехав в США, стал преподавателем и пропагандистом кун-фу, а затем был приглашен для съемок на телевидение и в кино: телесериал «Зеленый шершень», 1966; «Марлоу» (1969), «Аварийная команда» (1969). Однако доказать, что фильмы о восточных единоборствах обладают уникальным коммерческим и культовым потенциалом и стать суперзвездой этого жанра он смог только в Гонконге. Здесь в начале 70-х один за другим выходят боевики с его участием «Большой босс» (1971), «Яростный кулак» «Китайский связной» (1972), «Возвращение Дракона» «Путь Дракона» (1973). Фильм «В бой вступает Дракон» (1973) положил начало новому витку популярности Брюса. Ли, но к этому времени его здоровье уже было сильно расшатано. Вскоре после окончания съемок Ли умер от опухоли головного мозга. Ресурс популярности его экранного образа оказался настолько невыработанным, что до конца 70-х в США и Гонконге с успехом выходили фильмы, смонтированные из черновых вариантов и срезок его картин, например, «Игра смерти» (1978) и др. — не говоря уже о бесчисленных подражаниях и фальсификациях.

Чоу Юнь Фат (р. 1955), гонконгский и американский актер. Псевдоним — Фат Цай. В 1973 пришел по объявлению на телестудию компании «Шоу Бразерс». По окончании курсов актерской подготовки сыграл в нескольких «мыльных операх». Особую популярность завоевал в роли гангстера в сериале «Шанхайская набережная». Первая крупная роль Чоу в кино — заглавный герой в социальной драме Э. Хуэй «История вьетнамца Ву» (1981). В 1985 году он удостаивается тайваньского киноприза «Золотая лошадь» за роль в фильме «Гонконг-1941» (1941). Годом спустя вступает на новую ступеньку успеха и популярности после съемок в фильме Джона Ву «Лучшее завтра» и «Лучшее завтра-2» (1987). С этих пор его «фирменным» героем становится молчаливый, флегматичный гангстер, преображающийся в решающие минуты в стреляющего с двух рук «демона смерти» в фильмах «Наемный убийца» (1989), «Крутые» (1992). Вместе с тем, за драматические роли Чоу Юнь Фат трижды удостаивался премии Гонконгской киноакадемии и дважды — приза «Золотая лошадь». В 1995 году переехал в США, где снялся в боевиках «Киллеры на подмену» (1998), «Коррупционер» (1999); вместе с Джуди Фостер в драме «Анна и Король» (1999), где сыграл деспотичного сиамского короля Монгкута.

Чун (Cheung) Лесли (1956 — 2003), гонконгский актер. Настоящая фамилия — Квоквин. Родился в многодетной, однако не лишенной достатка семье. Закончил университет в Лидсе, Англия. После возвращения в Гонконг в 1976 успешно выступил в азиатском телеконкурсе песни и открыл себе дорогу на эстраду, в кино и на телевидение. В кино начал сниматься в непритязательных мелодрамах для подростков («Юные мечтатели», 1982), и лишь сыграв в гангстерском боевике Джона Ву «Лучшее завтра-2» (1987) привлек внимание известных режиссеров. В кровавых криминальных сюжетах Чун представлял утонченный, рафинированный тип героя («История китайского привидения», 1987, «Пока капают слезы», 1991), что позволило ему впоследствии блеснуть в образе мягкого и ранимого Чэнь Дэи в фильме «Прощай, моя наложница» (1992) Чэнь Кайгэ. В 90-х годах играл в фильмах разного жанра, однако лучше всего проявил себя в постмодернистских опусах Вон Карвая («Прах времен», 1994, «Счастливы вместе», 1997) и иронических драмах П. Чана («Он — мужчина, она — женщина», 1994).

