logo
Gossy-3td

Рассел Райт

Его обеденные сервизы из керамики отличались теплыми терракотовыми тонами и скульптурными формами.

Рэй работает в области дизайна мебели, экспериментируя с технологией формовки прессованной фанеры. Из этого материала создаются абстрактные арт-объекты, скульптуры, игрушки и вполне утилитарные вещи — столы и стулья.

Стайлинг внедрялся в США не только для того, чтобы сделать изделие более привлекательным, но и как маркетинговая стратегия американской индустрии, чтобы значительно ускорить цикличность смены внешнего вида продукта.

Автомобильный стиль

В 50-е годы в Америке пышно расцвел стиль, вызвавший возмущение ревнителей «хорошего дизайна».

После появления кадиллака «Эльдорадо»

создатели других изделий массового спроса охотно переняли новые идеи автомобильного дизайна: панели управления посудомоечных машин стали походить на приборные доски автомобилей, причем для полноты картины дисковые таймеры делались в форме миниатюрного рулевого колеса.

Три ведущих дизайнера определяли автомобильную моду: Эрл работал у «Дженерал моторе», Экснер — у «Крайслер», Уолкен —

в «Форд».

В середине ХХ века американцы внезапно осознали, что хотят ездить на изысканных, длинных и роскошных автомобилях.

Создателем и инициатором внедрения этой революционной дизайнерской идеи стал легендарный стилист Дженерал Моторс господин Харли Эрл.

Харли Эрл (1893—1969)

Aмериканский мастер автомобильного дизайна, один из родоначальников стайлинга.

Раймонд Лоуи

Благодаря Лоуи характерные линии стримлайна в дизайне автобусов стали широкораспространенными в США.

Мастер промышленного дизайна, автор логотипов Exxon, Shell, Lucky Strike, промышленных образцов и почтовых марок.

1. Рейсовый автобус Scenicruiser, 1954

2. Питьевой автомат для кока-колы, 1947 3. Студебеккер Commander. 1950

Жорж Нельсон (1908—1986) —американский дизайнер, архитектор, критик и теоретик дизайна, борец с визуальной неграмотностью.

Проектировал осветительную арматуру, часы, мебель, упаковку, занимался выставочным дизайном.

Форму своего знаменитого черного стула дизайнер строит на основе сферического треугольника, широко использовавшегося в архитектурных конструкциях купольных сооружений.

В частности в византийских и русских храмах такой сферический треугольник назывался «парус». Благо-даря «парусу» осуществлялся плавный переход от подкупольной опоры к куполу.

Спинку и сиденье софы Нельсон составляет из сидений барных стульев. Одновременно разноцветные модули софы ассоциируются с «мигалками», использовавшимися на дискотеках. Такого рода иллюминация вошла

в моду, благодаря течению оп-арта, экспериментировавшего с различными световыми эффектами.

В том же духе конструирует дизайнер изящные настенные часы.

Стилизуя формы цилиндров, эллипсов, шаров, Нельсон создает серию легких, визуально почти невесомых светильников. Это впечатление усиливается благодаря белому цвету пластика, обтягивающего проволочный каркас.

Новые материалы

В условиях послевоенного дефицита материальных ресурсов все больше внимания стали обращать на искусственные материалы.

Активное использование пластмассы.

Плексиглас пришел на смену стеклу.

Одним из новшеств было применение искусственных материалов в изготовлении стульев.

Ээро Сааринен — один из пионеров органического дизайна.

Вместе с Чарльзом Имзом побеждает на конкурсе Музея современного искусства с революционным проектом мебели из гнутой фанеры.

Эти прогрессивные принципы получили дальнейшее развитие в творчестве Сааринена в мебельных проектах для фирмы “Knoll”

Чарлз Имз (1907—1978) Рэй Имз (1912—1988)

Чарлз Имз — известный американский дизайнер, архитектор, педагог. Рэй Имз — жена Чарлза, скульптор, большинство проектов мужа создано с ее участием.

