46. Европейское искусство второй половины 20 века.

В 60-70 годах в западноевропейской эстетике произошел новый поворот. Этот поворот принято называть «постмодернизмом».. Этот термин начал широко применяться с 1979 года, после выхода книги французского философа Жана-Франсуа Лиотара «Постмодернистское состояние». Термин «постмодернизм» не может быть понят как обозначение какого-либо стиля. Он подразумевает цитирование известных образцов, но может делать это путем каталогизации, а может – в манере бредового коллажа. По мнению Хасана постмодернизм построен на развалах утраченных идеалов, а потому он антиинтеллектуален по сути.

Эклектика в сфере современной культуры вызревала в ходе всей европейской истории ХХ века. Уже в начале столетия культура перестает быть комфортным пространством. В одной точке сосредоточиваются все духовные начала: Восток и Запад, африканская, азиатская, европейская культуры сталкиваются друг с другом и усиливают процессы ассимиляции тех художественных явлений, которые еще недавно отличались чистотой. Смещение различных духовных пластов постоянно увеличивается и ставит человека на грань хаоса, начала бытия. Человек начинает ощущать, что только он сам отвечает за свое бытие.

В середине века испуганное человечество начинает пятиться назад. Целый ряд процессов характеризует этот возврат. И как следствие этого культура уходит от диалога. Отражение этих явлений находит полное выражение в искусстве постмодернизма.

Возникновение постмодернистских тенденций в культуре связано с осознанием ограниченности социального прогресса и боязнью общества, что результаты этого прогресса поставят под угрозу уничтожения само время и пространство культуры. Постмодернизм как бы должен установить пределы вмешательства человека в процессы развития природы, общества и культуры.

Постмодернизму свойственны поиски универсального художественного языка; сближение и сращивание различных художественный направлений; «анархизм» стилей, их бесконечное многообразие, эклектизм, коллажность, царство субъективного монтажа. Характерными чертами постмодернизма являются: ориентация постмодернистской культуры на все слои общества (то есть и на «массу» и на «элиту»); существенное влияние искусства на внехудожественные сферы человеческой деятельности (на политику, религию, информатику и т. д.); стилевой плюрализм; широкое цитирование в постмодернистских творениях произведений искусства предшествующих эпох; иронизирование над художественными традициями прошлых культур; использование приема игры при создании произведений искусства.

Постмодернизм пришел в европейскую культуру на волне студенческой революции 1968 года и стал реакцией на искусство, которое к концу ХХ века вкусило уже все прелести общества потребления. Он попытался привнести в безыдейное к тому времени общество новую сверхидею: сегодня подлинного художника в мире окружают враги. Постмодерн насыщает его революционным потенциалом, создавая новую художественно-революционную ситуацию, изобретая новую цивилизацию. Таким образом постмодерн достаточно органично вписывается в концепцию эстетического бунтарства.

Концептуа́льное иску́сство, концептуали́зм — литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе. В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест. Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Андегра́унд совокупность творческих направлений в современном искусстве, противопоставляющихся массовой культуре, мейнстриму или не поддерживающих классические пути, не имеющих изначальной, сознательно выбранной, коммерческой направленности.Для андеграунда характерны разрыв с господствующей идеологией, игнорирование стилистических и языковых ограничений, отказ от общепринятых ценностей, норм, от социальных и художественных традиций, нередко эпатаж публики, бунтарство. Термин начал употребляться во второй половине XX века

Хай-тек— стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в недрах позднего модернизма в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х. Главные теоретики и практики хай-тека (по большей части практики, в отличие от архитекторов деконструктивизма и постмодернизма) в основном англичане — Норман Фостер, Ричард Роджерс, Николас Гримшоу, на каком-то этапе своего творчества Джеймс Стирлинг и итальянец Ренцо Пиано. Основные черты: Использование прямых линий и форм, Широкое применение стекла, пластика, металла, Использование функциональных элементов:лифты, лестницы, системы вентиляции и другие, вынесенных наружу здания, Децентрированное освещение, создающее эффект просторного, хорошо освещённого помещения, Широкое использование серебристо-металлического цвета.

Ар-деко́ -— течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

47. Новые художественно- стилистические направления последних 10летий 20 века.

1960-е г. г. Абстрактный экспрессионизм — школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

Начальная фаза движения — абстрактный сюрреализм (abstract surrealism) появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, её основными приверженцами были американские художники Ганс Хоффман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е гг., когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг. Абстрактным экспрессионистом называла себя и минималистка Агнес Мартин.

Ми́нимал арт художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах. В теории искусства обычно рассматривается как реакция на художественные формы абстрактного экспрессионизма, а также на связанные с ним дискурс, институции и идеологии^[1]. Искусство минимал-арта обычно включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

1970-е г. г. Фотореализм — направление в живописи, возникшее в США в конце 1960-х, а затем, распространившееся в 1970-х годах в Европе. Термин, тем не менее, преимущественно применяется по отношению к работам американских фотореалистов конца 1960-х — начала 1970-х годов.

Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение должно быть заморожено во времени, которое скрупулёзно должно было быть представлено художником.^[2] Фотореалисты собирали свои образы и информацию при помощи камеры и фотографий. Обычно снимки делались на слайд, а затем переносились на холст. Это делалось при помощи проецирования слайда или с использованием сетки.^[3] Результат был копией фотографии, но обычно гораздо больше оригинала.

Неоэкспрессионизм — направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Неоконцептуализм или неоконцептуальное искусство (англ. Neo-conceptual art, Neo-Conceptualism) или постконцептуализм, постконцептуальное искусство (англ. Post-conceptual art, Post-Conceptualism) — направление, представляющее собой современный этап развития концептуализма 60-70-х годов. Нео-концептуализм возник в США и Европе в конце 1970-х. Неоконцептуализм, как и концептуальное искусство, в первую очередь и прежде всего — искусство вопросов. Концептуальное искусство продолжает сегодня поднимать фундаментальные вопросы не только по поводу определения самого искусства, но и о политике, медиа и обществе.

1980-е г. г.. Нео-поп — направление, возникшие в 80-е годы ХХ столетия как реакция на концептуализм и минимализм. Нео-поп не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени (Майкл Джексон, Мадонна, Бритни Спирс, Пэрис Хилтон и др.). Прекрасными примерами нео-попа могут служить скульптуры Катарины Фрич «Rat-King» (1993) и Джеффа Кунса «Michael Jackson and Bubbles» (1988). Нео-поп в значительной степени зависит от средств массовой информации и как источника вдохновения, и как средства для продвижения (примером может служить творчество Дэниела Эдвардса с его неоднозначными скульптурами обнаженных знаменитостей).

1990-е г. г. Массюрреализм — одно из направлений современного искусства конца ХХ столетия, для которого характерно сочетание массмедиа, поп-арта, сюрреалистических образов и современных технологий. Термин массюреализм был введен художником по имени James Seehafer в 1992. Это своего рода эволюция сюрреализма с использованием технологий и массмедиа. Иногда массюрреализм считают ответвлением постмодернизма, хотя он, как сказано выше, скорее является дальнейшим развитии сюрреализма, в котором технологии являются лишь катализатором.

2000-е г. г. Стрит-арт— изобразительное искусство, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль. Основной частью стрит арта является граффити (иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты, различные скульптурные инсталляции и т. п. В уличном искусстве важна каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой стилизованный логотип — «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте — не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу.

48. Искусство Франции первой половины 20 века.

Одно из первых направлений рубежа XIX—XX вв., как говори­лось выше,—модерн. кос­нулся не случайно прежде всего архитектуры и прикладного искус­ства, т. е. тех видов искусства, которые несут функциональную нагрузку. Для модерна характерно выявление функционально-кон­структивной основы здания, подчас вообще отрицательное отно­шение к классическим традициям ордерной архитектуры, исполь­зование пластических возможностей «ковкости» (и отсюда широкое введение кривых линий) металла и особенностей железобетона. Все это несомненно привело к новому образу зданий, таких, как доходные дома, богатые особняки, банки, театры, вокзалы. Но в модерне было также много стилиза­торского декоративизма с обилием кривых линий и нагромождени­ем декоративных элементов, склонности к иррационализму.

После Первой мировой войны разрушение структуры старых феодальных городов стало еще более интенсивным. Самым значи­тельным направлением архитектуры западных стран в 20-е годы явился функционализм, выросший из рационального направления модерна. Много способствовал распространению принципов функционализма Шарль Эдуард Жаннере, более известный в истории как Ле Корбюзье (1887—1965), Современная архитектура многим обязана именно функциона­лизму 20-х годов: новыми типами домов (галерейные, коридорного типа, дома с двухэтажными квартирами), плоскими покрытиями, удачным решением экономичных квартир со встроенным оборудо­ванием, рациональным планированием интерьера (введение передвижных перегородок, звукоизоляция и пр.).

В межвоенный период для архитектуры всей Европы характерно применение металлических и железобетонных каркасов, строитель­ство жилых домов из сборных железобетонных панелей. Поиск новых форм в связи с новыми конструктивными системами часто приводил к преувеличению роли техники, фетишизации техниче­ской проблемы.

Утрату ценностных ориентиров, характерную для культуры XX столетия, легче всего проследить в изобразительных искусствах. Искусство модернизма, порывающее с традицией и считающее формальный эксперимент основой своего творческого метода, каждый раз выступает с позиций открытия новых путей, и потому именуется авангардом. Все авангардистские течения имеют одно общее: они отказывают искусству в прямой изобразительности, отрицают познавательные функции искусства.

В 1905 г. на выставке в Париже художники Анри Матисс, Андре Дерен, Морис Вламинк, Альбер Марке, Жорж Руо, Ван Донген и несколько других экспонировали свои произведения, которые за резкое противопоставление необыкновенно ярких цветов и наро­читую упрощенность форм критика назвала произведениями «ди­ких» — les fauves, а все направление получило название «фовизм». У фовистов с их пониманием соотношения пятен чистого цвета, сведенным к контуру лаконичным рисунком, простым, «по-детски» линейным ритмом, оказались огромные возможности для решения декоративных задач. Самым та­лантливым из фовистов был не­сомненно Анри Матисс (1869— 1954).

Особое место среди французских художников начала XX в. занимает Амедео Модильяни (1884—1920). Многое роднит его с Матиссом — лаконизм линии, четкость силуэта, обобщенность формы. Но у Модильяни нет матиссовского монументализма, его образы много камернее, интимнее (женские портреты, обнаженная натура). Линия Модильяни обладает необычайной красотой. Обоб­щенный рисунок передает хрупкость и изящество женского тела, гибкость длинной шеи, острую характерность мужской позы. Мо­дильяни узнаешь по определенному типу лиц: близко посаженные глаза, лаконичная линия маленького рта, четкий овал, но эти повторяемые приемы письма и рисунка ничуть не уничтожают индивидуальности каждого образа.

Среди авангардистских направлений начала XX столетия, воз­можно, одним из самых сложных и противоречивых является экспрессионизм. Полный отказ от иллюзорного пространства, плоскостная трак­товка предметов, несгармонированные сочетания, излюбленные персонажи—проститутки, преступники, душевнобольные—та­кова мрачная поэтика экспрессионистов. Становление другого направления авангардизма — кубизма — связано с творчеством французских художников Брака и Пикассо. В 1907 г. в Париже была устроена посмертная выставка Сезанна, имевшая огромный успех. Схематизация форм, которую увидели будущие кубисты в Сезанне, и геометризация, привлекшая их внимание в только что открытой европейцами африканской скуль­птуре, были толчком для создания этого направления. Как и экспрессионисты, кубисты отказались от иллюзорного пространст­ва, от всякого намека на воздушную перспективу, фетишизировали конструкцию картины, поставив во главу угла строгую построенность предмета, представленного на плоскости открытым для обзора со всех сторон.

Наиболее крайняя школа модернизма — абстракционизм сло­жился как направление в 10-х годах XX столетия. Поскольку художники этого течения отказываются от показа предметного мира, абстракционизм называют еще беспредметничеством. Абстракционизм в скульптуре выразился меньше, чем в живо­писи. Здесь наблюдаются две тенденции: так называемое объем­ное направление (интерес к соотношению отвлеченных объемов) и «новое пространство» (решение новых про­странственных отношений

49. Искусство Франции второй половины 20 века

Охарактеризовать искусство Франции в послевоенные годы чрезвычайно сложно. Во-первых, некоторые процессы, происходившие в искусстве Франции 60—80-х годов, особенно в последнее десятилетие, не завершены по сей день и выносить о них окончательное суждение можно лишь с известной долей риска. То же самое можно сказать и об отдельных художниках — их место в общей эволюции искусства не до конца ясно, тем более, что современным художникам свойственна быстрая перемена ориентации, переходы из одного художественного стана в другой.

Во-вторых, роль французского искусства, особенно в 70—80-е годы, несколько изменяется. Париж перестает быть художественной столицей мира, оставаясь при этом крупнейшим художественным центром, а само французское искусство характеризуется неким усредненным западноевропейским уровнем. Все более очевидной становится ориентация на американские художественные образцы и потеря национального лица.

В-третьих, друг за другом уходят из жизни те. кто составили славу французского искусства XX столетия. Матисс (1954) ,Леже (1955), Люрса (1966) и "последний из могикан" — Пикассо (1973). Пришедшие им на смену художники, среди которых, бесспорно, есть очень интересные мастера, все же уступают своим великим предшественникам в даровании.

Неореализм во Франции, как и в других странах, где он получил распространение, пережил полосу расцвета во второй половине 1940-х — начале 1950-х годов. И это закономерно: неореализм был детищем антифашистской борьбы, движения Сопротивления, а значительная демократизация общественной жизни в первые послевоенные годы создавала благоприятные условия для его развития.

Достижения ваятелей, связавших свое творчество с антивоенной тематикой, были, пожалуй, более значительны, чем работы графиков и живописцев. В первую очередь следует отметить скульптуру О. Цадкина "Памятник разрушению Роттердама" (1953). Она стоит в голландском городе, сильно пострадавшем во время бомбардировок, напоминая об ужасах войны. Исполненная в кубистическом духе фигура с поднятыми вверх руками, одновременно молящими и защищающимися, с зияющей в груди пустотой — раной — экспрессивна, пластически выразительна.

На парижском кладбище Пер-Лашез воздвигнуты в разное время памятники жертвам концлагерей: Равенсбрюка (скульптор П. Морле) — каменные руки в оковах, взывающие к живым; Освенцима (скульптор Ф. Сальмом) —стилизованная струя дыма от крематория, в которой отдаленно угадываются человеческие фигуры; Бухенвальда (скульптор Л. Бансель) — три измученных узника-скелета. Эти разные по стилю памятники, авторы которых были либо участниками Сопротивления, либо узниками концлагерей, обращаются к живым, они призывают их не допустить повторения пережитого.

В 1940—60-е годы новый виток развития получил абстракционизм, ставший ведущим течением модернизма. Искушенный глаз специалиста отличает друг от друга произведения ведущих абстракционистов. Хартунг, например, узнается по быстрому росчерку-иероглифу, оставленному светлым мазком на темном фоне или, наоборот, темным на светлом. Де Сталь пишет мазками тяготеющими к квадрату, но с подчеркнуто неровными краями. Цвет наносится на холст плотно, закрывая всю его поверхность. Вазарелли неизменно тяготеет к геометризму и является ведущим представителем так называемого оптического искусства (оп-арт). Таким образом, можно сказать, что произведения абстракционистов сохраняют в известной мере индивидуальный почерк и оказывают различное эмоциональное воздействие, связанное с подбором красок, мрачных или, наоборот, радостных, характером мазка, легкого, подвижного или почти скрытого, и т. д.. но все эти цвета, линии, формы живут сами по себе, в отрыве от зримых образов действительности.