Люн (Leung) Тони (Tony) (р. 1962), китайский актер кино и телевидения. Свою артистическую карьеру Тони Люн начинал на гонконгском телевизионном канале TVB в качестве ведущего детской программы, а затем стал принимать участие в телесериалах, которые принесли ему актерскую известность. Репутацию серьезного многогранного актера принесла Люну целая серия «авторских» кинофильмов. Он играл умственно отсталого человека в «Лунатиках» (1986), глухонемого в «Городе печали», монаха в «Истории о китайских призаках-3» (1991), жестокого полицейского в «Самой длинной ночи» (1997). С именем Тони Люна связаны многие достижения гонконгского кино 1980—1990-х гг. Он снимался в картинах многих выдающихся китайских режиссеров. Джон Ву доверил Люну исполнение сложнейших ролей в фильмах «Пуля в голове» (1990) и «Круто сваренные» (1992). Но особо тесное сотрудничество связывает актера с режиссером Вонгом Карваем. В его фильмах Тони Люн сыграл обаятельных героев. В «Пепле времени» (1994) он — слепнущий бродячий рыцарь (призы за лучшую мужскую роль на Гонконгском и Тайваньском кинофестивалях), а в фильме «Чунцин-экспресс» — полицейский, одинокий человек, влюбленный в певицу. В фильме «Счастливы вместе» (1997) Люн играет гомосексуалиста, который вместе с любовником отправляется в далекую Аргентину с надеждой продлить затухающую связь. А участие в фильме Вонга Карвая «Настроение любить» (2000) принесло Тони Люну приз за лучшую мужскую роль на Каннском фестивале. Большинство гонконгских актеров, добившись международной известности, покидают родину. В отличие от них Тони Люн продолжает жить в родном Гонконге, где пользуется огромной популярностью. Он охотно принимает участие в комедиях и шоу на гонконгском телевидении, а помимо актерской деятельности добился успеха и как исполнитель популярных песен.

Ли Джет (Jet Li; наст. Ли Лианджи; Li Lian Jie) (р. 1963), китайский актер. Мастер восточных боевых искусств, Джет Ли стал известен, благодаря участию в голливудских боевиках «Смертельное оружие-4» (1998), «Ромео должен умереть» (2000).

Корея.

