34. Народная игрушка. Виды и ее местные особенности

Гончарное ремесло известно в России с незапамятных времен. Глина была повсеместно распространенным подручным материалом, богатые пластические и художественные возможности которого привлекали к нему человека еще в древнейшие времена. Глина очень легко поддается обработке: из нее можно вылепить все что угодно. А с открытием обжига глиняные изделия, прежде всего глиняная посуда и утварь, стали самыми необходимыми и самыми практичными в быту древнего человека. Археологи находят в древних славянских курганах бесчисленное множество черепков глиняной посуды.  Ранее других существовала лепная керамика, т. е. глиняные изделия, вылепленные руками, без каких-либо специальных приспособлений. Такая лепная керамика сохранилась у некоторых народов до наших дней. Рядом с сосудами существовали бесчисленные лепные фигурки животных, птиц, людей. В них ярко отразились древние верования, суеверия, приметы; часто в глиняных фигурках видели духов-охранителей человека, его жилища, скота, посевов.  На протяжении столетий они превратились в глиняные лепные игрушки, и в этом виде существуют и продолжают изготовляться в наши дни.  Примерно в IX—Х вв. в России появился гончарный круг—простейший станок или скорее приспособление, приводившееся первоначально в движение рукой, позже ногой. Изобретение гончарного круга, так же как ткацкого станка,— важнейший этап в развитии производственной деятельности, а вместе с тем технических и художественных способностей людей. Гончарный круг упростил, ускорил изготовление глиняной посуды и утвари, вместе с тем работа мастера-гончара не утратила своей индивидуальности, а его сосуды — своей рукотворности, так как и при наличии гончарного круга основное было в руках гончара, и в его мастерстве, и в его воображении.  Хотя глиняные сосуды обычно не имели такого конкретного образа, как фигурки, но косвенно они отождествлялись гончарами с живой природой и даже с человеком. Об этом свидетельствуют названия частей керамического сосуда: тулово, шейка, горлышко, носик, ручка. Закрепились эти представления и в народных поговорках. «Повадился кувшин по воду ходить, тут ему и голову сложить!» Под кувшином здесь подразумевается беспутный человек, гуляка. В одном шуточном антирелигиозном стихотворении 20-х гг. можно было прочитать: «И сотворил бог бабу по образу и подобию кринки молочной».  Простейший орнамент на глиняной посуде в виде ямок, вмятин возник в незапамятные времена, возможно, как технический прием уплотнения черепка для достижения лучшего его обжига, еще до появления специальных печей. Древние развитые культуры славян уже имели целую систему изображений на сосудах, содержание которых раскрывает представления людей о мире и природе, связано с трудом земледельца. Волнистые линии, например,— знак воды, прямые линии условно изображали землю и т. д. На керамике нового времени наряду со множеством позднейших мотивов сохраняются и старинные, но в ином, собственно декоративном значении.  Одним из старейших приемов украшения посуды является лощение. Это блестящие полоски, которыми с помощью гладкого камня или кости — лощила — покрывают часть либо всю поверхность сосуда, не совсем высохшего, еще не обожженного. Одновременно лощение уплотняет поверхность черепка, делает его менее водопроницаемым и более прочным. Существует красноло-щеная и чернолощеная керамика. Первая — естественного цвета красной гончарной глины. Вторая—задымленная, обожженная в коптящем пламени без доступа кислорода. Такую черную керамику еще называют томлёной или мореной. Этот древний тип гончарства распространен в разных районах России. Он сохранился до наших дней.  В XVII—XVIII вв. московские гончары виртуозно выполняли черную посуду—крупные кувшины, фляги, бочонки на ножках, иногда с ложчатыми, рифлеными стенками, украшенные наряду с лощением рельефным и тисненым орнаментом. Их четкие формы, отделка деталей нередко подражали металлическим. Другой, более простой способ украшения — обварка — состоит в том, что горячие горшки вынимают из печи и сразу же окунают в мучную болтушку. При этом черепок становится плотнее, крепче, а на поверхности появляются округлые концентрические коричневые пятна и точки, образуя естественный орнамент.  Один из видов облагораживания и украшения глиняных изделий — покрытие и роспись ангобом — жидко .разведенной глиной другого цвета, чем та, из которой выполнен данный предмет.  