В 60-е годы поп-арт, достигший своего апогея в США, был продемонстрирован перед европейцами на венецианской бьеннале 1964 г. Французские художественные круги поначалу истово сопротивлялись "нашествию" поп-арта, видя в нем специфическое порождение именно американской культуры, могущее существовать лишь на американской почве. Но жизнь показала другое: поп-арт, или, как его еше называли во Франции, "неофигуративизм", проник в большие салоны и в полную меру продемонстрировал себя на молодежных парижских бьеннале, "вошел'", в музеи. Концептуализм, т е. искусство концепции, заменяющее изображение надписью и фактически отрицающее само право искусства на существование, получил во Франции известную популярность благодаря Вену (псевдоним Бенжамена Вотье)

В развитии современного художественного процесса во Франции все отчетливее обнаруживается тенденция, присущая и современному искусству других стран Запада.— идет активизирующее с каждым годом разрушение станковой живописи и скульптуры, станковой формы как таковой.

В послевоенное время Большое значение имело восстановление разрушенных войной городов и сельских поселений. Это стало первоочередной задачей, масштабы и характер которой до сих пор не имели места в истории архитектуры. Функционалистические принципы были использованы при восстановлении Мобежа и Сен-Дени (1946—1949, автор А. Люрса) во Франции. В середине 50-х гг. строительная техника переживала настоящую революцию. Всё более широко использовались возможности современных материалов: тонкостенного бетона, алюминия, пластмасс, синтетических плёнок (надувные сооружения) и др. Архитекторы-постмодернисты жертвуют логикой и «чистотой стиля» ради уюта и декоративности. Их здания и ансамбли — причудливое сочетание разнородных форм. Часто в них воспроизводятся мотивы антично-ренессансного зодчества, но без музейного почитания, а с игривой иронией или даже в окарикатуренном виде. Иногда архитектура прячется от зрителей за зеркальной облицовкой («здания-призраки»), иногда «украшается» вынесенными наружу трубами и проводами технических коммуникаций.

50. Немецкое искусство первой половины 20 века.

Конец 19 в. и первая половина 20 в. были в истории Германии эпохой глубокого кризиса и величайших потрясений. Но немецкое искусство конца 19 в. не ощущало грядущих грез. Тема «ужасов войны» если и звучала в произведениях некоторых художников-модернистов, то больше в виде символа, аллегории, извечной темы. Возникновение выставочного объединения «Сецессион» ясно свидетельствовало о том, что в искусстве появились другие стремления, «Сецессион» укреплял так называемый модернизм, но он поддерживал и выступления отдельных художников-демократов Этой тенденции противостояла другая линия в развитии немецкого искусства. К концу 19 в. сложилась группа художников политически активных, социально противопоставлявших себя капиталистическим силам, появляется искусство подлинной демократии, искусство, использующее ценности прошлого опыта, и смотрящее в будущее, художники - Г. Балушек, Т. Т. Гейне.

Ослабление политически действенного отклика на современность характерно для эволюции творчества Макса Клингера (1857—1920). Клингер чаще всего создает свои офорты сериями-циклами. Гравюры его полны античных реминисценций, музыкальных параллелей, мистической фантастики. В пластике Клингер делал опыты полихромной скульптуры («Амфитрита», 1899, Берлин; «Саломея», 1893; «Кассандра», 1895,— обе Лейпциг, и др.; скульптурные символические обрамления своих панно и др.). Он использовал для этой полихромии также разноцветные сорта мрамора и яшмы (например, в скульптуре «Бетховен», 1886—1902;). Надуманное искусство Клингера позднего периода показывало на приверженность к модерну, тогда как ранние социально направленные работы оказали положительное влияние на немецких граверов следующего поколения и сохраняют свое живое значение до настоящего времени.

На этом фоне революционная графика Германии периода 1890—1917 гг. (и последующего двадцатипятилетия) выступает в исторической перспективе как особенно ценное, чуть ли не единственное подлинно демократическое явление немецкого искусства этого периода.

В конце столетия и в особенности на грани века немецкая гравюра и офорт, так же как и литография, из техник репродукционных превращаются в важнейшую самостоятельную отрасль искусства.

Крупнейшим демократическим художником Германии 20 в. стала Кете Кольвиц (1867—1945). Поиски экспрессивного, заостренного стиля, стремление к монументальности формы всегда глубоко волновали К. Кольвиц, которая, однако, в поисках новой формы постоянно исходила из содержания — гуманной цели своего творчества. В ряде работ она ищет лаконически-обобщенный язык, доводя графические решения до сопоставления больших резко очерченных пятен белого и черного (гравюры на дереве из серии «Матери» и «Войны»). Кольвиц рано отошла от живописи, но зато немало творческих сил отдала скульптуре. В своих пластических работах Кольвиц также стремилась к обобщению, мучительно и напряженно отыскивая решение образной задачи.