На Западе "движущиеся картины" появились в 1895 году, а всего лишь через четыре года после первого сеанса братьев Люмьер технология с бульвара Капуцинов добралась и до Кореи. В 1899 г. Корею посетил американский писатель, журналист и фотограф Бартон Холмс, который в те времена был одним из самых известных "пишущих путешественников" мира и автором первых документальных лент о дальних странах (так сказать, далёкий предшественник Юрия Сенкевича). Именно Холмс показал королю Кочжону и его придворным несколько коротких лент, которые он снял во время своих странствий по планете. Впрочем, первый киносеанс предназначался для избранных и не получил особой огласки, хотя королю, большому поклоннику новых технологий, нововведение понравилось. В 1901 году корейский журналист, рассказав своим читателям о тогда ещё новой технологии кинематографа, закончил статью грустным замечанием: "Кто знает, когда и мы, корейцы, будем в состоянии пользоваться этим техническим чудом?" К счастью, его пессимизм не оправдался, и первый коммерческий киносеанс состоялся в Сеуле всего лишь два года спустя, в 1903 г. Первые фильмы демонстрировались на рынке Тондэмун, сеанс начинался в 8 вечера. Так как “кинотеатр” представлял из себя просто огороженную забором площадку, в дождливый день фильмов не показывали. Понятно, что самые первые картины, которые демонстрировались в Корее, были, во-первых, иностранными, а, во-вторых, документальными или видовыми. В Корею первые игровые ленты проникли около 1910 года, и скоро кино завоевало огромную популярность. Поначалу на корейских экранах почти безраздельно господствовали американские кинокартины, однако после того, как в 1910 г. Корея стала японской колонией, новые хозяева превратили её в рынок для своих фильмов. Языковой проблемы в те времена ещё не существовало: кино было немым, а перевести те немногочисленные субтитры, которые иногда вставлялись между эпизодами, было куда легче и дешевле, чем дублировать фильм. Примерно с 1918 года кое-какие документальные фильмы и рекламные материалы стали снимать и в самой Корее, однако первый корейский игровой фильм "Граница" был поставлен только в 1923 году. Речь в ней шла чрезвычайно популярных тогда темах: женской эмансипации (она как раз тогда начиналась в корейской элите), связанных с ней изменения в семейной жизни, появлении "новых женщин" – то есть, женщин с современным западным образованием и соответствующими ценностями. Однако особого внимания фильм не привлёк. Более успешным оказался фильм "Сказание о Чхун Хянъ", снятый совместной корейско-японской группой в том же 1923 г. Сюжетом для “Сказания” послужила “Повесть о верной Чхун Хян” – самое, пожалуй, популярное произведение корейской традиционной литературы. Мелодраматическая история о прекрасной девушке, которая среди всех испытаний сохраняет верность своему пропавшему без вести возлюбленному и в конце концов соединяется с ним, всегда была любимым материалом для корейских кинематографистов. Роль Чхун Хян в этой, самой первой, экранизации исполняла красавица Хан Рёнъ, знаменитая сеульская куртизанка (в те времена многие актрисы в Корее были выходцами из куртизанок). Впрочем, фильм 1923 г. не был чисто корейским. Сценарий фильма написал японец, режиссёром тоже был японец Хаягава, да и предназначался фильм в основном для проката в Японии. Конечно, это были ещё немые фильмы. Любопытно, что первый звуковой фильм, снятый в Корее уже в тридцатые годы, также был очередной экранизацией всё той же “Повести о верной Чхун Хянъ”. Однако по-настоящему история корейского кино началась с выхода на экраны в 1926 г. фильма ”Ариран”, в котором речь шла о жизни корейской деревни тех лет. Режиссёром фильма стал На Ун-гю, который к тому времени успел накопить более чем разнообразный жизненный опыт. В конце 1910-х гг. он участвовал в антияпонском сопротивлении, эмигрировал в Россию, где, подобно многим корейцам, принимал участие в Гражданской войне на стороне красных, а потом вернулся в Корею, был арестован и провёл полтора года в японской тюрьме. После освобождения, в 1924 г. На Ун-гю, которому тогда было 22 года, приехал в Пусан и стал работать в одной из первых экспериментальных киностудий, возникших в этом городе. ”Ариран” прошёл по экранам с невероятным успехом – только в 1926 г. его посмотрело 1,2 млн. зрителей. Фильм сделал На Ун-гю национальной знаменитостью, главным персонажем светской хроники и весьма обеспеченным человеком. Впрочем, На Ун-гю продолжал успешно работать вплоть до своей ранней смерти в 1937 г. (основатель корейского кино дожил только до 35). Где-то около 1920 года появились в Корее и первые постоянные кинотеатры. До этого фильмы показывали в передвижных палатках-балаганах. Особо роскошными интерьерами первые кинотеатры не отличались, зрители сидели на простых деревянных скамейках. Когда заканчивалась одна катушка с пленкой и в аппарат вставляли следующую, на несколько минут в зале загорался свет. В те времена в киноаппаратах не было моторов, и приводил их в движение сам механик, который крутил ручку аппарата. Разумеется, делал он это не всегда с равной скоростью, и постепенно даже возникла традиция: к концу сеанса киномеханик вертел рукоятку медленнее, так что неизбежный для фильмов тех времён “хэппи энд” (злодеи посрамлены, герои торжествуют), всегда показывали замедленно, и уже по этому признаку зрители понимали, что сеанс подходит к концу. Поэтому когда в 1925 году корейские зрители впервые столкнулись с замедленной съёмкой, они поначалу решили, что дело в том, что киномеханик просто очень устал и медленно крутит свою ручку. Таким образом, можно сказать, что корейский кино имеет уже немалую и давнюю традицию. Однако его историю нельзя назвать легкой, ибо на протяжении всего своего существования ему приходилось вести отчаянную конкурентную борьбу за выживание, в которой главным противником выступал сначала японский, а потом — американский кинематограф. Борьба эта всегда была неравной, и пробиться на экран корейскому фильму обычно было трудно. В современном корейском репертуаре преобладают американские голливудские фильмы, а также гонконгские и китайские боевики с кун-фу, в то время как кинопродукция других стран представлена очень слабо. В 1990 г. в Корее было снято 111 полнометражных фильмов, и импортировано 276 иностранных (в т.ч.123 американских). В 1996 г. количество корейских полнометражных картин сократилось до 55, а вот из-за границы было ввезено 483 ленты, что, кстати, сделало Корею крупнейшим в мире импортером иностранной кинопродукции. Однако в действительности преобладание иностранного кино носит еще более очевидный характер, ибо лишь немногие из корейских картин добиваются коммерческого успеха и выходят в широкий прокат. В 1993 г. поступления от корейских фильмов составили 16% всех доходов кинопроката, в 1997 г. эта цифра выросла до 25,5%. Корейских фильмов в прокате находится сравнительно немного. По большей части это мелодрамы или непритязательные комедии из семейной жизни, реже — исторические ленты или детективы, явно смоделированные с американских и гонконгских образцов. В последнее время, в связи с ослаблением цензурных ограничений, на экране появились многочисленные эротические фильмы весьма низкого качества. Довольно много снимается фильмов и о Корейской войне. Некоторые из них носят авантюрный, военно-приключенческий характер, однако большинство — это мелодрамы, посвященные проблеме разделенных семей и ужасам военного лихолетья. Существует в Корее и авторское кино, рассчитанное на хорошо подготовленного зрителя, но подобные ленты, хотя они зачастую и пользуются заслуженным успехом на международных кинофестивалях, практически никогда не появляются в массовом прокате.

ИМ КВОН ТАЕК (Im Kwon-Taek) (р. 1936), корейский кинорежиссер. Семья Им Квон Таека погибла в годы корейской войны. В 1956 году он обосновался в Сеуле, где начал работать ассистентом режиссера в кино. В 1962 году состоялся его дебют как самостоятельного режиссера (фильм «Прощание с рекой Думан») Долгое время режиссер работал в малобюджетном кино, снимал различного рода боевики и мелодрамы. С начала 1970 годов Им Квон Таек обращается к более серьезным сюжетам, а с начала 1980-х годов его картины начинают узнавать на Западе. На Каннском кинофестивале 2002 года его фильм «Пьяный от женщин и поэзии» получил приз на лучшую режиссуру. Им Квон Таек снимает фильмы самых разных жанров — исторические драмы, военные фильмы, экранизирует литературные произведения. Часто в своих фильмах он обращается к женским судьбам. Его фильм «Мать по контракту» рассказывает историю девушки, взятой в богатую семью для того, чтобы произвести на свет наследника знатного рода. Благодаря блестящей игре актеров, тонкому восточному колориту, точно выверенной композиции каждого кадра этот филь приобрел репутацию шедевра корейской кинематографии. Всего режиссер поставил 18 фильмов.

ЛИ ЧАН ДОН (Lee Chang-Dong) (р. 1954), корейский кинорежиссер и сценарист. В 1980 году окончил литературный факультет университета и в 1980-х — начале 1990-х годах опубликовал несколько книг. С 1993 года выступает как автор киносценариев. В 1997 году состоялся режиссерский дебют Ли Чан Дона — фильм «Зеленая рыба». Кинолента «Оазис» (2002) принесла режиссеру приз за лучшую режиссуру Венецианского кинофестиваля.

КИМ КИ ДУК (Kim Ki-duk) (р. 1960), корейский кинорежиссер. В 1990-1992 годах Ким Ки Дук учился живописи в Париже и увлекся кинематографом. По возвращении домой он начал работать в кино. Его фильмы шокируют публику, кадры, где герои глотают рыболовные крючки или ножом выкалывают себе глаз, в изобилии рассыпаны по картинам режиссера. Но каждая его работа - поэтическая притча, хотя язык этой поэзии слишком жесткий. В кино с 1996 года. Успел снять 9 фильмов.

Иран.