В 40-х гг. XVIII в. стали выпускать русскую ценин-ную посуду — с синей и многоцветной (желто-зелено-коричневой) росписью, которую наносили на сырую (до Убжига) поверхность, покрытую белой эмалью (непрозрачной глазурью). Она была освоена на заводе московского купца Афанасия Гребенщикова (открыт в 1724 г.), талантливый сын которого Иван Гребенщиков не только изучил технологию майолики, но опытным путем сумел подойти к открытию технологии изготовления фарфора. В конце XVIII в. в процессе конкурентной борьбы дорогая майолика заменена более простым в изготовлении полуфаянсом: изделиями из белой глины, покрытыми бесцветной прозрачной глазурью и украшенными, как правило, одноцветной синей подглазурной росписью. Фарфор с многоцветной надглазурной росписью, открытый в России в XVIII в., позднее получил своеобразное декоративное направление у народных мастеров керамического промысла. Параллельно с фарфором и фаянсом, относящимися к тонкой керамике, продолжало развиваться народное гончарство. В XIX— начале XX в. характерно украшение гончарной посуды Цветными глазурями, процарапанным, рельефным орнаментом с помощью штампиков и налепов.  Русские керамические промыслы в XVIII—XIX вв. существовали во многих селах и деревнях. Каждый, как правило, обслуживал свой небольшой район, и лишь некоторые приобрели широкое значение. Известность пришла ко многим из них уже в советское время. В ряде районов Ярославской, Московской, Калужской губерний сохранялась традиция изготовления чернолощеной посуды, которую вытягивали в одних местах на ножных, в других — на ручных гончарных кругах, украшали бороздками, несложной гравировкой прямо на станке с помощью штампиков из дерева, глины, металла. Удивительны гармония пропорций, пластическая завершенность и ясность форм этих простых предметов:  кувшинов для масла, молока, корчаг для кваса, крынок, разных размеров горшков для каши, сметаны, рукомоев и т. д.  В других местах делали не мореную, а обычную красную, коричневую или желтоватую посуду из местной глины, украшали ее горизонтальными полосками, пятнами, кое-где веточками, нанесенными белой глиной. Такого типа гончарная посуда бытовала в Псковской, Новгородской, Тверской и других губерниях. В некоторых районах покрывали красный черепок белым ангобом, а на него порошком цветной глазури наносили несложный узор в виде спиралей, полосок, пятен и слой бесцветной прозрачной глазури. Такого типа крупные, высокие горшки с крышками для хранения воды делали, например, в б. Вятской губернии. Их называли «меденники», так как формой они подражали медным сосудам. В Воронежской губернии гончарные кувшины, миски, рукомои украшали рельефными налепами в виде пуговок и поливали цветной глазурью. Применение трех цветных легкоплавких глазурей коричневой (марганцевой), зеленой (медной) и желтой (железной) характерно для гончарства разных районов второй половины XIX — начала XX в.  Художественная выразительность русской бытовой гончарной посуды заключена не столько в цвете или орнаменте, которые, как правило, очень скромны, сколько в пластическом решении. Нанесение цветных (белых, красных) поясков, желобков или рельефных жгутиков, утолщение краев, подчеркивание низкого поддона или кольцевой ножки, ручек, которые хорошо входят в общий силуэт вещи,— все это части одного законченного архитектурно-скульптурного целого, гармонично объединяющегося с родственным ему бытовым окружением.

Основные современные промыслы русской художественной керамики — это гжельский фарфор в Московской области, скопинская майолика в Рязанской области, дымковская игрушка в г. Кирове, филимоновская игрушка в Тульской области, каргопольская игрушка в Архангельской области, абашевская игрушка в Пензенской области.  Кроме того, мастера глиняной игрушки работают в с. Жбанниково близ Городца Горьковской области, в С. Кожля Льговского района Курской области, в с. Алексеандро-Прасковьинка Сапожковского района Рязанской области, в с. Хлуднево Думинического района Калужской области и др.  Глиняные игрушки получили в наши дни новую жизнь в качестве декоративной скульптуры и национальных сувениров. Широкий интерес к ним стимулировал творчество мастеров в ряде забытых центров. Увлечение частных лиц их коллекционированием и постоянное пополнение музейных собраний, заказы мастерам для выставок, художественных салонов, на экспорт поощряют творчество, подчас обнаруживающее значительные потенциальные возможности там, где, казалось бы, это искусство уже стало областью истории. Что касается русских народных керамических изделий, то в 50 - 60-х гг. их развитию был нанесен большой ущерб. Во многих, в том числе и в традиционных, центрах гончарный круг, даже усовершенствованный, с электроприводом, был признан устаревшим, несовременным оборудованием; работу на гончарном круге стали заменять литьем керамических изделий в гипсовых формах по типу той технологии, которая существует на крупных промышленных предприятиях. Тем самым рукотворные и вариантные художественные изделия были заменены стандартными, точно повторяющимися копиями, сделанными по моделям, предложенным художником-профессионалом.  Очевидно, возрождение этой области народного художественного творчества, где самый процесс изготовления вещи имеет огромное художественное значение, — дело ближайшего будущего.

Гжель. Самый известный крупный народный художественный керамический промысел — подмосковная гжель. Этот район из 30 сел и деревень бывших Бронницкого и Богородского уездов, в 60 км от Москвы ныне Раменский район), давно славился своими глинами и гончарами. Центром гончарства была Гжельская цэлость — деревни Речицы, Гжель, Жирово, Турыгино, Бахтеево, Новохаритоново, Володино, Кузяево и др., где было много мастерских. Примечательно, что первый русский фарфор Д. И. Виноградова был выполнен из гжельских глин. Известны слова М. В. Ломоносова: «Едва ли есть земля самая чистая и без примешания где на свете... разве между глинами, для фарфора употребляемыми, какова у нас гжельская или еще исетская, которой нигде не видал я белизною превосходнее». В произведениях майолики XVIII в., полуфаянса и фарфора XIX в. ярко представлено искусство народных мастеров России. Имея большой опыт гончарного дела, отличаясь живым сметливым умом, гжельские мастера быстро осваивали производство майолики на заводе Гребенщикова, а затем уходили от хозяина и начинали изготовлять подобные изделия в своих мастерских. Они создали нарядную посуду: квасники — декоративные кувшины с кольцевидным туловом, высокой куполообразной крышкой, длинным изогнутым носиком, скульп-птурной ручкой, часто на четырех массивных округлых ножках; кумганы, подобные же сосуды, но без сквозного отверстия в корпусе; кувшины, рукомои, кружки-шутихи, «напейся — не облейся», блюда, тарелки и др., украшенные орнаментальной и сюжетной росписью, исполненной зеленой, желтой, синей и фиолетово-коричневой красками по белому фону.  Обыкновенно в центре майоликового блюда или на передней плоскости кольцевидного тулова квасника изображалась гордо выступающая птица типа журавля или цапли — тонким черным контуром с легкой подцветкой;  это основное изображение дополняют и сопровождают легкие условные деревца, кустики, иногда предельно обобщенные, схематизированные изображения людей, например дам в кринолинах, иногда архитектурных сооружений. Виртуозность штриха, свобода расположения и уравновешенность всех изображений, их вписанность в круг, изящество и тонкость раскраски — все это указывает на чрезвычайно высокую квалификацию и художественную одаренность мастеров-расписчиков. Но не отстают от них и скульпторы. Плечики, крышки, ручки кувшинов и кумганов дополнены небольшими жанровыми скульптурными фигурками людей и забавными изображениями животных. Мелкая декоративная пластика выполнялась и вне связи с посудой. Мастера опять-таки с юмором изображали то, что видели в жизни: вот женщина везет ребенка на санках, а вот военный в треуголке; жена стаскивает сапог с ноги мужа, старик дерется со своей старухой, мальчик-поводырь ведет нищего и т.д.  В гжельской майолике объединены пластические достижения, богатство фантазии и простодушие образов народного гончарства, отражены черты барокко и классицизма. Как установлено исследователем Т. И. Дулькиной, с конца XVIII в. и в первые два десятилетия XIX в. возникло около 50 предприятий, изготовлявших полуфаянсовые изделия. В искусстве русской народной керамики полуфаянс Гжели представляет собой одно из ярких явлений. Сначала полуфаянсовая посуда по формам была близка майолике. Это — крупные кумганы, квасники со скульптурой, но с более простой синей цветочной росписью. Затем формы стали проще; преимущественно выполняли кувшины, рукомои, чернильницы, солонки и др. Созданная народными мастерами Гжели система решения пластической формы сосуда и декоративной росписи имеет значение целой художественной школы русской народной керамики.