Экспрессионизм— явление, получившее наибольшее развитие в годы, последовавшие за окончанием первой мировой войны, Основной художественный принцип экспрессионизма, оказавшего большое влияние на искусство ряда стран Центральной Европы,— передача, точнее, выражение субъективного отношения художника к тому, что его волновало,— составлял, по мнению некоторых его апологетов, вклад «германского духа» в новое европейское искусство. В реалистическом направлении работал Георг Кольбе (1877— 1947)—одинз лучших скульпторов Германии тех лет. Кольбе, начав работать как живописец и график, в дальнейшем сосредоточивается почти исключительно на скульптуре. Для его творчества характерен гуманизм, интерес к раскрытию духовной значительности человека. В этом отношении показателен его ранний скульптурный портрет Баха (1903;)

С 1933 по 1945 г. Германия пережила один из самых трагичных и мрачных периодов своей истории. Немецкий фашизм, Германии.В своей демагогической политике нацизм обрушился на так называемое авангардистское искусство художников-модернистов, спекулируя на действительном отрыве этого искусства от жизни, от народа. На деле нацистских идеологов раздражал, пусть смутный, дух протеста и неприятия действительности. В противовес официальному искусству нацизма подпольно боролось реалистическое демократическое искусство, связанное с антифашистским движением. Оно развивало традиции немецкого революционного искусства 20-х гг.

Быстрое экономическое развитие Германии во второй половине 19 в. ызвало значительный размах строительства промышленных, инженерных и транспортных сооружений, интенсивный рост городов. В области градостроительства наибольший интерес представляет строительство заводских поселков, создававшихся с целью обеспечить жильем рабочих промышленных предприятий.. Эти поселки были той лабораторией, где архитекторы, экспериментировали в области характера планировки, зонирования, размещения общественных зданий. Наиболее интересных заводских поселков - Альтенхоф в Эссене (1892), Вильдау под Берлином (1895).

Центром архитектурной деятельности становится так называемый «Баухауз» («Дом строительства») в г. Дессау, основанный еще в 1919 году. Это была высшая архитектурная и художественно-промышленная школа. Главными представителями направления, которого придерживался Баухауз, были его первый директор архитектор Вальтер Гроппиус, архитекторы Людвиг Гильберсеймер, Ганнес Майер, Миз-ван-дер-Роэ. Все они стояли на позициях «последовательного функционализма», считая, что «то хорошо выглядит, что хорошо функционирует». Деятели Баухауза стремились создавать внеклассовую, вненациональную массовую демократическую архитектуру, которая якобы будет способствовать уничтожению социальных противоречий капиталистического общества.

После прихода к власти фашистов строительство жилых комплексов для рабочих было прекращено, Баухауз закрыли, а все возглавлявшееся им архитектурное направление было объявлено «большевистским». Многие крупные архитекторы Эмигрировали из Германии, в том числе В. Гропиус, Мис ван дер РОЭ, Э. Мендельсон, Б. Таут, Г. Майер и другие. Рационалистические принципы функционализма были утрачены, основное внимание уделялось созданию парадных ансамблей. Конкретный человек с его материальными интересами и духовными запросами интересовал правящие круги фашистской Германии лишь как рабочая сила, солдат и объект для нацистской пропаганды. Этой задаче и была подчинена архитектура.

51. Немецкое искусство второй половины 20 века.

Современная архитектура Германии многим обязана именно функциона­лизму 20-х годов: новыми типами домов (галерейные, коридорного типа, дома с двухэтажными квартирами), плоскими покрытиями, удачным решением экономичных квартир со встроенным оборудо­ванием, рациональным планированием интерьера (введение передвижных перегородок, звукоизоляция и пр). После Второй мировой войны проблемы градостроительной практики увеличились. Развитие техники в середине и особенно во второй половине XX в. предоставило архитекторам необычайное разнообразие прак­тических возможностей и художественных приемов.

В современной архитектуре нет какого-либо одного ведущего направления. В Германии наблюдается соединение функционализма с экс­прессионизмом и органической архитектурой Ф. Л. Райта. Так ра­ботает в основном Ганс Шарун (Шароун). В последние годы жизни искания Шаруна сосредоточены были в основном на трех архитек­турных типах: жилой дом (жилой квартал), школа и театр, вернее, театрально-концертное здание,—ибо, по мнению мастера, именно эти три типа оказывают наибольшее влияние на духовную жизнь людей. В 1956—1960 гг. в одном из кварталов Штутгарта по его проекту построены два жилых дома («Ромео» и «Джульетта»). Слож­но решены пространственные связи квартир между собою (на одном этаже их планировка нигде не повторяется, широко применяется неправильной формы комната), а также двух домов друг с другом и с ландшафтом. По собственному определению автора, в задачу входило «дать простор импровизации... предоставить свободу вы­бора». В здании Берлинской филармонии Шарун спроектировал зал на 2200 мест так, что оркестр помещается в центре зала, зрители из любой точки зала видят, сидящих напротив и оркестр, что делает их не только слушателями, но и соучастниками концерта; по выражению одного исследователя, создается полное впечатление, что находишься внутри оркестра.