КИАРОСТАМИ Аббас (р. 1940), иранский режиссер кино и телевидения. Получив высшее образование по специальности «графика и реклама» в Университете изящных искусств, Киаростами в 1960 пришел на телевидение, где снимал рекламные ролики. В 1969 режиссер был приглашен на работу в Центр интеллектуального развития детей и подростков в Иране, где он снял короткометражный фильм «Хлеб и улица», с успехом демонстрировавшийся на Московском кинофестивале. Свой первый полнометражный художественный фильм «Путешествие» Киаростами поставил в 1974 году. В 1977 году был создан Центр иранской национальной кинематографии, где стал работать режиссер. Сюжеты картин Киаростами и его коллег по Центру разворачиваются в неприкрашенной, реальной обстановке бедного, хаотического быта простых иранцев. К числу лучших фильмов Киаростами 1970-х годов относят картину «Костюм к свадьбе». После исламской революции 1979 прежнее коммерческое иранское кино о роскошной жизни богачей и красоток кануло в небытие. Лидерами нового иранского кинематографа стало новое поколение режиссеров, среди которых Киаростами занял одно из центральных мест. Его фильмы отличает точность и современность киноязыка, независимость от западных стандартов. Начиная со второй половины 1980-х годов, фильмы Киаростами неизменно привлекают к себе внимание на международных киносмотрах. Известность к нему пришла с выходом кинокартины «Где дом друга» (1987), завоевавший приз «Бронзовый леопард» на кинофестивале в Локарно в 1989 году. Одной из центральных тем творчества Киаростами был мир детства и подростков. Фильм «Домашняя работа» (1988) основан на рассказах учеников начальных классов о неприглядном поведении родителей при выполнении детьми заданных в школе уроков. Картина «И жизнь продолжается» (1992) воспевает духовную стойкость и мужество людей, переживших кошмар разрушительного землетрясения. Фильм-притча «Под оливами» (1994) рассказывает о бездомном молодом человеке, бедном до такой степени, что он не может претендовать на руку любимой девушки. Но землетрясение уравняло его с потерявшими кров односельчанами. Этот фильм получил ряд наград на международных кинофестивалях в Бергамо, Вальядолиде, Риме, Сан-Паулу, Чикаго. В 1997 года лента Киаростами «Время вишен» завоевала главный приз на Каннском кинофестивале. Этот фильм рассказывает о человеке, который собирается покончить жизнь самоубийством. Режиссер анализирует темы реального и нереального, вечного и преходящего. В 2000 году Киаростами поставил фильм «Ветер нас унесет». В фильме человек с фотоаппаратом и мобильным телефоном приезжает в горную деревню с какой-то серьезной целью, но не в состоянии осуществить ее, так как не может проникнуть в чужую, подчиненную таинственным законам жизнь. Фильмы Киаростами нередко трактуют как апологию исламского фундаментализма, но талант режиссера много выше плоских оценок.

МАХМАЛЬБАФ (Makhmalbaf) Мохсен (р. 1957), иранский кинорежиссер, одна из центральных фигур иранского кино конца 20 века. Родился в бедном тегеранском квартале, где живет и поныне. В возрасте 15 лет бросил школу и примкнул к антишахской оппозиции. В 1974 при попытке разоружить полицейского юноша был ранен и арестован. Смертной казни он избежал только из-за несовершеннолетия. Почти пять лет Махмальбаф провел в тюрьме, на свободу его выпустила исламская революция в 1979. Однако он не стал поклонником установившегося теократического режима и, отойдя от политики, посвятил себя искусству. Написал несколько романов и сценариев, в 1982 дебютировал в кинорежиссуре, несмотря на то что впервые побывал в кинотеатре только 23-летнем возрасте. После освобождения из тюрьмы участвовал в деятельности исламской пропагандистской организации. Но ее экстремистские цели не отвечали его духовным поискам. Первым заметным фильмом Махмальбафа стал «Бойкот» (1985), во многом автобиографичный. Действие фильма происходит в тюрьме среди политических заключенных, которые пытаются найти истину в широком спектре идей: от марксистского материализма до исламского фанатизма. В центре картины — приговоренный к смерти заключенный. Сокамерники превозносят его как героя, но сам он пересматривает свои взгляды на жизнь и отказывается от прошлого. Уже в ранних фильмах Махмальбафа сквозь страстность политических и религиозных дискуссий проглядывает тонкий аллегорический стиль. Известность на Западе режиссеру принес фильм-триптих «Разносчик» (1986), в котором ярко проявилась характерная для режиссера эстетика псевдонаивности. Фильм, состоящий из трех новелл-притч, разрабатывает проблематику одиночества человека в мире, но отличается сардоническим тоном, абсолютно оригинальной интонацией и антизападной философией. Горечь философских парадоксов уравновешена жизнелюбием режиссера. Поворотным пунктом в режиссерской судьбе Махмальбафа стал фильм «Велосипедист» (1989), во многом, начиная от названия, вдохновленный итальянским неореализмом. При этом «Велосипедист» развивается в русле принципов исламской морали. Это история афганского беженца, который, чтобы заплатить за лечение своей умирающей жены, участвует в семидневном велосипедном марафоне. «Велосипедист» стал классическим образцом нового иранского кино, которое сочетает исламские ценности с гуманизмом. Следующий фильм режиссера «Время любви» (1990) иранская цензура запретила к прокату. Только в 1995 он был с успехом показан на Каннском кинофестивале. Эта картина посвящена супружеской измене, и поскольку эта тема запрещена в Иране, то Махмальбаф снимал ее в Турции с турецкими актерами. Фильм состоит из трех частей: вариаций одного сюжета с одними и теми же актерами. Здесь без труда прочитывается авторская мысль об относительности человеческих моральных критериев. В этом фильме впервые в своем творчестве режиссер выстраивает композицию по принципу плетения восточного ковра. Этот принцип становится определяющим в картине «Габбех» (1995), рассказывающий о кочевом племени на юго-востоке Ирана. История девушки, которой родители запрещают выйти замуж за любимого, переплетается с другими судьбами и образует сюжетный узор. Ковер, в узоре которого запечатлено слияние любящих душ, а также их переселение в иное бытие, персы называют габбех. Работая над фильмом, Махмальбаф несколько месяцев жил среди кочевников. Особое место в творчестве Махмальбафа занимают картины о таинственной природе киноискусства. До революции он с презрением относился к кино, в особенности к продукции иранской «фабрики грез». Сам он пришел в кинематограф для того, чтобы делать новое, революционное кино. Лишь со временем сам Махмальбаф и кинематографисты его поколения, ощутили себя частью истории национального кино Ирана. Впервые к теме кино Махмальбаф обратился в фильме «Однажды в кино», в которой рассказал историю шаха, ненавидевшего кинематограф. Но именно этот шах влюбился в экранную девушку до такой степени, что отрекся от престола, бросил гарем и сам стал киноактером ради любимой. В фильме Махмальбаф охотно цитирует много старых иранских лент. Взаимоотношениям кино и реальности посвящены фильмы Махмальбафа «Салам, синема» (1995) и «Хлеб и цветок» (1996). Первый был посвящен столетнему юбилею кино, а во втором режиссер переосмысливал свое революционное прошлое. Эти фильмы пронизаны самоиронией и лишь внешне имитируют неореализм. Работа над двумя картинами шла параллельно, а их замыслы переплетались. В целом творчество режиссера посвящено человеческому достоинству и благородству. В этом одна из причин его популярности и престижа у западных зрителей.

ПАНАХИ (Panahi) Джафар (Jafar) (р. 1960), иранский режиссер. Ученик Аббаса Киаростами, Панахи был его ассстентом на фильме «Под оливами» (1994), а в 1995 поставил по сценарию Киаростами свою первую полнометражную картину «Белый воздушный шар». Эта трогательная история девочки, мечтающей о золотой рыбке, удостоилась приза «Золотая камера» на Каннском фестивале (1995). В 2000 его фильм «Круг» получил приз «Золотой лев» на Венецианском кинофестивале. «Круг» посвящен проблемам иранских женщин. Главные достоинства картины — умелая композиция, свободное движение сюжета, который произвольно перемещается от одной героини к другой.

МАХМАЛЬБАФ Самира (Samira Makhmalbaf) (р. 1980), иранский кинорежиссер, дочь Мохсена Махмальбафа. В кино Самира дебютировала в возрасте семи лет, появившись в фильме Мохсена Махмальбафа «Велосипедист». В семнадцать лет Самира выступила как кинорежиссер, сняв фильм «Яблоко». В картине рассказывалось о судьбе двух иранских девочек — Масуме и Сахры, которых отец держал дома под замком. Фильм был основан на реальных фактах и представлял смешение документальных и художественных съемок. Вторая картина Самиры «Грифельная доска» была посвящена учителям, которые бродят по горам Курдистана с грифельными досками за плечами и ищут учеников. Однако неграмотные бедняки не хотят учиться, и самоотверженность учителей остается бесплодной. За этот фильм Самира Махмальбаф получила приз за лучший дебют Каннского кинофестиваля 2000 года. Фильм «В пять часов пополудни» (2003, приз жюри Каннского кинофестиваля) рассказывал о жизни женщин в послеталибском Афганистане.

Израиль:

ГОЛАН Менахем (р.1929), израильский режиссер, продюсер, сценарист. В 60-х вместе с Й.Глобусом был продюсером более 150-ти израильских картин. Работал в США и Великобритании. Перехав в США, сотрудничал с Роджером Корманом, был продюсером 5-го фильма о Джеймсе Бонде «Шаровая молния». Как режиссер поставил фильмы: «Убить голландца» (1992), «Московская связь» (1995), «Супермозг» (1996) и «Путь к славе» (1997).

ГИТАЙ Амос (Amos Gitai) (р. 1950), израильский кинорежиссер. Участник арабо-израильской войны 1973 года Амос Гитай с 1974 года снимал короткометражные игровые и документальные фильмы. В 1986 году он дебютировал в полнометражном игровом кино. При создании кинофильмов режиссер сотрудничает преимущественно с французскими кинофирмами. Кинематограф Амоса Гитая схож по стилю с фильмами Тарковского и Сокурова. В фильме «Деварим» («Вещи», 1995) переплетаются судьбы многих персонажей. Драма их существования выражена контрапунктом одной из долгих мизансцен: на переднем плане очередное пустопорожнее общение; а на заднем - золотисто-багряное великолепие заката. В долгом эпизоде закат увял незамеченным, пока шелестели слова. Бытие вопиет о смысле, но остается безответным. «Больше всего я хотел бы жить тысячу лет, но боюсь, что это бессмысленно», - говорит в этом фильме адвокат Гольдман, которого сыграл сам Гитай. В финале этот персонаж преодолевает бессмыслицу существования самоубийством. Сорокалетнего героя фильма «День за днем» (1998) зовут двояко - то Моше, то Муса. Он переживает время подведения первых жизненных итогов. Охлаждение отношений с женой. Друг-соперник. На фоне финансовые трудностей, суеты вокруг продажи старого родительского дома и очередных армейских сборов происходит охлаждение отношений с женой. Рядом проходит линия стареющей мамы с ее неумолимой заботливостью. Внезапная смерть матери и ее странное завещание открывает герою истину: Моше-Муса - сын араба и еврейки. Этим фильмом Гитай дал понять: пришло время решений. Будто некто извне все видит и требует действий. Действие фильма «Кадош» («Освященное», 1999) происходит в ортодоксальной иудейской общине хасидов. Каждый миг бытия хасидов посвящен служению Богу, и вся их жизнь обусловлена вековыми освященными традициями. Семейно-интимные отношения тоже вершатся по сакральной инструкции. Гитай показывает гротескную сцену первой брачной ночи хасидов. Сначала — обрезание волос девушки-иудейки и двенадцатикратное (по числу колен Израилевых) омовение. Потом ритуальное раздевание. Сам акт дефлорации в исполнении неистового хасида становится похожим на избиение. В фильме «Киппур» (2000) — автор реконструирует поворотный момент собственной жизни — участие в войне 1973 года. Тогда ему пришлось взглянуть в глаза смерти — ближайших друзей и своей собственной. Фильм наполнен длинными субъективированными планами. Финальная сцена стала образно-пластическим ответом смерти: спасшийся герой и его возлюбленная - оба в жидкой грязи - соединяются в нескончаемом диалоге плоти. Совокупление - сквозной мотив фильмов Гитая, но всякий раз смысл его иной. В дальнейшем режиссер поставил еще две картины: «Рай» (2001) и «Кедма» (2002).

