4. Творчество Жоржа Брака.

термин «кубизм» связан не просто с Браком, но с вполне конкретной его работой

«Натюрморт» (1908). Существует несколько легенд относительно этого авторства

(Матисс, Модильяни, Г. Аполлинер). Но для критики кубизм сразу стал словом

ругательным.

Как раз в

творчестве Брака, наиболее полно проявился конструктивизм.

Он сумел не только показать отдельные предметы с разных точек зрения, нарушив

незыблемую прежде центральную перспективу. Он показал

один и тот же предмет одновременно в нескольких ракурсах. Но анализом форм

далеко не исчерпывается его открытия. Один из немногих мастеров своего

поколения, он сумел сохранить артистизм в цвете, соединив «алгебру и гармонию».

«Я не художник-революционер. Я не ищу исступления. Порыва мне достаточно. Я

люблю правило, которое умеряет эмоцию», - утверждает Жорж Брак. Казалось бы,

мысль парадоксальная для художника-новатора. Но, глядя на его работы, мы

четко видим ту грань, которая отделяет его от революционности беспредметного

искусства. Некоторые фрагменты изображения приобретают характер знаков-

символов. Это часто почти промежуточное звено между названием-подписью и

общей композицией. Но грань эту он никогда не переходит.

Артистизм для него не менее важен, чем мысль. В его поздних работах меньше

«загадочности». Зритель сразу узнает мир обычных предметов (чем проще, тем

лучше). И тут же отдается ничем не нарушаемому созерцанию скупо выразительных

линейных и цветовых отношений. Объемы в отличие от раннего кубизма не

выпирают из плоскости, не лезут в глаза, но трактованы весьма убедительно и

декоративно («Натюрморт с чайником»).

Пожалуй, в графике наиболее наглядно проявился метод художника. В серии

«Гелиос» сама авторская нумерация листов ведет нас за мыслью автора. Причем

эмоциональное начало несет не только само изображение. Оно четко отделяется

линейным и цветовым контуром на плоскости листа. Остальное пространство

(беспредметное) окрашено по контрасту: холодно-теплое. Вынесение

дополнительных цветов за пределы основной композиции придает работам особую

изысканность.

На протяжении многих лет Брак постоянно обращается к мотиву летящей птицы, в

которой часто видит что-то мистическое. Летящая птица — олицетворение

свободы, духовного полета, самого искусства. Но это и совершенство живой

формы, красота и артистизм ее движения. Здесь художник достигает вершин,

когда мы просто забываем о технике, хотя она здесь изыскана и наиболее

однообразна по сравнению с другими циклами. Мы просто отдаемся

непосредственному общению с каждой вещью.

Вечность движения искусства в образе летящих птиц блестяще воплотил он и в

лучшей своей монументальной работе — росписи зала этрусков в Лувре.

Творчество Брака не ограничивается живописью и графикой. Он создал утонченную

и экспрессивную скульптуру, перекликающуюся с греческой архаикой. К высшим

достижениям французского прикладного искусства принадлежат его витражи,

ювелирные украшения. Классическими стали и его театральные работы (постановки

балетов Дягилева в Париже в 20-е годы).

Жорж Брак. Пейзаж (Эстак). 1908 год.

Работы Жоржа Брака – это неповторимость его видения мира и искусства, сам

процесс стремительного, поистине революционного развития искусства ХХ века.

Фернан Леже – Fernand Leger (1881-1955)

Один из лучших французских художников 20 века, который в своем творчестве тоже коснулся вечной темы хрюшек. Из его первых опытов сохранилось несколько картин, созданных в 1904-1905 под влиянием импрессионизма ("Сад моей матери" 1905) или фовизма (пастозный "Автопортрет"). Художник сам уничтожил большую часть того что он назвал "Леже до Леже".

Значительное место в творчестве Леже занимают социальная и индустриальная темы. Помимо живописи художник занимался также к керамикой, книжными иллюстрациями, дизайном одежды и ковров, работал в театре и кино.

Портрет Пикассо. Мужчина в кафе. 1914. Жалюзи. 1914.