На протяжении всего XX столетия живет и развивается искус­ство, не порывающее с реалистическим видением, заставляющее думать над судьбами мира и общества и продолжающее лучшие традиции мирового искусства.

Новый реализм, которому еще не найден точный термин и который именуется исследователями чаще всего «реализмом XX века», начал складываться с первых лет столетия в революционной графике Кете Кольвиц, в её творчестве реализм приобетает наи­более экспрессивный характер. Одна из ранних работ Кете Кольвиц — серия из трех литографий и трех офортов «Восстание ткачей». В 1903— 1908 гг. ею создана серия офортов «Крестьянская война», явившихся вершиной европейской графики начала XX в. Это суровые и трагические образы народной борьбы. Соединение монументаль­ности и острой экспрессивности характерно для многих сдержанных и скорбных произведений К. Кольвиц.

В современном искусстве огромное значение имеет Новая лейпцигская школа. Для её стиля характерен новый реализм, вышедший из недр старой «лейпцигской школы» искусства ГДР, однако, в отличие от последнего, не всегда носит идеологический характер. К особенностям живописи этого стиля причисляют нарративность, фигуративность и приглушенные тона. На вопрос о том, что представляет собой феномен «новой лейпцигской школы», Георг Базелиц ответил: «Просто ребята не знали, что живопись умерла. Им забыли сказать». Одним из самых известных представителей Новой лейпцигской школы является Нео Раух. Теории, концепции, абстракции, несмотря на их огромное значение для немецкого искусства, никогда его не интересовали. Живопись художника представляет странный мир, цвета и образы Раух взял из эстетики социалистического реализма Восточной Германии, где он вырос и получил образование. При этом трактовка пространства и содержание носят скорее сюрреалистический характер.

Арно Брекер (нем. Arno Breker; 19 июля 1900, Эльберфельд, ныне входит в черту города Вупперталь) — 13 февраля 1991, Дюссельдорф) — немецкий скульптор и архитектор, представитель неоклассицизма. Интересно творчество Петра Ленка. Его стиль - карикатуры с фигурами знаменитостей и неизвестных, символически показывыющие связь между прошлым и настоящим. ПЕНК, А. Р. (Penck, A. R.), наст. имя — Ральф Винклер. представитель немецкого неоэкспрессионизма. Самоучка. С кон. 1960-х Пенк, опираясь на кибернетику, в частности, теорию информации, разрабатывал в своем творчестве субъективный язык знаков и символов. В живописных и графических произведениях он демонстрировал схематичные изображения человека с поднятыми вверх руками, животных, а также различные стрелки, треугольники, кружки, точки и линии Маттиас Вайшер — современный немецкий художник, живописец. В живописи Маттиас Вайшер использует архитектуру как центральную тему для изучения возможностей пространственного воображения. Орнаментальное богатство, несовместимые перспективы и сложное расположение объектов используются для создания психологического напряжения. Посредством банальности дизайна Вайшер представляет состояние современного сознания, когда модель жизни отражает желание и тревогу. Богатые поверхности контрастируют с геометрическими абстрактными полями с проработанными декоративными деталями, создавая игру между плоскостью и объёмом. Начиная с плана пустой комнаты, Маттиас Вайшер строит воображаемый интерьер слой за слоем, каждый добавляемый элемент раздвигает границы воспринимаемого пространства. Головокружительные повторяющиеся мотивы и визуальные загадки в духе Эшера вызывают ощущение сверхъестественного. Каждый холст представляет невероятную конструкцию. Никогда не населенные, пустынные интерьеры Вайшера не дают намека на характер своих жителей.

52.Достижения искусства центрально-европейскихх стран в новейшей истории

Венгрия. Рубеж 19 и 20 вв. отмечает начало нового этапа в истории венгерской художественной культуры. Художественная жизнь Венгрии начала 20 в. характеризуется неустанными поисками, борьбой демократически настроенной, близкой народу части художников с искусством официальным, академическим, далеким от новых запросов и требований жизни. Важную роль среди передовых направлений искусства сыграла группа Надьбаньи — так называемая Надьбанская школа.

Возрастающие социальные и общественные противоречия в канун первой мировой войны сказались в художественной жизни Венгрии усилением тенденций модернизма. Они наложили свой отпечаток и на творчество многих прогрессивно мыслящих художников. В 1911 г. формируется группа «Восьми» во главе с Кароем Кернштоком (1873 — 1940), создавшим в 1897 г. выразительное реалистическое полотно «Агитатор». Живописцы этой группы экспериментируют с цветом и формой, пытаясь искать новые образные решения. Однако эти поиски не привели в те годы к значительным результатам.

Монументальное искусство стало тем видом творчества, в котором венгерские художники и скульпторы достигли самых бесспорных результатов. В области монументальной живописи расцвело творчество Эндре Домановского. В станковой живописи интересные результаты дало обращение к тематической картине. Были созданы значительные произведения исторического жанра — «Перед бурей» Дьердя Кадара и Дьердя Конечного (1951).

Скульптура в период между двумя войнами развивалась в более традиционном духе. Официальные круги, ставившие довольно большое количество памятников различным деятелям венгерской истории, поощряли помпезные решения, вызывающие аналогии с монументами эпохи барокко.