Многие из образцов мебели Имза стали классикой XX века.

В1951 году Имз первый применил

в проектировании стульев пластик, усиленный стекловолокном.

Его кресло-шезлонг с оттоманкой (модель 670 фирмы «Герман Миллер») тоже стало одним из классических образцов мебели XX века.

В 1941 году Чарлз Имз создал цельно отлитую чашу дли сидения, известную под названием DAR-стул.

Гарольд ван Дорен (1895—1957) — пионер индустриального дизайна, мастер стримлайна, эстетики ясных целесообразных форм.

Проектировал многочисленные изделия в стиле «стримлайн» для фирм Maytag, Goodyear, Ergy, Swarlzbaugh и DeVilbiss.

Стиль поп-арт — это направление современного искусства, которое обрело популярность в 50-60 годы прошлого столетия.

Самым известным представителем этого стиля считается Энди Уорхол. Как объясняют специалисты, новое направление возникло в результате реакции художников на современную массовую культуру общественного потребления.

Ведь неординарных личностей всегда привлекает все яркое,  вызывающее, провокационное и возмущающее спокойствие.

Стиль поп-арт способен украсить интерьер даже с помощью консервной банки, которая гармонично в него впишется и не вызовет диссонанса.

Э́нди Уо́рхол, настоящее имя — Андрей Вархола, художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного.

Энди Уорхол является самой известной и противоречивой личностью в искусстве во второй половине двадцатого века.

Он был одним из основоположников поп-арта и доказал что искусство может быть материально прибыльным.

Алексей Бродович, пионер графического дизайна, человек, создавший прообраз современного глянцевого журнала

о моде Bazaar.

Эрвин Блюменфельд (1897—1969)

Блюменфельд отрицал «красивость» в пользу красоты. Он создал каноны новой эстетики.

В 30-х, 40-х и 50-х годах прошлого века Эрвин Блюменфельд был одним из ярчайших создателей совершенно новой образности, нового языка фотоискусства, как раз тогда начинавшего активно сплетаться с коммерцией.

13. Послевоенный дизайн в Европе

Вторая мировая война оказала сильное влияние на весь предметный дизайн, так как было резко сокращено потребление сырья частными фирмами во всех воюющих странах и введена карточная система.

Великобритания. В 1944 создан Британский совет по технической эстетике с целью оказать помощь промышленности в выпуске высококачественной продукции, способной конкурировать с зарубежными образцами.

3-х секторов: промышленность, информация

и выставки, административно-финансовый.

Совет проводил рекламную деятельность, выпускал журнал «Дизайн», проводил выставки, самая крупная из которых состоялась в 1946, а также обсуждал проблемы на уровне парламента и присуждал премии за лучшие разработки. (малолитражный авто мини, внедорожник лэндровер).

Франция. В 1951 создан «Совет по технической эстетике» Западная Германия. В 1951 — «Совет по формообразованию». Австрия.

В 1957 — «Государственный австрийский институт формообразования».

Скандинавский дизайн.

Во время 2-й мировой войны некоторые страны были оккупированы. Изоляция повлияла на скандинавский дизайн. В 30-е годы в Финляндии, Швеции, Дании, Норвегии складывается очень своеобразный стиль, который отличает уравновешенность, комфортабельность, естественность.

Своими корнями он уходит в народное искусство: уклоняясь от геометрических пристрастий Баухауза, он стремится к конструктивной ясности и простоте решений.

Архитектура скандинавских стран тяготеет

к связи с природой, скромному масштабу, простоте форм, тщательному подходу к деталям. Скандинавские дизайнеры широко и многообразно используют различные породы древесины, обычно охотно применяя тик, кожу для обивки сидений, из всех металлов они отдают предпочтение хромированной стали.