Палестина:

СУЛЕЙМАН Элия (Elia Suleiman) (р. 1960), палестинский кинорежиссер. С 1982 по 1993 год Элия Сулейман жил в Нью-Йорке, где снимал короткометражные фильмы для арабского телевидения, а также был вольнослушателем в различных университетах США. В начале 1990-х начал снимать документальные фильмы. В 1994 переехал в Иерусалим, где по просьбе Европейской комиссии организовал факультет кино и медиа в университете Бир-Зейт. В 1996 году он снял свой первый полнометражный фильм «Хроника исчезновения», посвященный судьбе палестинского народа. На Венецианском кинофестивале этот фильм получил приз за лучший дебют. В 2002 году на Каннском кинофестивале фильм Элии Сулеймана «Божественное вмешательство» был отмечен специальным призом жюри. Всего поставил 7 фильмов.

Турция:

ГЮНЕЙ (Guney) Йылмаз (1937 — 1984), турецкий режиссер, сценарист, актер, продюсер. Настоящая фамилия — Пютюн. Один из семерых детей курдских крестьянина с юга Турции. Для того, чтобы учиться в лицее, а затем изучать право в университете в Анкаре и экономику в Стамбуле, был вынужден подрабатывать, сменив множество профессий, в том числе побывав киномехаником в лицее, а позднее, в 1959—1960 работая в системе кинопроката. Начал писать статьи и рассказы (несколько сотен названий). С 1958 выступал как актер в кино (всего снялся в 94 фильмах) и сценарист (30 лент других режиссеров). В возрасте 20 лет был впервые арестован за свои политические убеждения, в 1960 приговорен к полутора годам тюрьмы, где написал свой первый роман. Освободившись, стал одним из популярных исполнителей ролей антигероев в малобюджетных криминальных картинах, с 1967 сам ставил фильмы и продюсировал некоторые из них. В 1968—1970 был вынужден служить в армии в штрафной роте. Вернувшись, продолжил активную деятельность в кино, получив известность собственными постановками социальной направленности — «Надежда» (1970), «Обида», «Скорбь» (1972) и «Отец» (1971). В 1972 вновь получил тюремный срок — теперь на два года. Сняв после освобождения только два фильма «Товарищ» и «Беспокойство» (совместно с Ш. Гереном), в 1975 был опять приговорен к длительному заключению — уже на срок 19 лет по обвинению в убийстве, хотя на самом деле виновным являлся его племянник. Пользуясь редкостной популярностью среди заключенных, мог продолжать писать и даже руководить съемками из тюрьмы. Таким образом были созданы по сценариям Гюнея фильмы «Стадо» (1978, главная премия на МКФ в Локарно—81) и «Враг»(1979) З. Октена. Несмотря на то, что в 1979 он был переведен в тюрьму с более жестокими порядками, Гюней при содействии Ш. Герена осуществлял постановку самой известной (одновременно остросоциальной и не лишенной поэтичной символики) картины «Дорога» (1982, главная премия поровну и приз ФИПРЕССИ на МКФ в Канне), которую монтировал уже сам, бежав в октябре 1981 в Швейцарию. Перед тем, как лишиться турецкого гражданства и умереть в Париже от рака желудка, Гюней успел снять во Франции только одну ленту «Стена» (1983) о детях в тюрьме, которая разочаровала многих его поклонников.