Полуфаянсовое производство существовало в Гжели нa протяжении всего XIX в. наряду с появившимся рслед за ним тонким фаянсом и фарфором.  формы посуды и печатные рисунки переходили с одного завода на другой. На мелких гжельских фарфоровых заводах при всем их стремлении подражать дорогим изделиям родилось свое оригинальное искусство русского фарфорового лубка с его грубоватой цвети-стотью, народной трактовкой скульптурных образов, которые мастера создавали по-своему, отталкиваясь от образцов дорогого фарфора. Фарфоровые статуэтки приобретали в претворении гжельских мастеров черты, общие с простой глиняной игрушкой. Гжельские изделия распространялись не только по всей России, их вывозили в Среднюю Азию и страны Ближнего Востока. Учитывая местные вкусы, гжельские мастера создали устойчивый ассортимент так называемого «азиатского» фарфора: чайники, пиалы разных размеров и определенной формы, с характерной цветочной росписью в медальонах, на цветном фоне. Посуда эта широко бытовала и в русских трактирах. С развитием во второй половине XIX в. капиталистической промышленности, выделением Крупных фабрик, гжельский район с его мелкими крестьянскими мастерскими утратил свое значение, а многие бывшие владельцы мастерских и члены их семей пополнили ряды наемных рабочих.  Работая на крупных фабриках и заводах, они способствовали сохранению народной традиции в росписи дешевого фарфора и сыграли немаловажную роль в дальнейшем формировании русского советского фарфора. Скоростная свободная кистевая роспись с цветочными мотивами в конце XIX — начале XX в. получила название «агашка». Само же искусство гжельского промысла пришло к этому времени в полный упадок и было предано забвению. Только в 40—50-х гг. благодаря исследованиям искусствоведа А. Б. Салтыкова и работам московской художницы Н. И. Бессарабовой искусство Гжели стало возрождаться. Основой этого возрождения послужило наследие гжельской майолики XVIII в. и полуфаянса XIX в. Роспись же была принята одноцветная синяя подглазурная (кобальтом) по типу градиционной полуфаянсовой. Н. И. Бессарабова не только создала ряд предметов нового ассортимента: кувшины, кружки, молочники, вазы, пепельницы и др., "о и обучила мастериц забытым приемам кистевой росписи. С юности связала свою деятельность с гжельским промыслом потомственная талантливая керамистка Т. С. Дунашова. Татьяна Сергеевна стала заслуженным художником РСФСР, лауреатом республиканской премии им. И. Е. Репина. Она опытный наставник молодежи.  В развитии современного гжельского фарфора большую роль сыграло творчество художницы Л. П. Азаровой, которая работает в Гжели с 1954 г. и более 20 лет была главным художником на производстве. Талантливый скульптор, обладающий неиссякаемой фантазией, Л. П. Азарова стала автором многочисленных скульптурных и посудных изделий. Особенно разнообразны произведения Азаровой, созданные ею начиная с середины 60-х гг.Нередко орнаментальную роспись ее скульптурных подарочных предметов удачно дополняют небольшие надписи: слова из песен, народные поговорки и т. п., в этом проявляется интерес художника к лубку и тонкое его понимание. За многолетнюю творческую деятельность Л. П. Азарова удостоена почетного звания народного художника РСФСР. Она лауреат премии им. И. Е. Репина.

Гжельская посуда с синей кобальтовой росписью по белому фону завоевала большую популярность у советского народа. Во многих домах можно встретить необычайно уютный и аппетитный гжельский чайник для заварки — белый с синими носиком, ручкой и крышкой и с дискообразным туловом, на котором в синем круге на белом фоне помещен крупный массивный синий цветок; гжельскую сахарницу в виде горшочка с синим краешком «оборкой» и другие подобные обиходные предметы. Любители собирают у себя дома настоящие гжельские коллекции.  Объединение «Гжель» наряду с развитием производства художественного фарфора в деревнях Бахтеево и Турыгино в последние годы успешно ведет работу по возрождению майолики с росписью по сырой эмали в деревне Трошково. Ряд предметов, украшенных скульптурой, многоцветной сюжетной и орнаментальной росписью по белой эмали, создали художники Е. И. Сапронова, В. А. Петров, Н. Б. Туркин и др.  Скопин. Среди очагов народного художественного гончарства уникален промысел декоративной керамики, находящийся в городе Скопине Рязанской области. Рязанская земля, богатая традициями разных видов народного искусства, стала родиной давно сложившегося здесь производства гончарной посуды и лепных глиняных свистулек. В городе существовал целый «гончарный конец», а жителей города называли «скопинскими свистушниками».