В середине XX века скандинавская культура

и скандинавский дизайн привлекают всеобщее внимание. Ведь тогда в Скандинавии родилась самобытная и неожиданная философия оформления внутреннего пространства

и особый тип мебели.

Это мебель из дерева — бука или дуба, изящная, легкая и гибкая.

Конструкции просты и функциональны, ее основу составляют модули, благодаря чему мебель проста

в сборке и удобна для складирования.

Многослойные деревянные конструкции стало возможно изготавливать благодаря новой технологии получения лущеного шпона, запатентованной датскими дизайнерами.

Соединение интернационального стиля

с традициями ручного труда в индустриальном производстве стало основой огромного успеха скандинавской культуры жилья.

Такой дизайн стали называть

«органический дизайн».

Органический дизайн 1930—1960

Органический дизайн основан на концепции органической архитектуры, впервые предложенный Френком Ллойдом Райтом и Чарлзом Ренни Макинтошем в конце XIX века.

Ее главный постулат утверждал, что отдельные элементы, например, предметы мебели, должны визуально и функционально вписываться как в интерьер, так и  в общую концепцию здания.

Более того, по их мнению, само здание также должно соотноситься с местностью, где оно построено, — через структуру, материалы

или цвета.

Несмотря на то, что понятия интеграции и естественности изначально были заложены в этом подходе, они не обязательно выражались во внешнем виде объектов, а органические формы не сразу стали его центральной темой.

Однако постепенно органические функциональные формы завоевали дизайн; их плавные, эргономичные линии мы можем наблюдать в дизайне и в наши дни.

Одним из основателей органического дизайна был финский архитектор Алвар Аалто, чьей творческой философией впоследствии стали руководствоваться продолжатели этого стиля Чарльз и Рей Имз.

Аалто был убежден, что использование натуральных материалов — это способ удовлетворить как потребительские, так и психологические запросы потребителей.

В 1940 г. в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка-конкурс «Органический дизайн в мебели для дома».

Целью ее было представить на суд публики мебель, изготовленную с использованием органического подхода.

Второе рождение органический стиль пережил в 1990-х, после того, как в 1991 в лондонском Музее дизайна прошла выставка с простым названием «Органический дизайн».

Новые технологии и материалы, особенно пластмассы, и возможность компьютерного дизайна — внесло новое в эволюцию стиля.

Эрик Асплунд (1885— 1940) Здание Городской библиотеки в Стокгольме, Церковь в Стогольме.

Алвар Аалто довольно много времени уделял проектам библиотек. Разрабатывал систему бестеневого освещения.

Проектировал залы в форме веера, разворачивая помещение к свету, компенсируя его недостаток в северных широтах, расчленияет помещение на зоны разным освещением.

Концертный зал «Финляндия» в Хельсинки.

14. Оливетти

В небольшом итальянском городе Ивреа существовала фабрика пишущих машинок «Оливетти». Впервые о ней заговорили в 1911, когда на промышленной выставке и Турине ее продукция была отмечена медалью.

Начиная с 30-х годов фабрика стала быстро развиваться, и если к 1929 на ней работало около

700 рабочих и служащих, то к 1965 количество

рабочих перевалило за 50 тысяч.

Выпускались уже не только пишущие машинки, но и самое различное конторское оборудование. В этой области фирма производила примерно одну треть всей мировой продукции. Это может показаться маловероятным, но решающую роль в этой стреми-тельной экономической экспансии фирмы «Оливетти» сыграли ее дизайнеры. Хозяева фирмы раньше других оценили роль дизайна. В 1927 на фабрику были приглашены художники Джованни Пинтори и Александр Щавинский, поэт Леонардо Синисгалли, который возглавил отдел рекламы и всевозможных публикаций.

Так образовалась одна из первых дизайнерских групп в Европе. Перед ней была поставлена задача завоевания монопольного положения фирмы в области конторского оборудования.

Когда в 1936 году отдел возглавил Марчелло Ниццоли, фирма приступила к подготовке нового наступления. Это наступление началось сразу после окончания мировой войны.

В конце 1940-х выпускаются сенсационные

по своим эстетическим качествам модели пишущих машинок «Лексикон-80» и «Леттера-22». Это был большой успех: возникает выражение «стиль Оливетти».

«Стиль Оливетти» — это не приверженность

к каким-либо определенным пластическим формам и приемам в оформлении, не формальное единство продукции, совсем нет.

«Стиль Оливетти» — это стремление сделать любую продукцию обязательно красивой, фабричные здания строить красивыми, в самом современном стиле.

Даже письма, деловая корреспонденция, исходящие от фирмы, должны быть изящно оформлены и написаны с хорошим литературным вкусом — все должно быть привлекательным, первосортным.

Деятельность дизайнерских групп  «Оливетти» нельзя оценивать только с точки зрения чисто коммерческого успеха. В фирме «Оливетти» сотрудничали многие выдающиеся прогрессивные представители искусства, архитектуры, литературы.

В конечном счете деятельность этого отряда высокоодаренных людей явилась несомненно вкладом в общечеловеческую современную культуру. Фирма не только создает те или иные отдельные машины, она производит полные комплекты оборудования для любых систем конторских операций во всем мире. Крупные комплексно оборудованные конторы не просто эффективны в практическом отношении, они еще и символ современного бизнеса, реклама его экономического преуспевания и мощи, а также объект восхищения для администрации, клиентов, посетителей и даже для кино- и телехроники.

Это уже не просто контора, а зрелище, причем зрелище, по-своему изысканное. Так «стиль Оливетти» стал сам формировать эстетическое восприятие, вкус и потребности заказчика.

Экономическое чудо

Склонность итальянской художественной культуры к авангардным формам, выразившаяся в движении футуристов, получила новый расцвет после 2-й мировой войны. И если движение футуристов в начале ХХ в. развивалось лишь в рамках экспериментов без выхода на промышленную практику, то после 2-й мировой войны бурное развитие экономики выдвинуло Италию в области дизайна на 1-й план, превратив в дизайн-нацию.

Экономический взлет Италии, не отличавшейся ничем особенным в области дизайна до войны, произошел в течении 10—15 лет.

Итальянские товары заполонили внешний рынок. Особая роль здесь принадлежала дизайну экспортной продукции.

Экономическое чудо произошло благодаря: гибкости в управлении, низкому уровню зарплаты рабочих и американской гуманитарной помощи.

Влияние США (в том числе и Голливуда) сказалось на эстетических взглядах

и мировоззрении итальянцев.

Синтез специфических итальянских вкусов

и американских потребительских привычек вылился

в самостоятельный и очень успешный дизайн. «Итальянская линия» уже в 1955 была интер-национальным достижением соврем. образа жизни.

Взлет испытали металлоемкие производства,

в том числе, производство автомобилей, мотоциклов и пишущих машинок.

«Веспа» — роллер и «Фиат–500» были самыми известными итальянскими экспортными продуктами. А затем пришел спрос на мебель

и модную одежду.

В Европе и США носили итальянские костюмы, ездили на итальянских авто и пили эспрессо.

Италия установила новые международные стандарты для спортивных элегантных машин

с мягко пружинящей, но полной силы формой (дизайнер Батиста Пининфарино) Это: Альфа-ромео, Лансия и Феррари.

50-е были периодом экономического взлета,

а 60-е стали кульминацией этого взлета.

Большинство населения повысило свое благосостояние. Бытовые приборы, стереоаппаратура, а у многих и автомобиль стали показателем уровня жизни.

А это вызвало изменения в подходе к дизайну вещей. Возникла концепция Bel Design (Хороший дизайн) аналогично тому, как

в Германии возникла концепция Gute Form (Хорошая форма), а в США — стримлайн.

В 60-е итальянский дизайн был уже направлен не на искусство и эксклюзивы, а на науку, технику, и современные методы производства.