Основной жанр его живописи — натюрморт. Первая и одна из наиболее удачных живописных работ Гриса - «Оммаж Пикассо» - была выставлена в 1912 г. в Барселоне. В 1914-1918 годах эволюционировал от аналитического кубизма к синтетическому. Первая персональная выставка Гриса состоялась в 1919 в Париже, затем последовали экспозиции в Берлине (1923) и Дюссельдорфе (1925). Использовал гуашь и акварель, экспериментировал с техникой коллажа

Р. Делоне

Начинал под влиянием постимпрессионистов, прежде всего Сезанна. Остро чувствовал движение, ритм. С 1912 года пришёл от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи, которую Гийом Аполлинер назвал орфизмом. Был близок к Синему всаднику, переписывался с Кандинским и Маке. Автор ряда программных и теоретических работ о живописи, одну из них («О свете», 1912) перевёл на немецкий язык Пауль Клее, она была опубликована в журнале «Sturm» (1913).

франц. purisme, от лат. purus — чистый) Течение во французской живописи конца 1910— 20-х гг. Основные представители - художник А. Озанфаном и архитектор Ш. Э. Жаннере (Ле Корбюзье). Отвергая декоративные тенденции кубизма и других авангардистских течений 1910-х гг., принятую ими деформацию натуры, пуристы стремились к рационалистически упорядоченной передаче устойчивых и лаконичных предметных форм, как бы "очищенных" от деталей, к изображению "первичных" элементов. Для работ пуристов характерны плоскостность, плавная ритмика лёгких силуэтов и контуров однотипных предметов (кувшинов, стаканов и т. п.). Не получив развития в станковых формах, существенно переосмысленные художественные принципы пуризма нашли частичное отражение в современной архитектуре, главным образом в постройках Ле Корбюзье. Пуризм - это искусство интеллектуальное исключающее случайность и использующее четкие геометрические формы. Озанфан и Жаннере вдохновляются конструктивными методами конечными целями и эстетикой промышленных машин и утверждают "общую грамматику чувствительности". Формы и цвета упрощены а структуры основаны на прямоугольниках и "правильных планах". В темах преобладают натюрморты составленные из повседневных предметов: тарелки стаканы графины курительные трубки бутылки - которые имеют функциональное значение и трактованы экономично. Их простые и стандартизированные формы могут легко соединяться оставаясь при этом четкими. Эти предметы изображаются в соответствии с методами взятыми из промышленного рисунка с использованием плана общего вида и тени спроецированной по правилам перспективы. Их органичное расположение производит регенерацию форм.

Вариант пуризма в творчестве Ф. Леже

Орфизм (франц. orphisme, по имени персонажа древнегреческой мифологии певца Орфея) – течение в европейской живописи 1910-х гг., близкое к кубизму и футуризму. Термин «орфизм» был изобретен поэтом и художественным критиком Гийомом Аполлинером (орфизм как куль Орфея) для характеристики творчества Роббера Делоне и публично заявлен во время лекции, посвященной современной живописи в октябре 1912 г. Предложенным названием поэт хотел, по-видимому, подчеркнуть особую музыкальность, интуитивность, иррациональность абстрактного искусства Делоне.

Впоследствии Аполлинер распространил это понятие также на творчество кубистов, дадаистов и художников группы «Синий всадник» (Кандинский, Марк, Макке, Явленский), внеся определенную путаницу в суть самим же изобретенного понятия.

Орфизм – локальное, недолго существовавшее течение в живописи, представленное именами Роббера Делоне, его жены Сони Терк-Делоне, Франтишека Купки и их немногочисленных последователей, среди которых самыми заметными фигурами были Фернан Леже, Франсис Пикабиа, Владимир Баранова-Россине. Своей целью орфисты провозгласили создание «новой реальности из простейших, но тончайшим образом организованных цветовых сочетаний». Их живопись была основана на эффектах движения, возникающих при сопоставлении контрастных цветов. Эстетизм, отвлеченная пластичность, ритмика форм, силуэтов и линий – характерные особенности орфизма.

Мастера орфизма: Роббер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел