logo
Культурология

7.4.4. Музыка барокко

Термин барокко относится к музыке, написанной в течение периода примерно с 1600 до 1750 гг., начиная с первых опытов оперы в Италии и заканчивая смертью Иоганна Себастьяна Баха5, работы которого представляют вершину стиля эры контрапункта. Но музыка барокко — широкая категория, она может быть разделена как хронологически, так и в соответствии с различными национальными стилями.

В конце XVIII столетия — период, в течение которого доминирующий стиль подчёркивал элегантность и простоту — композиторы использовали слово «барокко» для определения более ранней музыки (так же как живописи, скульптуры и архитектуры), которая, как им казалось, была искажена обилием неестественных украшений.

К концу XVI столетия итальянские композиторы усовершенствовали мадригал, популярную форму полифонического представления текста. В мадригале музыка выражала интенсивность эмоций, предложенных поэзией. Формы сольного пения этого времени также отразили эту реалистическую эмоциональность. Постепенно на основе песенных форм возникли более крупные, позволившие получать драматические эффекты. Клаудио Монтеверди был главным среди ранних экспериментаторов в вокальной музыке; его оперы и книги мадригалов являются высшими достижениями этого раннего периода барокко.

Ранняя итальянская кантата была формой, в которой сюжет — обычно светский — был изложен певцом соло через речитативы и арии на фоне скупого бассо континуо (лютня или клавесин, обычно с контрабасом, подчеркивающим линию баса). Эта форма в течение 150 лет блуждала по Европе и была сильно преобразована, особенно в Германии, где в неё стали включать несколько певцов и хор. К концу эры барокко Бах сочинял кантаты, в которых священные мелодии гимна играли центральную и объединяющую роль, а заканчивались они часто грандиозными хоровыми финалами.

Оратория, большая драматическая композиция на религиозную тему, имела корни в Риме и распространялась всюду по Европе в сочинениях немецко-английского композитора Георга Фридриха Генделя6. Именно в Англии и по-английски он сочинил наиболее популярную из всех ораторий, «Мессия» (1741).

Соната, инструментальное сочинение, является другой формой, которая возникла в раннем барокко. В Италии термин «соната» означал группу медленных и быстрых танцевальных пьес или абстрактную композицию из контрастных медленных и быстрых частей, позднее известную как «церковная соната». Среди итальянских композиторов, которые работали в обоих стилях, возможно, самым изобретательным был Арканджело Корелли. Вне Италии наборы танцевальных пьес называли сюитами, и они следовали собственным эволюционным путём.

Развитие сонаты было более драматическим. Подобно мотету и кантате, соната расширилась от единственного эпизода до двух- или трёхчастной формы, типа найденной в клавирных сонатах Доменико Скарлатти, до полифонических форм типа композиций Баха. Ранние сонаты могли быть написаны или для инструментов соло или для маленьких ансамблей.

К концу XVII столетия, когда барокко среднего периода перешло в позднее, или высокое, барокко, вместо ансамблевой сонаты возник кончерто гроссо, где проводится противопоставление-соревнование между полным ансамблем и меньшей группой, как правило, состоявшей из двух скрипок и бассо континуо. От кончерто гроссо произошёл сольный концерт, в котором полному оркестру противостоит солирующий инструмент. Прекрасные примеры стиля кончерто гроссо представляют «Бранденбургские концерты» И.С. Баха; точно так же образцами жанра являются сольные концерты И.С. Баха и Антонио Вивальди.

Центральный в развитии сонаты, концерта и различных вокальных форм является другой новый элемент эры барокко: тональность. К середине XVI столетия старая церковная система приёмов композиции заменялась в соответствии с новой концепцией тональных соотношений. В течение периода раннего барокко композиторы двигались свободно от одной тональности к другой через модуляции, обычно используя как точки перехода аккорды, общие для нескольких тональностей. С течением времени они создали смелую хроматическую музыку.

Постепенно развилась система, в которой отношения между тональностями стали упорядоченными. Эти отношения демонстрирует «Хорошо темперированный клавир» И.С. Баха. Он также представляет две других важных барочных формы, свободную прелюдию и фугу.

Крупные формы появились в начале и середине эры барокко. В позднем барокко происходило расширение и совершенствование этих форм, а также дальнейшее развитие различных национальных школ. И хотя модели были, вообще говоря, итальянскими, немецкий и французский варианты барокко по некоторым чертаv явно различались. Так, для Франции было характерно использование пунктирных ритмов, которые задавали движения танца, так же как прелюдий и увертюр, придавая им особенно живой характер. Он ассоциировался с Францией, даже когда использовался композиторами в других странах. В Германии были распространены элементы как итальянского основного стиля, так и французской моды, но они были умерены более уравновешенной лютеранской музыкальной традицией и обаянием контрапунктической сложности.

Во всех странах от музыкантов ожидалось, что они добавят к музыке, которую они нашли на печатной странице, украшения — почти так же, как сегодня от джазового исполнителя ждут дополнения стандартной мелодии филигранной импровизированной разработкой. Ряд общепринятых надписей в нотах представлял часто используемые украшения — трель, обращение, форшлаг, тремоло и т.д. Так как каждая отдельная надпись могла играться несколькими различными способами, а каждое украшение могло быть представлено несколькими различными надписями, возникли широкие возможности для импровизации. Инструментальная музыка часто изобиловала украшениями. Другое новшество эры барокко, остинантный бас, позволил игрокам сопровождения баса импровизировать вокруг данной гармонической схемы. Оперные певцы часто демонстрировали удивительно длинный ряд украшений и каденций. Часть музыки этой эпохи – например, Баха — нотирована настолько плотно, что, вероятно, включает многое из того, что, возможно, первоначально было украшением.

Эра барокко в музыке была решающей для развития современного музыкального языка. В течение этих полутора столетий установились стандартные формы. Исключительно большое значение имели кодификация тональности и принятие темперированного строя. Не менее важно, что плодовитые композиторы этой эпохи оставили сочинения, которые многое говорят нам и через столетия.

Вопросы для самопроверки