Одно из первых мест среди венгерских скульпторов занимает сейчас Йене Кереньи (р. 1908). Еще в 1950 — 1951 гг. он создал чрезвычайно удачный памятник советскому парламентеру капитану Остапенко, в котором проявилось умение мастера при помощи точно найденной позы и жеста придать обобщенный смысл конкретному реальному образу. Упорно и плодотворно работают венгерские скульпторы над созданием монументов большого общественного звучания. Стремясь ярко и образно раскрыть содержание памятника, они ищут выразительное движение, запоминающийся силуэт. Среди молодежи выдвинулся в последние годы Иштван Киш (р. 1927). Его памятник Дьердю Доже, открытый в Будапеште в 1961 г., воссоздает мощную фигуру вождя крестьянского восстания и его сподвижников.

В конце 19 — начале 20 в. широкое распространение получили эклектика и стилизация в духе «исторических» архитектурных школ. Характерные черты архитектурной стилизации несут на себе многие значительные здания венгерской столицы — Выставочный зал (1894) и Музей изобразительных искусств (1900 — 1906), построенные архитекторами А. Шикеданцем и Ф. Херцогом. Наиболее яркими произведениями архитектуры модерна в Венгрии были работы архитектора Белы Лайта (1875 — 1920). Последний период развития венгерской архитектуры отличается осуществлением крупных градостроительных замыслов и повышением художественного уровня застройки. Среди значительных общественных зданий, построенных за последнее время в столице, выделяется Южный вокзал, расположенный в одном из живописных районов Будапешта (1962; архитектор Д. Ковари).

Швейцария. В первые десятилетия 20 в. в Швейцарии возрос интерес к искусству, внимание к нему, возросли и благоприятные материальные предпосылки, однако само искусство не достигло высокого уровня. Одаренные художники Швейцарии часто переселялись во Францию и другие страны.

Фердинанд Ходлер (1853—1918) является не только новатором и не только яркой творческой индивидуальностью. Деятельность Ходлера изменила все положение швейцарской живописи, которая показала себя способной сказать новое слово в европейском искусстве. Выступление иенских студентов в 1813 г. Дровосек. 1910 г.

Ганс Эрни (р. 1909). Увлечение геометрической орнаментальностью чертежей с их математическими ритмами отразилось в ряде его живописных работ. Но в дальнейшем Эрни пытается насытить свои композиции идеями все большей общественной значимости, стремясь поставить свое искусство на службу идеям социализма. Эйнштейн. Фрагмент фрески Музея этнографии в Невшателе. 1954 г. Беседа. Цветная литография. 1955 г.

Австрия. Конец 19—начало 20 в. связаны в Австрии с углубленными поисками новых путей развития архитектуры, которые оказали большое влияние на всю европейскую архитектуру и сыграли значительную роль в становлении различных творческих направлений новой архитектуры. В этот период в Австрии выдвинулась целая плеяда талантливых архитекторов, влияние которых вышло далеко за пределы страны,— Йозеф Ольбрих (1867—1908), Отто Вагнер (1841—1918), Йозеф Гофман (1870—1956), Адольф Лоос (1870—1933).

Условия общественной жизни Австрии в 20 в. определили неустойчивость и сложность явлений изобразительного искусства, нередко одновременное существование различных противоречащих друг другу индивидуальных исканий или даже целых направлений. Решающего общего направления в австрийском искусстве последних десятилетий нельзя найти; заметно ощутимо движение в сторону сюрреализма и абстракционизма, притом не только в живописи (Э. Фукс), но и в скульптуре (Ф. Вотруба, р. 1907).

Образовавшееся в 1919 г. после распада Австро-Венгрии Австрийское государство получило в качестве столицы почти двухмиллионный город. Поэтому строительство в Австрии в рассматриваемый период связано преимущественно с Веной, где проживало более четверти всего населения страны. Венское муниципальное строительство во многом определило всю творческую направленность австрийской архитектуры 20-х — начала 30-х гг. Строительство осуществлялось на свободных участках, что позволяло создавать относительно крупные жилые комплексы.

После ликвидации нацистской диктатуры и возрождения национальной независимости в Австрии с 1945 г. происходит определенная демократизация общественной жизни и культуры. Новые жилые комплексы, в отличие от довоенных, строятся с учетом современных градостроительных принципов — свободная планировка, смешанная застройка. При проектировании новых жилых комплексов архитекторы все большее внимание уделяют эстетическим поискам, например экспериментируют в области использования цвета в целях усиления художественной выразительности как отдельных домов, так и жилых комплексов в целом.

53.Достижения искусства скандинавских странв новейшей истории.

Норвегия. Конец 19—первые десятилетия 20 в. были сложным периодом в истории норвежской живописи. Ее плавное и спокойное развитие было нарушено. Возникают и новые тенденции в искусстве, которые постепенно приведут норвежскую живопись к нарастанию формалистических элементов. Наиболее крупными живописцами, продолжавшими линию развития национального искусства, были Турвалль Эриксен» Улаф Волль-Торне и позднее Ян Хейберг.

В 1917—1920 гг. архитекторами Арнстейном Арнбергом (р. 1882) и Магнусом Поулссеном (р. 1881) был построен грандиозный комплекс ратуши в Осло, являющийся блестящим примером современного синтеза архитектуры, живописи и скульптуры. На протяжении 1920—1950 гг. почти все крупные художники-монументалисты Норвегии: Эдвард Мунк, Хенрик Сёренсен, Альф Рольфсен, Пер Крог, Рейдер Аули и другие— приняли участие в оформлении внутреннего пространства ратуши.

В 30-е гг. в Норвегии появляются художники, вступившие на путь абстракционизма (Ингер Ситтер, Якоб Вайденманн и другие), работающие в этой манере и ныне. Но, несмотря на поддержку буржуазных кругов, не они определяют лицо норвежского искусства. В те же 30-е гг. большая группа молодых художников — Рейдер Аули, Вилли Мидельфарт, Арне Эклан и другие — избрали основой своего творчества социальную тематику, показ человека в труде.

Норвежская скульптура начала 20 вв. развивалась в русле общеевропейской. Скульпторы испытывали самые разнообразные влияния: классицистического направления, Родена, Майоля, затем модернистического искусства; из скандинавских мастеров — Герарда Хеннинга, а позднее Карла Миллеса и финской скульптуры. Крупнейшим скульптором Норвегии был Густав Вигеланн

Швеция. В шведском пейзаже можно проследить национальную струю, В портрете, жанре и натюрморте это сделать почти невозможно, так как большинство шведских художников подражают Матиссу, Шагалу, пуристам (Андре Лот),. Браку и т. д. Экспрессионизм в Швеции, стране, стоявшей в то время несколько в стороне от основных социальных противоречий эпохи, не получил широкого распространения. С 30—40-х гг. в Швеции постепенно занимает доминирующее положение абстракционизм. К нему примыкают как художники старшего поколения — Йост АдрианНильссон.

В 20—40-х гг. в шведской скульптуре определяются два направления: большая группа художников, пытается сочетать классическое искусство с современностью. Одновременно ряд скульпторов, приходит к сюрреализму и абстракционизму.. Крупный современный мастер монументальной скульптуры - Эдвина Орстрема.

Для архитектуры Швеции первой четверти 20 в. было характерно относительно слабое развитие рационалистических тенденций. Другие направления 20-х гг.— неоклассицизм, ь развивались рационалистические тенденции функционализма.

В годы второй мировой войны дефицит целого ряда импортных строительных материалов, заставил обрать внимание архитекторов архитекторов к местным строительным материалам и традиционным композиционным приемам и формам. Этот своеобразный сплав функционализма с национ. традициями получил наименование неоэмпиризма (1вартирный дом под Стокгольмом, 1945, архитектор С. Маркелиус).

Однако с конца 50-х гг.. можно отметить три основные тенденции. в архитектуре Во-первых, это стремление к обогащению внешнего облика здания путем или усложнения его общей композиции, Во-вторых, Это стремление использовать конструкцию в качестве основного средства художественной выразительности здания. В-третьих, это все более проникающие в шведскую архитектуру элементы модернизма, связанные главным образом с влиянием школы Мис ван дер Роэ.

Финляндия. В начале нового века в искусстве Финляндии усиливаются формалистические тенденции. Начинается отход от реалистических национальных традиций, отступление от задач демократического искусства. В 1912 г. возникает группа «Септем», идейным главой которой был Магнус Энкел. С конца 50-х гг. абстракционизм захватывает все большие круги финских художников. Но наряду с этим ряд художников-живописцев, таких, как Леннарт Сегерстроде (р. 1892), Свен Грёнвалл (р. 1908), Эва Седерстрём (р. 1909), Ээро Нелимаркка (р. 1891) и другие, продолжают работать в реалистических традициях.

Значительное место в художественной жизни Финляндии занимает скульптура. Десятые-двадцатые годы ознаменованы в финском искусстве тяготением к экспрессионизму, а затем к абстракционизму. Начинаются поиски «самодовлеющего объема», «чистой формы» и т. д., и лишь немногим скульпторам удается противостоять этим чуждым влияниям. Среди них нужно в первую очередь назвать крупнейшего современного скульптора-реалиста, принесшего Финляндии мировую славу,— Вяйнё Аалтонена (р. 1894).

Несмотря на то, что в последние десятилетия в финской скульптуре абстракционизм как официальное направление занял довольно прочное место, большая группа молодых художников, новаторски развивая реалистические основы искусства как в портретной, так и в монументальной скульптуре, не дает абстракционистам занять ведущее место.

Большое значение для финской архитектуры начала 20 века, имела связь с современной им русской художественной культурой, в которой в эти годы был широко распространен интерес к освоению традиций народного зодчества, прикладного искусства, фольклора.Новые черты в архитектуре общественных сооружений вносит Эрик Брюгман (1891—1955). Он первым в Скандинавских странах широко раскрывает интерьер с помощью стеклянного витража в окружающее пространство (часовня в Турку, 1938—1941), стремясь создать новый художественный эффект и новое единство архитектуры и природы. Повсеместно основными чертами применение наряду с новыми материалами (металл, пластики, эмали, этерниты и т. п.) естественных и традиционных в Финляндии местных материалов (дерево, гранит) и — самое главное — умение вписаться в природное окружение, показать взаимосвясь архитектуры и природы.