До середины XIX в. глазури здесь не применяли, а делали обычные черные («синюшки») и обварные горшки. С освоением глазурования скопинские изделия стали значительно более яркими, декоративными. Обычная бытовая посуда скопинских гончаров XIX—начала XX в. выполнена из светлой глины, имеет мягкие очертания, края часто заканчивают фестончатые «оборочки». Рукомои, кувшины, глубокие миски, кружки, хлеб-ницы и др. формовали на низких ручных гончарных Кругах, украшали процарапкой, штампиками, налепами и потечными цветными глазурями. Часто на одном предмете живописно сочетали глазури коричневую с зеленой или зеленую с желтой. Высушенные изделия об-маывали дегтем, посыпали неровно размолотым порошком цветных глазурей и обжигали в ямном горне. Примерно с середины XIX в. в промысле стали де-лать декоративную скульптурную керамику. Сохранились сведения, что сначала мастера выполняли единичные фигурные предметы; льва, птицу, шар, самовар и т. п. и ставили такую вещь на столбе у ворот своего Дома, как украшение и в знак того, что здесь живет незаурядный мастер. При этом соревновались в сложности и фантастичности работ. Потом стали выставлять такие диковинные фигуры и скульптурные кувшины на ярмарке перед своим обычным товаром для привлечения к нему внимания покупателей. . Спрос на де-коративные изделия поощрил мастеров делать их уже специально на продажу. Фигурные сосуды возили на праздничные базары в Москву, Рязань. В Государственном Историческом музее хранится целая коллекция скопинской керамики второй половины XIX — начала XX в., дающая полное представление о ее видах и художественных особенностях. Есть подобные изделия и в других музеях. Интересны кувшины с высоким горлом, туловом в виде медведя или хищной птицы скопы, с ручкой и носиком в виде змеи. Крышку часто завершала фигурка птицы, зайца или собачки. Иногда сосуд имел кольцевидный корпус, а внутри него помещалась фигура медвежонка или дракона. Порой делали бутыль в виде мужской фигуры с палкой в руке. Сохранились подсвечники в виде двуглавого орла, птицы скопы, мужика в полушубке и т. д. Среди образов скопинской керамики — Полкан-богатырь с дубинкой в руке, явно пришедший из лубочных картинок. Орнамент, цвет, сложный силуэт объединяют посудные части изделий со скульптурными, образуя целостные декоративные предметы.  Кроме декоративных скульптурных сосудов, делали и просто скульптуру: драконов, львов. Рассказывают, что один из старых мастеров, работавших в конце XIX в., Желобов выполнял даже портретные изображения знакомых, вытягивая их, как обычно, на гончарном круге, по памяти, и дорабатывая детали от руки.  В годы первой мировой войны скопинский промысел постепенно пришел в упадок. Возрождение его относится уже к 40—50-м гг. В это время продолжали еще работать старые мастера скопинского промысла И. И. Максимов и М. И. Тащеев. Оба они в 40—50-х гг. выполнили ряд скульптурных работ для музеев и выставок. Они хорошо помнили все основные особенности и приемы исполнения скопинской керамики. Их опыт и знания постепенно перенимают и осваивают более молодые мастера, пришедшие в промысел. Это потомственный гончар М. М. Пеленкин, затем Н. К. Насонова, сохраняющие традицию до сих пор. С 1964 г. постоянно работает на Скопинской фабрике художественной керамики ;  А. И. Рожко, получивший специальное художественное образование в Абрамцевском училище.

В 60—70-х гг. предпринимаются попытки создать особый тип сувенирной скопинской керамики. Это не- большие фигурки львов, птиц, сцены цирка и т. д. В разные годы интересные образцы создавались такими московскими художниками-скульпторами, как Н. И. Бес-сарабова, Л. Н. Шушканова, Т. Д. Зубова, Н. М. Куприянова. Наряду с этим Н. К. Насонова создает традиционные для промысла квасники с птицами, подсвечники, вазы для фруктов.

фантастические фигурные скопинские сосуды, покрытые коричневой или зеленой глазурью, занимают все более значительное место на выставках декоративного и народного искусства. Интерес к ним со стороны ценителей, коллекционеров и просто массового потребителя неизменно возрастает. Замечательное искусство скопинских гончаров вносит свой яркий штрих в общую картину современного развития русской народной декоративной керамики.  Дымковская игрушка. Среди современных русских глиняных игрушек самой большой известностью и популярностью пользуется дымковская (в прошлом вятская) игрушка. Это обобщенная, декоративная глиняная скульптура, близкая к народному примитиву: фигурки высотой в среднем 15—25 см, разукрашенные по белому фону многоцветным геометрическим орнаментом из кругов, Горохов, полос, клеток, волнистых линий, яркими красками, часто с добавлением золота. Традиционными и постоянно повторяющимися в дымковской игрушке являются всадники, петухи, женские фигуры в расширяющихся книзу колоколообразных юбках и высоких головных уборах — кокошниках, именуемые няньками, кормилицами, барынями, водоносками; все они явно пришли из XIX в., но в 60—80-е гг. XX в. обновляются, переосмысливаются и, не меняя почти своего облика и костюма, становятся «воспитательницами в детском саду», «учительницами», «колхозницами», «доярками» и т. д. Дымковские индюки и кони реальны и фантастичны в одно и то же время. Индюк с пышным веерообразным хвостом, конь в ярко-синих яблоках-кругах, у козла красные с золотом рога. Во всех этих наивных и красочных образах так и видятся присущие русскому народу простодушие, удаль, оптимизм, склонность к сказочной, песенной интерпретации действительности. В женских фигурах большое значение имеют выразительные детали: нарядные прически, головные уборы, оборки на Рукавах, передниках, пелеринки, муфты, зонтики, сумочки и т. п.  Вылепленные игрушки высушивают при комнатной температуре от двух-трех дней до двух недель (в зависимости от размера). Затем их обжигают. Прежде обжиг проводили прямо в русской печи. Теперь же — в электрических муфельных печах. Обожженные до красно-раскаленного состояния и остывшие в печи игрушки покрывают ослепительно белым слоем мела, разведенного на снятом молоке. По этой побелке выполняют яркую многоцветную роспись. На одной фигурке применяют 4—8 цветов. В настоящее время используют гуашевые краски, разведенные на яйце. Традиционное приготовление состояло в растирании сухих анилиновых красок на яйце, разведенном уксусом или перекисшим квасом. В прошлом кисточка была самодельной из продернутого холщового лоскута, намотанного на палочку. Пятна наносили торцом ровно срезанного прутика. Теперь употребляют колонковые или хорьковые кисти.  Роспись представляет собой, как правило, крупный геометрический узор, сочетающийся с гладкоокрашен-ными частями. Особенно разнообразно и нарядно орнаментируют юбки. Орнамент часто покрывает фигуры животных, заменяя изображения шерсти или оперения. Цвета росписи локальные, сочетаются по принципу контраста и взаимного дополнения. Многоцветие подчеркнуто присутствием белого и черного цветов и дополнено блестящими квадратиками сусального золота (теперь—медный поташ), наклеенными на головные уборы и воротники дам, эполеты и кокарды военных, пышные хвосты индюков и т. д.

С течением времени многоцветие и яркость росписи увеличились. Сохранившиеся от XIX — начала XX в. дымковские игрушки не так интенсивно расцвечены; их орнамент состоит из меньшего количества элементов, они в чем-то грубее, примитивнее, но в то же время цельнее, монолитнее, обобщеннее и непосредственнее, чем современные.  В середине XIX в. этим промыслом в заречной слободе г. Вятки Дымково занималось около 60 семей. Происхождение его древнее. Старинные ритуальные обряды с участием свистулек со временем превращались в узаконенные традицией праздничные ярмарки. К ним относится и ярмарка «свистунья» (прежде называлась «свистопляска»), которая проводилась в Вятке ежегодно в мае и длилась три-четыре дня. К этой ярмарке в течение всей зимы готовили свой яркий, веселый товар дымковские игрушечницы.

К началу XX в. его вытеснило более выгодное литье гипсовых фигурок. В 1908 г. продолжала делать игрушки единственная потомственная мастерица А. А. Мезрина. Тогда ее и узнал вятский художник А. И. Деныпин, в то время еще 15-летний гимназист, посвятивший впоследствии много лет изучению искусства дымковской игрушки и возрождению этого промысла.  В 30-х гг. вокруг А. А. Мезриной, А. И. Деныпина и его жены Е. И. Косс-Деньшиной группировалось уже несколько мастериц. В их числе дочери А. А. Мезриной — А. И. Мезрина и О. И. Коновалова, Е. А. Кошкина и ее дочь 3. Ф. Безденежных, Е. И. Пенкина и ее невестка 3. В. Пенкина; все они работали в первой половине нашего века. Им искусство дымковской игрушки обязано своим возрождением и своей современной славой. Во второй половине века им на смену пришло более молодое поколение дымковских мастериц. Среди них Е. 3. Кошкина, А. И. Печенкина, В. П. Племянникова, Н. П. Борнякова и другие.

Основным сырьем для изготовления игрушек служит местная жирная глина, смешанная с мелким, просеянным через сито речным песком и тщательно перемятая. При лепке постоянно пользуются водой и мокрой тряпкой, иначе глина быстро начинает растрескиваться. У свистулек лепят только верхнюю переднюю часть фигуры. Таковы свистульки — всадники, птички, кони с одной, двумя и тремя головами, козлы, бараны, фигурки военных и т. д.  В советское время с развитием промысла появилось много сказочных, исторических и бытовых многофигурных композиций, включающих архитектуру (домики, карусели), элементы пейзажа (деревья, символизирующие лес, грядки с вилками капусты изображены в сцене «Уборка капусты») и т. д. Вместе с тем традиционный круг тем не утрачен. Он существует рядом с новыми и во многом диктует характер трактовки современных фигур и групп, помогает сохранить специфический неповторимый облик игрушек и в его пределах дает широкий простор творческой фантазии авторов. Все мастерицы старшего поколения много сделали для утверждения современного промысла и его дальнейшего развития. Творчество Е. И. Косс-Деньшиной (обучалась у Е. И. Пенкиной в конце 30-х гг.) дает пример полного слияния художника с искусством традиционного промысла. Она с 1923 г. знала и любила дымковскую игрушку. В 50-х гг. стала одной из ведущих художниц промысла. Ее новые поиски—настенные панно, фризы, пробы в набойке и другие, очень органично расширяют традиции этого уни-кального производства. Значение дымковской игрушки давно уже не игровое. Это — народная декоративная скульптура, которая прекрасно совмещается с современной мебелью, тканями и не просто украшает жилой или общественный интерьер, а всегда несет активный положительный эмоциональный заряд. Дымковская игрушка чаще многих других промыслов вдохновляет художников современных тканей шки гда своими сюжетами, чаще орнаментами, цветовыми сочетаниями и т. д. Существуют танцевальные ансамбли в костюмах дымковских игрушек, фарфоровые сервизы на ту же тему. Она нередко привлекает и станковых живописцев.   Филимоново В Тульской области известны два очень разных промысла глиняных игрушек. Один, доживший до наших дней, связан с крестьянской традицией и хранит в современных изделиях архаические черты пластики и орнамента. Центр его — деревня Филимоново Одоевского района (эти игрушки и называются филимоновскими или одоевскими). Другой — типично городской — npoмысел существовал в последней четверти XIX в. на окраине города Тулы, в районе Гончары, и не возоб новлялся. О нем мы знаем по музейным экспонатам и упоминаниям в литературе. В его фигурках и группах выражено стремление мастеров подражать фарфорровым статуэткам, и предназначались они, очевидно, для украшения комодов небогатых горожан.  В Филимонове при Тульском творческо-производственном комбинате художественного фонда РСФСР теперь работает всего несколько мастериц старшего поколения, уже преклонного возраста: А. Г. Карпова, А. И. Карпова, А. Г. Зайцева и др. Филимоновские игрушки лепные, почти всегда со свистом; даже крупных размеров «бабы» держат под рукой птичку-свистульку. Обычно высота игрушек колеблется от 5 до 20 см, но отдельные выставочные экспонаты достигают 40. Сюжеты их не так разнообразны, как дымковских, круг их довольно узок: женская фигура («баба»), мужская фигура («солдат»), баран, конь, всадник, олень, петух, собака, корова. В некоторых возможно влияние дымковской игрушки (доярка, всадник, например), но ряд сюжетов—сугубо местные: собака с зеркалом, солдат с гусем, «любота» (возлюбленные), в других местах они не встречаются. Фигурки имеют очень обобщенные, условные формы, вытянутые пропорции, удлиненные шеи и головы, что объясняется свойствами материала — местной жирной глины, требующей многократного заглаживания в процессе лепки; но в этом же их своеобразная привлекательность и неповторимость. Их условность удивительным образом совмещается с одухотворенностью, живой убедительностью образов. Они очень декоративны в своем монументальном лаконизме и жизнерадостны благодаря солнечной яркости росписи, состоящей из малиновых и зеленых или фиолетовых полос по желтому фону.  Одежда женских фигурок бывает украшена ромбами, розетками, полосами. Любимый цвет росписи фи-лимоновских игрушек — малиново-красный. Он преобладает на женских фигурах, часто сплошь покрывая значительную их поверхность. Преобладает орнамент наиболее древнего в народном искусстве геометрического стиля. Иногда вместо полос появляются цветные крапки, условно воспроизводящие оперение птиц, реже цветы, ветки изображаются елочкой, напоминая мотивы народной вышивки. Расписывают игрушки по традиции куриным пером, после того как они просушены в течение нескольких дней и обожжены в электрическом муфеле в течение 12 часов при температуре 800 градусов (прежде их обжигали в ямных гончарных горнах вместе с посудой). После обжига фигурки приобретают светлый, чуть желтоватый или розоватый тон, на котором ярко играют все цвета росписи.  Современная филимоновская игрушка, подобно дымковской, стала предметом коллекционирования и декоративного украшения.

Каргополь Продолжается в наше время жизнь традиционного искусства народной глиняной игрушки в Каргопольском районе Архангельской области, где работает несколько мастеров. Центром промысла была Д. Гринево, где проживали мастера, И. В. Дружинин и У. И. Бабкина. В музеях хранятся игрушки И. В. Дружинина, созданные в 1935—1940 гг. Это по-крестьянски мощные, коренастые фигуры людей, а также стоящие подобно людям, на двух ногах олени, медведи, птицы - то ли сказочные персонажи, то ли изображения ряженых. Много женских фигур с ребенком на руках, с кор зиной, с птицей, занятых хозяйственными заботами. На них широкие юбки, разнообразные головные уборы кофты с крупными налепными пуговицами. Не лишены бытовых черт и другие фигуры. Каждый персонаж показан в действии: одни несут сосуды, другие играют на гармошке или на рожке, мужчина курит, развалясь в кресле. Обобщенность форм, четкий выразительный силуэт, крупная лаконичная роспись делают их монументальными, несмотря на небольшие размеры (10 15 см). Цветовое решение этих игрушек очень красиво и необычно. По предварительной побелке они раскрашены желтой, розовой, серой, сиреневой, бирюзовой, коричневой, черной матовыми гуашевыми красками в изысканных сочетаниях. Геометрический белый или черный орнамент из кругов, прямых и косых крестов, полос, штрихов, овалов похож на древние знаки. Пятнами, полосами, штрихами намечены формы одежды, черты лица. Все образы полны большой жизненной силы и внутренней значительности, выглядят непринужденными и самоуверенными.  Игрушки У. И. Бабкиной гораздо меньшего размера, в них сильнее выражено движение. Они расписаны масляными красками, грубее по расцветкам, иногда случайным (какая краска была у мастерицы, такой и красила). Несмотря на это, работы привлекательны своей непосредственностью, пластичностью. Поистине непочерпаемая фантазия и острая наблюдательность вместе с традиционными приемами воплощены в фигурках и группах У. Бабкиной. Тематика их разнообразна: здесь и постоянные для народной игрушки конь, баран, олень и более сложные групповые композиции, например охота на медведей (могла появиться под впечатлением от книжной иллюстрации или фотографии), часты бытовые сюжеты: катание на санках, танцующая пара, сказочные образы: Полкан-богатырь, птица-сирин и др. Мастерица лепила их с веселой улыбкой, сама радовалась им и шутила. Так же веселы и простодушны eё игрушки. В 1966 г. при архангельском промкомбинате был организован гончарный цех, позднее перешедший в объединение «Беломорские узоры». Возглавил производство игрушек А. П. Шевелев. Там стала работать и его сестра, К. П. Шевелева. В 70-х годах производство игрушек в объединении развивается. Там работает более 15 мастеров. Характерны массивные фигурки коньков, мужичков с окладистой бородой, крестьянок; варьируется образ Полкана (кентавра), который был в числе любимых произведений У. Бабкиной.  Абашево. Большую популярность приобрела в последнее время (со второй половины 70-х гг.) ранее забытая абашевская игрушка (д. Абашево Беднодемьяновского района Пензенской области). Она бывает двух типов: глазурованная и с холодной росписью. Небольших или довольно крупных размеров всадники, олени, львы, петухи, утки, дамы в шляпах и т. д. с вдавленными насечками и покрытые зеленой или коричневой поливой, другие же раскрашены масляными красками и золотым или серебряным порошком (бронза, алюминий). Абашевская игрушка была развита в начале XX в. в более традиционных и примитивных формах. Сохранились работы П. и Л. Зоткиных 1930-х гг. с применением кукольных штампов для оттискивания лиц, фигурки одеты в замысловатые шляпы с полями, кроме насечек и дырочек, узором служат крупные налепные пуговицы, эполеты и т. д. Часть фигурок окрашена несколькими яркими цветами. Например, красный козел с зеленой шеей и серебряной (алюминиевой) головой или олень с зеленой передней и с синей задней половиной, красной головой и бронзовыми рогами. При всей резкости и пестроте в них есть поразительная сила самоутверждения. Созданный Ларионом Зоткиным тип декоративного изображения животных — козлов, быков, оленей и др., наделенных необычайной мощью,— затем сохраняется в творчестве других мастеров, работающих позд-нее, в частности в фигурах И. Л. Зюзикова. В игрушках последнего времени, во многом повторяющих типаж из-делий 30-х гг., еще сильнее утрирована массивность фигур, длинные шеи и мощные рога, короткие ноги. Нередко их окрашивают сплошь одним цветом, причем излюбленный цвет — красный.  Т. Н. Зоткин — участник выставок народного искусства 70—80-х гг. В своих работах он очень близок изделиям Лариона Зоткина. Выполняет и мелкие глазурованные свистульки, и значительных размеров оленей коней, птиц, козлов. Сохраненный современными мастерами тип абашевской игрушки 30-х гг. приобрел значение традиции — устойчивость и убедительность сложившейся декоративной системы. Она не возникла вдруг, а несет в себе и более общие черты, свойственные на-родной игрушке, особенно эмоциональную силу, благодаря которой она привлекает к себе внимание.